domingo, 27 de abril de 2008

9a clase

9ª clase


A continuación el método más sencillo para ejercer la apreciación cinematográfica, partiendo de que el cine es un arte y por tanto, no es posible separarlo de su contexto cultural

El método consta de seis fases:

1.-Acercamiento al discurso cinematográfico
Para la comprensión del filme es preciso:
Atención y disposición de observación del filme
Tomar notas
Crear una ficha técnico‑artística es decir, proporcionar datos que permiten explicar elementos del contexto de producción, la elección de actores y técnicos, la intervención de creadores (productor, guionista, director, operador, escenógrafo y músico) así como la carrera comercial del filme, desde el tiempo transcurrido entre la producción y el estreno, al número de espectadores de las salas cinematográficas.
Sintetizar el argumento (sinopsis) para recordar el relato de un modo breve y ver, fundamentalmente, el tipo de historia en que se basa la película. Es posible realizar un proceso de selección de diálogos y acciones dramáticas para hacer un esquema del relato.
Describir la acción dramática, es decir, describir los acontecimientos en el mismo orden en el que aparecieron en la película (síntesis).
Describir a los personajes principales respecto a sus atributos, gestos y sus diálogos esenciales.

2.-Localización de la obra cinematográfica
Localizar significa fijar el lugar de una cosa. Por tanto, localizar una película consise en precisar el lugar que ocupa en la filmografía de su autor.
Autor de la misma
Fecha de la realización
Etapa. En caso de que el autor muestre fases reconocibles durante el desarrollo de su obra cinematográfica.
Género cinematográfico o literario

3. Determinación del tema o temas de la película
El asunto o tema de una obra cinematográfica es la trama de acontecimientos en que consiste la obra, una breve narración que conserva los detalles más importantes de la película.
El tema o temas, pues puede haber varios, se fija disminuyendo al mínimo posible. Los elementos del argumento y reduciendo este a nociones o conceptos generales. Para expresar el tema basta una frase o dos.

4. Determinación de la estructura
El tema está siempre distribuido entre las partes de la obra la cual constituye la estructura. Ejemplo, lineal o no lineal.


5. Análisis de la forma
Consiste en justificar cada rasgo formal de la misma como una exigencia del tema, analizar la forma partiendo del tema- no hay que confundir forma con medios técnicos empleados.

6. Conclusión
Una vez estudiadas las fases anteriores se procede a estructural un texto producto de la información acumulada, lo cual constituye la conclusión o síntesis de la lectura del discurso cinematográfico.

martes, 22 de abril de 2008

VITUS. KALI.

VITUS:

Día a día, miles de seres humanos nacen, día a día miles de seres humanos crecen y aprenden en todo el mundo, pero hay humanos… hay ciertos humanos que son distintos a la mayoría, ellos tienen algún don que, los hace ir por delante, ser reconocidos y alabados… ¿quién no quisiera sentirlo? Muy simple, aquellos que poseen esos dones.

Si usted no es de aquellos que se desilusionan cuando leen detalles sobre la película que no han visto, detenga su lectura en este momento, tome su Cosmopolitan y continúe con su vida…

Vitus, una película de origen y producción Suiza, producida por Sony Pictures. Bajo la batuta de Fredi M. Murer como director, esta película nos cuenta la historia de un niño superdotado, él ha nacido con una gran gama de habilidades sorprendentes, entre ellas, la más destacable, su tremendo don para tocar el piano. Y eso no es cualquier cosa, ¿qué harías si tuvieras como hijo a alguien totalmente fuera de serie? Eso mismo se preguntan los padres de Vitus, al saberse a cargo de un niño tan especial, al hacerse conscientes de que deben de animar y ayudar al desarrollo de un genio como el de este “chamaquito”. La presión jamás es agradable, Vitus es especial, sí, pero él no tiene la culpa, desearía ser como cualquier otro niño normal, el tiempo pasa, y Vitus crece y cree en otras cosas, su único amigo, su abuelo, es el que atento escucha todo lo que sucede con este ser tan especial, muchas cosas han cambiado (ahora Vitus, con 13 años está a punto de graduarse a la universidad), pero muchas, siguen igual, como la presión de sus padres, presión que Vitus ya no soporta, él sigue deseando poder tener una vida normal, sin la carga que representa ser un genio… un día lluvioso y tétrico, Vitus cae de un segundo piso, tiene un accidente, los análisis dicen que todo es normal, pero hay algo extraño en Vitus, su habilidad para el piano parece haber desparecido, su ICQ está bien… ahora, es el de un niño normal. ¡El genio se ha perdido? ¿Y todos los planes, y todos los sueños, también?

Vitus nos ofrece una problemática sorprendente, y a mi manera de ver, no, no es la gran habilidad de Vitus, va más allá. Se acerca los sentimientos más sucios y a la vez más hermosos de los humanos, a sus sueños, a su felicidad, a la verdadera felicidad.

Es una película sencilla, no se vale e grandes tomas ni efectos, los movimientos de cámara oscilan entre los paneos verticales, horizontales y algunos travelings, nos ofrecen excelentes tomas como el enojo de Vitus y su puerta con su madre tocando detrás, como el avión, y su vuelo. Aquí es cuando entran a cuadro el uso del gran plano general, un momento para recordar. El uso del primer plano y plano conjunto es constante, el director logra un equilibrio en la toma que llega a sorprender. Una sencilla cámara lenta a la caída del sombrero nos muestra un universo de ideas, para mí, uno de los momentos claves en la película.

Vitus, cuenta con una duración de planos, equilibrada, digamos que el director juega con la velocidad y contenido de los planos para manejar la tensión en el espectador, todo esto le agrega, para mí, un ritmo “in crescendo”, si no es que arrítmico, pues no puedo decir que es lento debido a las acciones y situaciones que desarrollan los personajes.

El espacio geográfico se desarrolla en la misma Suiza, recordando el lenguaje utilizado, vemos como se conjugan en este país, punto de encuentro de distintas y ricas culturas y costumbres, el idioma alemán, francés e italiano, los tres idiomas oficiales de Suiza. Un país con lindos paisajes que sirve también como sutil escenario para una historia tan extraordinaria y tan común, aprovechando la belleza del paisaje se le da una iluminación sencilla, natural a la mayor parte del film. Desde aquellos lugares con el abuelo, hasta la luz de los grandes ventanales que contrastan con la pequeña silueta del “Dr. Wolf”. El film se vale del uso del color psicológico, los colores fríos de una tarde confusa, o los colores vivos de una universidad, que a la vez muestra vacío y soledad.

Dando una vuelta a todos los elementos que hacen de Vitus una película digna de captar unos minutos de tiempo es, definitivamente, el sonido, ¿qué puedes esperar de una película sobre un prodigio del piano? Pues efectivamente, ese maravilloso don se manifiesta en las melodías de Vitus, que cuenta con piezas de Bach, Ravel, Lizst y Mozart por mencionar algunos. El sonido subjetivo, la música con gran protagonismo, ayuda a la ambientación y a transmitir las ideas necesarias, necesario para entender a un genio.

La escena final de Vitus en una avioneta es, no muy sorprendentemente una de las escenas finales, por lo que podemos decir que se ubica dentro de un plano fragmentado sólo por la alteración de este punto o fragmento, pues la historia transcurre en su mayo parte de forma lineal. Un montaje de tipo ideológico es otro elemento a destacar de Vitus. Y hablando de lementos a destacar, destaco el trabajo (claro) del director Fredi M. Murer, de los actores, Bruno Ganz (Abuelo) Teo Gheorghiu (Vitus puberto). De los encargado de la interpretación musical de las obra de grandes músicos, directores de orquesta y musicalizadotes definitivamente. Y por último a los encargados de vestuario, que contribuyeron al encanto de un niño con traje de caballero.

Ya casi para terminar, me parece algo “innecesaria” la parafernalia de las habilidades de Vitus, digo, al final el mensaje es muy diferente del que uno espera recibir, y el hecho de que el pequeño enriquezca a su familia (no sé si por envidia de la genialidad) no me agradó tanto como el resto de la película, aunque también es necesario para completar el mensaje de: “la verdadera felicidad”. Es una obra dirigida para todo público, sí, incluso para público joven, ya que hasta cierto punto llega a ser motivacional. Vitus, un personaje que hace y deshace de todo sólo para darse cuenta de que sencilla es la felicidad, tengas un gran genio o no…

Vitus es una de esas películas que puedes ver con una sonrisa de ternura durante aproximadamente dos horas, terminar y suspirar antes de exclamar un: ¡Ahh! Con una visión feliz de la vida. Déjate tocar por un prodigio, por “un niño extraordinario”. En fin, ahora juzguen ustedes mismos y espero comentarios.

VITUS. CÉSAR.

Vitus

Hablar de Vitus es hablar de un film hecho y derecho, manejado bajo un estándar de rigurosa profesionalidad y perfeccionismo, hablando no solo del director, sino de los elementos que quedan bajo otras manos y responsabilidades, como la fotografía, la música y hasta las actuaciones.

Siempre me ha impresionado mucho la manera de hacer actuar a un niño, uno como actor en preparación resulta difícil, ahora un niño que no tiene claro sus sentimientos me parece aun mas dificil, y que el director halla conseguido hacer que el niño reproduzca la exactitud en sus acciones, emociones y sentimientos, me parece magnifico trabajo en equipo; sobretodo hablando de la parte en la que Vitus tiene 6 años.

Introduciéndonos en el argumento es sencillo al ver la película, ya que es una historia meramente lineal, claro, con sus respectivos tiempos psicológicos en el paso de la vida de la familia, el trabajo y en general, el entorno en que vive el niño prodigio. Sin embargo resulta igual de sencillo sensibilizarnos ante tal forma en que se cuenta la vida de una persona distinta a la mayoría de la gente, observas que no por ser inteligente la vida es mas sencilla, ya que toma diferentes curvas a las que una persona común se enfrenta día con día.

Me pareció fascinante el sentimiento que me dejo la piel chinita por este filme, pues a pesar de que no te sientes identificado con el personaje en ningún momento, pues él vive bajo un contexto casi irreal y de total ficción, solo por mencionar lo rápido que se vuelve rico con solo entrar al Internet a verificar la bolsa de valores, la suerte que su padre tiene para obtener un buen puesto en una empresa siendo inventor, y en general su alto IQ, es lo que te mantiene lejos de que puedas ser como él, sin embargo te vuelves parte de esa vida y eso, precisamente, es lo que te produce la ya tan sonada emoción final al momento de estar leyendo los créditos.

La música, en conjunto con las tomas echas en su mayoría bajo una cámara estática y bien postrada en un tri pie, son parte fundamental para la transportación de sentimientos actor-publico y con tomas largas de distensión para dejar claro detalles importantísimos como los momentos con su abuelo, que son vitales en esta película, y algunas tomas giratorias de 360 grados también son especiales para que el publico pueda observar lentamente como toca el piano y como su publico lo observa atónito.

De manera alterna, se maneja en este film la presión a la que vive sometido el niño por sus padres que lo obligan a mantener un régimen de disciplina para con sus actividades, y de la misma manera también se muestran los baches, y las caídas en la vida del niño, tales de una vida normal, la desgracia de perder y es hasta ese momento en que uno se da cuenta de lo que tiene hasta que lo pierde (poniéndonos en los zapatos de su mama, al momento de su caída) pues es la doctora quien menciona esa frase de “su hijo esta en condiciones normales, no sufre de nada, malo para mi dar noticias en que tengo que decir que han perdido de su capacidad cerebral”, pero la madre es la que se siente deprimida porque su hijo ha dejado de ser un niño prodigio y ahora es normal a los demás.

Un drama de categoría, de un cine meramente contemporáneo, de exquisita comodidad y entretenimiento, que se puede observar al lado de tu novia, tu familia, en domingo o en martes por la mañana, una película auténticamente cincoestrellas.

Ficha Técnica

Título: Vitus: Un niño extraordinario
Director: Fredi M. Murer Productora: Sony Pictures Classics
Guión: Peter Luisi, Fredi M. Murer , Lukas B. Suter

País: Suiza
Año: 2006
Reparto: Fabrizio Borsani, Teo Gheorghiu, Julika Jenkins, Urs Jucker, Bruno Ganz, Eleni Haupt, Kristina Lykowa, Tamara Scarpellini, Daniel Rohr, Norbert Schwientek, Heidy Forster, Daniel Fueter.

Vitus. Oli

Olivia Lara Sahagun
Vitus
Largometraje producida por el director suizo Fredi M. Murer, un discurso enternecedor resaltando la belleza, sensibilidad y la experiencia de la línea de la vejez y la infancia, mostrando como ambos viven mismos conflictos, pensamientos, anhelos, desprecios pero sobre todo sueños. Género drama definido a manera de fábula.
Muestra la historia de Vitus, un pequeño que nace con dotes magníficos sobre aprendizaje y sensibilidad a la música, afortunadamente o desafortunadamente comienza a descubrir su talento desde una edad imposible de encontrar tanta racionalidad y capacidad en alguien normal, esto delata al pequeño y sus padres descubren su facilidad y sensibilidad ante la música y sobre sus capacidades mentales altamente elevadas. Comienza cierta presión al querer mostrarlo ante la sociedad y el que sea apreciado y admirado como lo merece, el explotar al máximo sus capacidades de una manera aún más veloz, esto provoca una intensa y limitante frustración en el niño, comienza a buscar soledad, comienza a vivir sucesos que a su edad no le tocarían vivirlas, comienza a crecer demasiado rápido, y la presión de los cegados padres continua, comienza a despertar un deseo de respeto ante su persona, ante sus sentimientos y pensamientos, comienza a negarse y oponerse a sus padres de manera sutilmente inteligente.
Es cuando su madre viéndolo como un sueño de su hijo que al mismo tiempo se convertía en el sueño de ella misma lo involucra a un rápido avance en clases de piano y preparación, al rechazarlo lo culpa y permite que su orgullo ante la actitud de su hijo comience a cambiar de rumbo a una relación con especial trato y comunicación. El pequeño recurre a su abuelo, la única persona que parece entenderlo o al menos escucharlo, un hombre que lleva su mismo ritmo y jamás lo presiona, se crea un lazo muy importante a falta de comprensión de Vitus con los demás.
Entonces decide fingir un accidente y como consecuencia un retraso a sus extraordinarias capacidades, intenta vivir como un niño normal, engaña a sus padres pero ahora se siente más seguro, es un secreto que sólo lo guarda el abuelo, Vitus como agradecimiento a tantas cosas en su corta pero fuerte vida le propone a su abuelo invertir dinero en un plan que el estructuró y así triplicarlo, lo consiguen y con el dinero, el abuelo se regala un simulador de avión, su sueño más grande, el volar, y el niño continúa en su búsqueda de su razón de vida y su sueño, fallece el abuelo y el pequeño debe enfrentarse nuevamente al mundo, a la difícil realidad. Pero el secreto es descubierto tras la muerte del abuelo y la familia de Vitus logra entender tantas cosas que jamás hubieran pensado sobre su propio hijo.

Analizando éste film, es maravillosa la manera en cómo te muestra el director toda una lucha constante en búsqueda de la felicidad y tranquilidad de un pequeño de apenas 13 años de edad, incomprendido, al contrario de sentirse orgulloso y admirado por su talento, muestra un sentimiento de discriminación, de incomprensión, presión, confusión, el sentirse totalmente como un fenómeno, la hermosura de los lazos abuelo y nieto, los mejores amigos, el compartir sus sueños, el confiar plenamente en el otro. Existe un mensaje perfecto en ésta película, para mi es el hecho de compartir lo poco o mucho que tengas, lo que has ganado, lo que te han regalado pero compartirlo con alguien más, y así juntos tener un apoyo y unión imposible de destruir. El luchar hasta lo imposible por encontrar ese sueño y esa felicidad, y después trabajar para obtenerla, jamás rendirte y no dejarte titubear por personas que consciente o inconscientemente provocan indecisión y manipulación. El nunca es tarde para realizar tus sueños.
La tranquilidad y esperanza que te produce éste discurso es incomparable, provoca un alivio ante la infinidad y variación de conflictos que tengas, crea una respuesta en cada uno, una oportunidad más ante todo. Una reflexión profunda y una sonrisa por dentro tal vez infinita. Despierta esa fe en cualquier persona capaz de sentir.
El contraste del abuelo, libre, humildemente feliz y divertido, y una madre preocupada por un futuro que no le pertenece, un tanto posesiva y poco sensible ante la realidad de Vitus. Quedé maravillada con ésta parte de la historia, dos personas que son responsables del desarrollo de Vitus, involucradas en su dote pero con distintas formas de ver el mundo de Vitus.
Impresionante la actuación de dos niños, Fabrizio Borsani y Teo Gheorghiu que son auténticamente virtuosos en el piano en la vida real pero también que actúan excelentemente bien, convencen, sensibilizan y transmiten, es de admirarlo ya que actores con 10 o años más de experiencia muchas veces no lo consiguen ni reflejan; cuando me enteré de esto quedé totalmente boquiabierta y sentí la inmensa necesidad de verla una vez más, ahora sabiendo que en realidad tenían esa aptitud.
El personaje del abuelo es motivador y realista, el abuelo, interpretado por Bruno Ganz, me encantó la manera en cómo sobresale esa energía y felicidad en su ser, esa manera de seguir conociendo, viviendo y cumpliendo su sueño de volar, la alegría y confianza que su rostro provoca, me pareció conmovedora su historia. Cabe mencionar que se muestra la preparación de éste hombre, ya que lleva una importante carrera previa, con un ejemplo en su interpretación de Hitler en la caída, alabado como director, productor, etc.
En cuanto a la música, verdaderamente mostraba una perfección total, un concierto tan apasionado y con fuerza, además que fue un protagonista en éste film, sensibiliza toda la película y muestra una parte d la vida del pequeño, cómo va cambiando, evolucionando, sufriendo y disfrutando, es todo un conjunto de emociones envueltos en su pasión. Nos deleita con piezas grandiosas de Bach, Mozart, Liszt, más música clásica.
El guión lo considero inteligente, los diálogos que manejan Vitus y el abuelo son capaces de acercarnos a las sensaciones y sentimientos que los directores quieren resaltar, me pareció cómo fue manejado el guión, tiene un toque poético, que lo diferencia de algunas películas norteamericanas.
La psicología y mentalidad de un pequeño genio y un anciano con la vitalidad de un niño lo hace muy interesante.
Vitus es una propuesta para reflexionar, sentir y vivir, tal vez abrir los ojos y reaccionar o para zar algo que llevas trabajando. Un drama ligero, interesante, tierno y con gran moraleja que me dejó satisfecha. Una película más en mi lista de favoritas.

lunes, 21 de abril de 2008

Vitus
Por Jessica Zermeño

¡Sin duda alguna en este film todos se pasan de listos y virtuosos! Y es que ese dicho de que tres cabezas piensan más que una se cumplió con la producción de Christian Davi, Christof Neracher y Fredi M. Murer al tomar las riendas de ‘Vitus’, film dirigido y escrito por Fredi M. Murer en colaboración con Peter Luisi y Lukas B. Suter.
La tercia alcanzó los niveles de IQ necesarios para transmitir a través de un bello drama la vida de un niño genio, donde el espectador es testigo de cientos de problemas que viven estos niños superdotados al enfrentarse a un mundo lleno de simples mortales.
De forma lineal (aunque da inicio con un breve flash back todo lo demás es lineal), analítico, con planos sencillos (pero no menos expresivos), una exquisita selección de música interpretada en piano, y magistrales factores sorpresa hacen del argumento de ‘Vitus’ una historia inolvidable.
Agradezco que Murer se aventurara a cambiar la forma de contarnos historias de niños virtuosos que sufren por demostrar lo buenos que son ante el mundo, como recientemente se presenta en ‘Escucha tu destino’ donde el protagonista busca a través de la música a sus verdaderos padres. Sin embargo, Vitus, aborda una problemática que ha sido poco explotado en la industria cinematográfica y es el tema de la incomprensión a la que se ven sometidos estos pequeños genios y la explotación de los padres que buscan alcanzar el éxito a través de ellos.
El argumento de la película da inicio mostrándonos al pequeño ‘Vitus’ de 6 años añorando un piano, sin embargo sus padres no tienen las posibilidades económicas para dárselo. Pronto su padre, quien parece haber sido el portador del gen de la inteligencia de Vitus, consigue vender muy bien uno de sus inventos para mejorar los niveles de audición de las personas con sordera y recibe un ascenso muy importante en la compañía para la que trabaja.
Desde ese momento la genialidad de Vitus comienza a ser tomada en serio, su madre decide sacarlo del Kinder, lugar donde Vitus siempre estuvo fuera de contexto, pues mientras los demás cantaban canciones bobas, él aprendía nuevas palabras en el diccionario o leía cosas interesantes.
El pequeño comienza a tomar clases de piano, y pronto demuestra su gran virtuosismo ante el imponente instrumento. A la breve edad de 6 años tiene su primer borrachera a lado de Isabel, su niñera de 12 años de quien se enamora platónicamente. La madre de Vitus está histérica por tal atrevimiento y decide hacerse cargo ella misma de guiar los pasos de Vitus, así que desde ese momento la composición de las imágenes se tornan muy expresivas y dejan claro al espectador que la madre no descansaría hasta hacer de su hijo el mejor pianista, sometiéndolo a largas horas de ensayos, mientras ella disfruta de la música de su hijo. Y ahí comienza la rebeldía del pequeño Vitus quien muestra su lado temperamental y en todo momento expresa su racionalidad ante sus padres. Su único lado sincero y tierno se da a conocer con su abuelo, con quien comparte grandes secretos.
A través de una hermosa elipsis se quedan atrás las diminutas manos de Vitus de 6 años para mostrarnos al nuevo y ya caótico genio de 12 años. Y es que si el carácter del pequeño ya era impactante -con la excelente actuación de Fabrizio Borsani-, las cosas se tornan más interesantes cuando vemos a Vitus ridiculizar a los maestros de la preparatoria frente a todo el salón de clases o rechazar su primer oportunidad de tomar clases con una de las mejores pianistas. Motivo por el cual su madre se molesta muchísimo con él.
Vitus se queda sólo y reflexiona, de nada le sirven su 180 de IQ, su potencial ante el piano, todos los libros leídos si se ha vuelto un verdadero hígado, no tiene amigos y ni el mismo soporta su gran ego.
Tras esa pequeña depresión decide saltar por su balcón acompañado de unas grandes alas de vampiro que su abuelo le construyera años atrás.
Aparentemente la desgracia llega a la familia de Vitus, pues aunque este se encuentra perfecto de salud, ha perdido su genialidad. La madre se hunde en la depresión e intenta hacer que su hijo recobre su don inútilmente.
Vitus, pierde la oportunidad de ir a la Universidad e ingresa a una secundaria, donde comienza a hacer amigos.
Su vida cambia por completo y él parece ser el único en aceptarla. Todo le pinta bien en su vida de niño normal, el destino está tan de su lado que lo reencuentra con Isabel, el gran amor de su vida, ella trabaja en una tienda de discos y desde ese día Vitus no pierde oportunidad de verla.
Cuando el espectador comienza a amar al niño normal, o sorpresa, el abuelo descubre que todo fue un malévolo engaño de Vitus para hacer que su madre dejara de presionarlo con su genialidad, y el abuelo decide guardar el secreto.
El giro majestuoso del argumento es muy interesante, pues ahora Vitus se pasa de listo haciendo creer a todos que ahora ya no es más un genio.
Pronto vemos como sigue usando su intelecto para ayudar al único ser que lo ama por quién es, su abuelo, con quien emprende un nuevo reto. Vitus se cuela en la bolsa de valores bajo el seudónimo de Dr. Wolf y convierte a su abuelo en un multimillonario que disfruta en secreto de todo lo que su nieto le ha brindado, como cumplir su más grande sueño de ser piloto, al principio con un simulador y luego con una avioneta misma que lo conduce a la muerte.
Vitus entra en razón y comienza a dar solución a su vida demostrándoles a sus papás que no necesita que nadie este detrás de él y que es capaz de seguir sus pasiones sin presión.
Finalmente lo vemos dar inicio a su carrera como pianista y disfrutamos con un gran final de un concierto de Vitus.
Me gustaría destacar el cuidado que Sabine Murer le dio al vestuario al mostrarnos que en su etapa de niño su pasión, manifestada a través de vestuarios rojos, se vuelve fiel a su sentir. Sin embargo cuando el pequeño crece busca y tranquilidad lejos de su IQ su vestimenta es de color azul. Y para quienes ponemos atención en dichos aspectos es muy significativo encontrarlos muy bien ubicados y destacados.
La selección de la Música de Mario Beretta es deleitante, y obviamente en un film donde el argumento esta basado en la genialidad de un niño pianista no podía estar menos cuidada y atinada la música.
Considero que lo más importante de este discurso fílmico, aunque en principio parecería la música, creo que va más allá al mostrarnos a un niño que debe sobrevivir a la presión de una madre que deja su vida para explotar la de él. Y se expone el mal que a veces hacen los padres sin darse cuenta.
El manejo del tema es muy interesante y las resoluciones que logra Vitus son convincentes y placenteras para el espectador, aunque muchos de los que la veamos tengamos un IQ de menos de 100. Lo genial es que las grandes historias a veces son más sencillas de lo que pensamos.

Si usted comparte el mínimo de IQ que yo para enviar un comentario a mi correo hágalo a zerjess@hotmail.com intentaré comprenderlo con las pocas neuronas que aún le quedan a mi cabeza cinéfila.

La escena:
Cuando Vitus corre en el campo y con distención intenta volar con unas grandes alas de murciélago.
También cuando el suspenso de si el abuelo se ira a la quiebra o no es realmente hermosa.
Y otra de mis favoritas cuando el niño llega a tomar clases en su avioneta, demostrando que puede hacer eso y más…

Un aplauso:
El cast de Fabrizio Borsani (Vitus, 6 años) y Teo Gheorghiu- Vitus (12 años) ambos están geniales, adorables e insoportables en dicho papel.

Para aventar palomitas:
¡Que yo no fuera una niña genio! Perdón por el reproche personal de esta ocasión, sé que no soy parte del film, pero no encontré nada que maldecir hoy,

La recomendación:
Si sabe de un niño genio recomiéndela ampliamente a los padres de estos para que no caigan en los mismos errores y sobre todo apoye la libertad los mismos.

Ficha técnica:
Productor: Christian Davi, Christof Neracher y Fredi M. Murer.
· Director: Fredi M. Murer.
· Guionista: Peter Luisi, Fredi M. Murer y Lukas B. Suter.
· Actores:
Fabrizio Borsani-Vitus, 6 años,
Teo Gheorghiu- Vitus, 12 años,
Julika Jenkins- mamá,
Urs Jucker- papá
Bruno Ganz-abuelo
Kristina Lykowa- Isabel, 12 años,
Tamara Scarpellini -Isabel, 19 años
· Fotografía: Pio Corradi
· Música: Mario Beretta

domingo, 20 de abril de 2008

Vitus por Dito

Director: Fredi M. Murer
Guionistas: Meter Luisi, Fredi M. Murer
Actores: Fabricio Borsani, Teo Gheorghiu, Julika Jenkins, Urs Jucker, Bruno Ganz, Eleni Haupt, Kristina Lykowa, Tamara Scarpellini.

Trata de un niño prodigio que a sus escasos 12 años llega a tener un gran razonamiento, agilidad mental y es un genio en el piano, esta muy presionado por su madre que tiene una gran obsesion con su capacidad para hacer las cosas y decide engañarlos a todos haciendoles creer que perdío su IQ en una caida y ahora es un niño normal, en ese lapso, hace rico a su abuelo y le administra el dinero que le hace ganar y ayuda a su padre secretamente para que recupere todo lo que habia construido y decide tomar su propio camino.

En mi opinión, la película esta muy bien hecha, sinceramente no se en que idioma estaba hablada porque como que habia partes en ingles y en aleman y es como una mezcla rara, en el demas sonido, puedo decir que la musica es maravillosa, el sonido es bueno, la iluminación creo que era natural en la mayoria de las escenas.

Los personajes, buenos, los actores lograron el cometido del personaje, lograron transmitir lo que se debia transmitir, no ubico actores no actores, tal ves solo el niño por obvias razones, hay pocos extras, todos los actores son nuevos para mi, desde la primera vez que vi la película, asi que no se si son actores multifacéticos o no.

Las escenografia no es simple pero no compleja, son casas, departamentos, la pequeña bodega del abuelo, los coloress no fueron manipulados, son colores naturales, no se usan colores temporales.

En cuestión de Montaje es de planos cortos y rapidos, es un ritmo un tanto agil, puesto que no aburre y te deja picado, es un plano lineal que te marca un paso del tiempo de cuando Vitus tiene 6 a cuando tiene 12, en esta película si encontre elipsis.

El tema principal de esta película, desde mi ver es la felicidad, abarca como la felicidad esta en uno mismo y no en las metas u otras cosas, sino en que tu lo decidas y tu hagas tu felicidad, tiene varios subtemas, como el respeto, el amor, etc, es una película muy completa, que creo hace reflexionar a cualquiera. Hoy en dia la felicidad es como una utopia y esta película te enseña que no es asi, la felicidad es completamente alcanzable por cualquiera siempre y cuando uno lo quiera asi.

Mi calificación para esta película es de: XXX, si no la han visto… neto veanla, si ya la vieron, vuelvanla a ver.

El arco. César

El Arco

Hablar de “el Arco” no es fácil, para empezar uno debe transportarse hasta la mentalidad de una cultura que es totalmente asimétrica al mundo occidental: la oriental.

El Arco es un filme del 2005, llegado desde las lejanas tierras de Corea del Sur bajo la dirección de Kim Ki-duk, cinta hecha en tan solo tres intensos días de grabación.

El director, un inteligente coreano sabia bien lo que hacia, pues hasta su elenco fue recaudado de entre lo mejor, la actriz Han Yeo-reum, era la segunda ves que colaboraba con él, parece que hacen buen equipo, al menos a mi opinión se ve reflejado en el film.

Bajo un esquema en la que las diferencias sociales y culturales son radicalmente distintas a nosotros los occidentales, el director deja claro el tema para cualquier persona que le ponga “play” a su dvd, y no solo eso, sino bajo tomas de una extensa distensión aunada al casi nulo guión, que logran transmitir a la perfección los sentimientos de cada actor, por eso no solo se aplaude al director y su montaje, sino el profesionalismo con que se trabajo en esa obra de arte.

Marcada en una gran mayoría por planos generales y planos detalle, esta película deja pocos de manera americana, denotando que todo es distinto por allá; recopilando algunas opiniones de técnicos y actores mientras la filmación, me doy fue tarea fácil, pues mientras en el film solo observamos dos barcos en el extenso océano pacifico, en realidad era que había mas de ese par que mantenía en pie varias grúas para poder hacer efectivas tomas de traveling y planos detalles exactos y casi impecables que el director marcaba, fue por esta razón que también tuvo que someterse toda la tripulación a vestir chalecos salvavidas durante los tres días de grabación.

Le doy un punto mas a la fotografía trabajada; puedo decir con seguridad que las tomas son tan buenas que uno desearía estar bajo ese cielo frió en el que hasta la luna se posa con un amarillo increíble, después de todo de la vista nace el amor, porque ya en la realidad, no me gustaría estar en aquel refrigerador.

Esta película deja una huella impresionando en mi ver las cosas, es de esos films que te dejan con un nudo en la garganta, deja un extraño sentimiento, es definitivo es un impresionante film que hoy por hoy entra en mi top 5 de películas favoritas,

Veala publico informado, definitivamente para los infantiles (aunque no seas niño menor de doce años) no es recomendable, te va a aburrir, quizás te duermas o avientes palomitas, pero es bueno llegar al trasfondo, al subtexto de lo que pasa en el argumento.

Dato Curioso:

Me parece excelente que ves la película y cosas tan basicas como saber el nombre de los personajes en este film no tiene importancia, incluso no te pasa eso por la mente, jamas te eneras ni te quieres enterar como se llaman los actores.




Ficha Tecnica:

Dirección y guión: Kim Ki-duk.Países: Corea del Sur y Japón.Año: 2005.Duración: 98 min.Género: Drama.Interpretación: Jeon Sung-hwan, Han Yeo-reum, Seo Ji-seok.Producción: Kim Ki-duk.Música: Kang Eun-il.Fotografía: Jang Seung-baek.Montaje: Kim Ki-duk.Vestuario: Kim Kyung-mi.

Cesar Chao

viernes, 18 de abril de 2008

EL ARCO. DIANNE FRANCO.

Esta película oriental, fue hecha por Kim Ki-duk, director Coreano que ha dirigido grandes films como, SAMARITAN GIRL, HIERRO 3, ENTRE OTRAS.
Cuentan que para hacer esta película, visitó grandes lugares hasta que hallo el lugar y después vio a unos pescadores en su barco y se los pido para poder hacer el barco, la verdad es que nada de la escenografía fue mandada a hacer, ya que todo estaba en el lugar.
El film dura aproximadamente 98 min, primero fue estrenado en Oriente y después en
España

Los Actors fueron Han Yeo-Reum, Seo Ji-Seok, Jeon Gook-Hwan, Jeon Sung-Hwan

No importa esperar 10 años, o toda una eternidad, si el amor es muy grande todo puede esperar… Sin embargo es muy importante no llegar a confundir este amor con una costumbre, por que entonces… podría repetirse la miiisssmaaa historia del pescador.
Un anciano que vivía en medio del mar con una muchacha a la que recogió cuando era niña, y solo esperaba a que ella cumpliera los 17 años para casarse con ella, el anciano se dedicaba a llevar hombres a pescar en su barco, todos los días iba por ellos al puerto mientras la niña esperaba ansiosa en el bote a que regresara.
Él la protegía de los hombres que iban a su barco a pescar porque algunos intentaban propasarse con ella. Su única forma de protegerla era disparando con su arco, un arco que también le servía para adivinar el futuro y como su instrumento de música.
Todos los días la vida era monótona en el barco, se hacia lo mismo, hasta tal punto que ese amor se vuelve una costumbre, una rutina que va atrapando a los personajes, en una cotidianidad que después de mucho tiempo termina por ser muy notaria, dado que tiene lugar un acontecimiento, que cambia sus vidas
Un buen día, un grupo de pescadores desconocidos entran al barco entre ellos un joven quien al parecer se interesa por la muchacha y esta al no tener educación y guiándose solo por sus instintos sabe que también siente algo especial y agradable hacia el joven.
Antes la muchacha acepta con ingenuidad las atenciones del viejo pescador, pero después de que recibe la visita del joven todo cambia en su interior, obviamente el viejo pescador es testigo del cambio, la niña se hace mujer, y se despierta su deseo aletargado
El viejo de ante mano que no se va hacer completamente realidad su sueño.
COMENTARIO
Que crudo no?, un sueño que se convierte en una costumbre y que al final se cumple solo por el deber, no por lo que se sienta. SÍ es una situación que a mi no me gustaría vivir.
En este film se nos muestra una realidad muy cruda, un amor que pareciera imposible, pero la ignorancia hace su deber en esta particular forma de amar, el no saber que hay mas allá de tu mundo, es para algunas personas una critica a un mundo de ignorancia, de obsesión, pero no de amor. Y es que el viejo nos hace creer que ama a la muchacha, pero no lo hace, lo que sucede es que se ha vuelto su forma de vida y se siente tan cómodo con ella que se ha casado con la idea.
La película esta muy bien dirigida creo que Kim ki-duk, hizo un excelente labor ya que, en realidad la estructura narrativa del film, podría pensarse como algo tedioso y aburrido, sin embargo te envuelve, no se como, la música la fotografía, las actuaciones son muy buenas, para el concepto del film, esto hace interesante el discurso, por que por si solo no dice nada, es una estructura repetitiva, De hecho la acción dramática es tan repetitiva, el la baña tres veces en la película, se ve en diferentes encuadres pero es la misma acción, se va a la bahía, todas esas acciones son monótonas.
Por favor véanla la película, es algo que atrapa no solo por el hecho de la música o de la fotografía sino además por todas las diferentes concepciones que se pueden generara de toda la película, es algo que vale la pena ver, pero por favor si la ven véanla solos o con alguien que no hable para que nada los distraiga
CHULA DE PRECIOSA MUUUA

martes, 15 de abril de 2008

El arco, Oli.

El arco

Había visto este film desde hace 2 años aproximadamente, cuando salió en el cine, recuerdo que mi prima me había dicho, sinceramente comenzó y a los primero 20 minutos me quería salir del cine, pero algo me decía que me quedara y la termine de ver completamente.
La volví a ver pero ahora analizándola y apreciándola como bien se debe hacer , quizá sea mi preferencia con películas con mucho más movimiento, acciones, personajes, variaciones de historia, que aún hubo cosas que me causaron un poco de cansancio y pesada la manera en que es contada la historia, creo que es muy rica en demasiadas cosas y hubiera podido explotarse aún mas, estoy de acuerdo que el manejo de éste film es un tanto más simbólico, profundo y con su simple expresión muestra el mensaje y el discurso que el director busca, es muy buena su técnica y su visión, lo reconozco mas no la considero de una de las películas de mi gusto, creo que tiene que ver mucho los gusto personales, la llegué a sentir un tanto simple en la manera en que es contada la historia, ya que parece ser que tiene mucho más complejidad, tensión y fuerza, pero debo aceptar la admiración que me provocó el ver cómo con un mismo escenario, un arca, con pocos personajes logró desarrollar un discurso tan profundo y significativo, aquí se demuestra que no es necesario de grandes escenografías, variedad de éstas y demasiados personajes para lograr hacer una obra de arte.
El guión que es el que primeramente quiero criticar, la manera en que es desarrollado es impresionante, son tan pocos los diálogos orales pero tan importantes, porque fue manejado de manera tan interesante, los diálogos son verdaderamente inteligente y profundo, no era necesario hablar más, y el mismo contexto provocaba esa manera tan simbólica de transmitir las cosas, el cómo un anciano con un vida tan simple y con una única motivación y razón de seguir viviendo (el casarse con la pequeña), muestra el dolor interior que sufre, por lo mismo suele ser tan arrogante, indiferente e insensible, la pequeña es la única curación a su tristeza, su vida misma la entrega a la pequeña, lo que hace es por ella y para ella. Ella como una joven aún aprendiendo de la vida y de sus cambios físicos y psicológicos comienza a tener curiosidades, a cuestionar, a emanar sentimientos, etc . Es maravilloso como con simples acciones se muestra toda una historia y miles de sentimientos, por ejemplos en la escena en que el anciano adivina el futuro por medio de su arco, un retrato de Buda y la pequeña meciéndose en un columpio, es excelente la manera en que sucede ésta maravillosa escena, la reacción de la pequeña nos dice todo, y el arco simplemente es por donde es transmitido el mensaje, ¿hay diálogo? No, hay algo mucho mejor que ello, hay una apreciación del público hacia la psicología de los personajes, lo vuelve mucho más interesante y demuestra un arte totalmente especial y creativa.
El manejo dl guión me hizo ponerme a analizar muchas otros films, el cómo existe un guión tan directo y mandado de la manera usual, que ni siquiera es necesario muchas veces, los actores debemos explotar esa manera de transmitir sin necesidad de una frase emanada por nuestra boca, esto tiende a sentirse demasiada directa, y a un mimo punto, no da la oportunidad de que el observador analice y aprecie tantas cosas que hay por debajo. Los diálogos muchas veces opacan la actuación, la expresión si no están exactamente y cuidadosamente realizados.
La profundidad del discurso es admirable, llega a sentirse esa angustia, ese deseo, esa tristeza por el anciano, esa impotencia de la pequeña con una vida tan reprimida y tan perfectamente planeada, pero ahí es donde entra lo hermoso del film, el mostrar la parte del ser humano, la nobleza y amor que impide dañar a ese alguien, la pequeña comienza incluso a tenerle cierto cariño al anciano, la discusión si es el contexto lo que la orilla, la simpleza de su vida, la soledad que vive, la conciencia que provoca agradecerle lo que le ha dado en el transcurso de su vida de alguna manera, lo que ignora que existe afuera de esa arca y por lo tanto limita su total conocimiento sobre los demás o el enamorarse simplemente de un anciano.
La música, recuerdo haber escuchado mucho el sonido del océano, cuando va a pescar, las cañas, el viento, el tronido de la madera del arca, creando una atmósfera de tranquilidad pero un tanto de angustia por la cotidianeidad de su vidas, la pobreza pero al mismo tiempo belleza sobre ésta.
La película demuestra un ambiente totalmente natural, sin necesidad de tecnología avanzada, de maquinas, de aparatos eléctricos, es una belleza tal a la naturaleza que provoca paz. Me gustó mucho el manejo de la música, instrumental, delicada pero significativa. La impresionante idea de que el arco fuera su mismo instrumento de música, investigando un poco observé que éstas pieza fueron ideadas con un violín Coreano ya que es tocado como se tocaría un arco encargado por Kang Eun-il.
El manejo de cámara son planos largos y lentos, simples, pero también creo que justificados, ya que nos quería mostrar la naturaleza y no tanto los efectos de cámara, grandes cambios y planos, sino uno simple para que concuerde con la manera del discurso.
Con los actores, quiero aclamar Han Yeo-reum, el personaje que interpreta, la muchacha, es tan interesante la manera en que lleva el personaje, además que la historia de ésta es de las más interesantes, considero que ésta es la que lleva la línea de la historia, la que provoca la tensión y pasión. Su manera de reflejar sus sentimientos e slo más destacable, considero que es un trabajo muy difícil es expresar simplemente con el cuerpo pero lo logró transmitir del todo.

Ésta vez que volví a verla pude apreciar a fondo ciertos aspectos que anteriormente los habían pasado desapercibidos o simplemente no le había dado la importancia tal, cambió en cierto punto mi percepción aunque mantengo mi postura sobre la preferencia a otro tipo de películas. No me arrepiento de haberla vuelto a ver y es muy probable que la siguiente que la vea muchas cosas más van a sorprenderme.
Una película de realidades, ternura, pasión y anhelos realmente originales y simbólicos, que es llevada a un paisaje natural y profundo.

el Arco. KaLI.

El Arco y el guión cinematográfico…

El arco es un símbolo, un objeto un arma, un instrumento musical, un cuerpo…

El arco nos cuenta la historia de un anciano pescador, que vive a bordo de un barco con una linda joven de 16 años, quien ha vivido en ese mismo bote por 10 años y no conoce el mundo, y a quien el anciano planea desposar en cuanto la joven cumpla los 17 años. Poco antes de la esperada fecha, uno de los tantos pescadores a quien el anciano renta el bote para pescar, logra captar la atención de la joven, y surge entre ellos un idilio que el anciano difícilmente puede evitar… ¿qué pasará con la boda que el anciano ha planeado por tanto tiempo ahora que el amor de su joven mujer peligra gracias a un extraño recién llegado?

El arco es una producción Japonesa- coreana del director Kim- Ki Duk, quien también se encargó del guión. La producción fue estrenada en albores del año 2005 y 2006 y cuenta con colaboraciones destacables como la Kang Eun-il en la musicalización, vestuario de Kim Jyung-mi y las actuaciones de Jeon Sung-hwan como el anciano pescador, uno de los roles protagónicos junto con Han Yeo-reum que encarna a la joven que vive en el barco, Seo Ji-seok es el joven que pone en riesgo los sueños y planes del anciano.

Un film poco usual, contado en forma lineal, con un ritmo sintético sencillo en cuanto a manejo de luz y fotografía, -ya que la iluminación es en su gran mayoría natural, contando claro los hermosos paisajes- este film cuenta con elementos menos rimbombantes, pero más profundos, me refiero al guión. Que sin duda es lo más destacable de la obra. Hablemos del guión y estructura dramática de la obra.




Espacio y tiempo fílmico en el Arco:

Comenzando por el espacio fílmico, desde el inicio de denota su influencia oriental. El Arco fue rodado en Corea, toda la película tenemos a los personajes situados en algún punto casi invisible del mar de Corea, el director decidió realizar las grabaciones cerca de la Isla de Incheon. Al principio se nos deja ver algo de la psicología o entornos de los personajes en un espacio fílmico que denota, por un lado la tradición y por otro la belleza, basta fijarse en el barco desgastado en medio de un mar claro, el óvido y las manchas causadas por los años contrastan con las coloridas telas de vivos colores, con el color que añade cada detalle, la ropa de la joven. En el barco se nos muestra claramente a los personajes por medio del espacio fílmico dramático, al anciano, corroído, gastado, y por otro lado la vida que representa la joven con todas esas cintas y colores vivos en el barco.




El tiempo a través del arco:
El tipo de ritmo en este film es sintético, el discurso es muy poético y metafórico, trata de expresar por medio e imágenes y acciones simples, sentimientos y hechos aún más profundos. Un elemento a destacar en esta película es el uso de la elipsis, tan bueno es, que nos hace inferir tantas situaciones tan variadas, creo que es uno de los elementos más destacables de la obra.

Los movimientos…
El ritmo de el film no sólo está compuesto de guión y acciones, las tomas también construyen el ritmo de éste, las tomas por lo general son de movimientos dentro del encuadre. Se utilizan balanceos y movimientos de cámara con un fin descriptivo y dramático, recordemos como se balancea todo a la par con el mar sobre la balsa o sobre el barco. Lo que nos dice que los traveling no son muy utilizados en la cinta, los acercamientos se hacen por corte. Siguiendo con asuntos y tomas de cámara, nos encontramos con el uso de planos en la obra, que abarca desde el gran plano general (El ver el pequeño barco en medio del mar o el bote del anciano alejarse en medio de la inmensidad), hasta el plano detalle (al mostrarnos el arco), pasando por el plano conjunto (los pescadores, el anciano y la joven), el plano americano, primer plano y primerísimo plano (quien no recuerda el rostro de la joven mirando con esa sonrisa) la variedad de tomas y el uso de la profundidad de campo son otros recursos utilizados. También pude encontrar posiciones picadas de cámara, un ejemplo, la vista de la joven y sus peligros desde la cabina del anciano. Contrapicado, la vista de la joven disparando a los pescadores desde la cabina, mostrando su superioridad, es sólo un ejemplo. El director también sabe hacer buen uso de las perspectivas favorables, un ejemplo, es el manejo del rostro de la jovencita, que por medio de estos detalles, logró conquistar a más de uno.

El manejo de la luz en el arco no es muy ostentoso, en la mayor parte del film se maneja la iluminación natural, en interiores se utiliza la luz difusa, por ejemplo, en la cabina del barco. Al hablar de iluminación también encontramos el uso de iluminación de manchas en la escenografía y de zonas en los rostros de los personajes (a la joven siendo bañada dentro de la cabina, las horas de sueño da muchacha, cuando va hacia la cama del universitario). Toda una gama de colores que crean texturas y sentimientos, y si hablamos del manejo del color, cabe destacar que, el uso del color en esta obra esa magnífico, puesto que, como ya mencioné en un principio, el director se vale del uso del color simbólico y psicológico para ayudar a la historia (recordemos en contraste entre el desgate y el color radiante, en anciano y la joven) otro elemento destacable es que, a pesar del brillo blancuzco que produce la luz natural, los reflejos del mar (que por cierto también están bien manejados) seguimos viendo a la niña y su ropa colorida enfocada antes que el mar, comparten la belleza.

El sonido de El Arco…

Que curioso (y que tedioso) se vuelve para algunos el poco uso de palabras en el film, cosa que a mi me sorprende tanto… que sin tener que usar una sarta de palabras ni muy profundas ni mágicas, podamos entender tantas cosas, las palabras sólo las mencionan los personajes secundarios como los pescadores, que viven en un mundo muy distinto al que viven el anciano y la joven, que parecen como andar en cámara lenta mientras todos lo hacen apresuradamente. Los sonidos son parte del entorno, al igual que el silencio, pero si hablamos de sonido, lo que más nos transmite es sin duda la música de KANG EUN-IL que nos transporta, y nos sensibiliza, se usa para subrayar el leit motiv de los personajes, recordemos haber escuchado cierta melodía cada vez que en el film se evocaba o recordaba el amor.

Montaje del arco:
El arco se vale de un tipo de encuadre simbólico, basta solamente con el título de la obra y el objeto del anciano para saber que gran parte de la historia gira en rededor a este y otros elementos representativos. La velocidad de los encuadres varía en ciertos momentos para dar tensión, y eso está bien utilizado, un elemento más a favor del film, un ejemplo, cuando esa larga cuerda que lleva detrás la balsa en que huye la joven, también lleva la muerte del anciano. Todos estos son elementos que ayudan entregar el mensaje de El Arco puro y funcional.

El Arco, realizadores…

El arco es una película en apariencia sencilla, a mi juicio, cuenta con un discurso sumamente interesante a pesar de la aparente sencillez que nos muestra. Mucho podemos pensar que es una historia demasiado simplona, aburrida, pero es una muestra de la verdadera genialidad para transmitir un mensaje, que no necesita de muchas cosas para cambiar la visión que tenemos de las cosas.

Sin duda, yo destacaría el trabajo de:

Kim Ki Duk: Director.
Son tantos los detalles que hacen de este film una obra de arte, la belleza, el mensaje, desde los colores del arco hasta los sonidos, una anécdota de producción, cuenta de que en un principio, el arc planeaba ser mandado a hacer con n artesano, pero el Director prefirió comprar un arco cualquiera, esto puede parecer irrelevante, pero nos muestra algo del verdadero mensaje de la película, y algo de lo que hace tan maravillosa, las cosas no son lo que parecen y l a belleza y simplicidad de las cosas simples. Además, Kim no sólo participa como director, sino que toma riendas como productor y guionista.
Kang Eun-Il: Musicalizador.
Kim Ki Duk se encontró con piezas de este compositor, las que escuchamos en la película se titulan “Desaparición” y “Vuelo” al oir, Kim Ki duk pensó que eran perfectas para el arco, y lo que en una de las anotaciones del guión decía “¿Sería posible sacar notas de la cuerda del arco?” se volvió realidad por medio del arco coreano de Kang. “Aunque también puede verse como una obsesión natural o un instinto básico, todos tenemos deseos y esperanzas a los que no damos voz porque no pueden expresarse en la época en que vivimos. Quería mostrar hasta qué punto pueden llegar a ser bajos, nobles, maravillosos, tristes y alegres. Quiero vivir en tensión como un arco hasta el día de mi muerte” frase similar a la que vemos en el final del film.


Jang Seung-Baek: Director de fotografía.
Los colores y el contraste, parecía que la niña simbolizaba esos colores, eran su marca, su huella. Al igual que las pinturas gastadas, la luz del mar. Labor también a recnocer de:
KIM KYUNG-MI: Vesturio, el uso del color psicológico nos ayuda a entender las personalidades de los personajes.

JEUNG HYUN-SO: Sonido, desde el mar hasta las flechas…

Los actores: Protagonistas.
HAN YEO-REUM , una joven con una carrera reciente y un corto historial en el cine, contando con El Arco, y Samarian (film en el que participó con Kim Ki Duk como director). Su belleza y actuación conquistan a más de uno, su personaje luce como alguien inocente, básico, y a fin de cuentas ella no ve con la malicia el amor que el anciano le tiene, no ve la malicia del mundo exterior, se casa con él en un puro acto de amor y al momento en que él, por medio de esa flecha le hace el amor, es también un acto puro… y placentero que ella toma como tal. Y, aunque a pesar de ser una joven fiel y tierna tiene sentimientos y también instintos, que son naturales del ser humano, al final vemos que es una persona muy inteligente, y su momento de clímax lo vemos al momento en que acompaña al joven en la balsa y se da cuenta de lo que pasa en el barco.

Jeon Sung-Hwan: el pescador anciano, cuenta con filmografía también corta, la espada en la Luna y El Arco. Su personaje es soñador, tierno, abnegado, aunque también es necio y violento. Y como no serlo cuando ves que el amor que habías estado cultivando durante 10 años se escapa por un ser más llamativo. Pero tal vez al final de cuentas el viejo no sabía que las personas no sólo amamos, sino que aprendemos a amar a la gente. Y él deja libre a la joven, porque la amaba amaba, y ella que había aprendido a amarlo. Y el sonido de su arco como violín queda flotando en el mar.







Nos da una tremenda lección de amor, que tantas cosas y detalles al final no valen más que ese sentimiento, esa fuerza que llamamos...amor.



Kali Ayana.

El arco. Dito.

El Arco

Director: Ki-duk Kim
Escritor: Ki-duk Kim
Actores: Yeo Reum Han, Si-jeok Seo, Seon-hwan Jeon.

Si bien es una película en Coreano, esta película esta excelentemente bien estructurada en el sentido del lenguaje, los personajes no necesitan hablar para poder expresar la idea y el sentimiento y solamente tiene en conjunto pocos minutos de Dialogo.
Los personajes, no son muy difíciles de descifrar, ella por ejemplo, nos dicen en la película que el “señor” como lo nombran en el filme, la encontró a los seis años y se la llevo a vivir con el para casarse con ella cuando tuviera 16, luego entonces la fecha esta próxima al evento, y ella cree que el mundo es solo su barco y los pescadores que a veces van, hasta que aparece el hijo de uno de los pescadores y se enamora de el dándose cuenta que hay un mundo mas allá del barco y el señor.
El “señor” parece estar entrando ya a la tercera edad, es inseguro y celoso por lo mismo que de que ama a la niña y es un amor sincero. No creo que haya actores no actores, sinceramente no podría decirlo porque todos fueron maravillosos ya que lograron trasmitir el mensaje, sobretodo ella, me sorprende como una actriz puede proyectar todo lo que en esta película se proyecta sin decir ni una sola palabra.
Esta película maneja solamente un escenario que para mi en lo personal es hermoso: el océano, toda la acción se lleva a cabo en un barco que es la casa de el “señor” y de la niña, quien vive ahí felizmente con el “señor” siguiendo una rutina un tanto aburrida pero que a ella le hace feliz, Este único escenario se convierte en un mundo entero, es iluminado la mayor parte del filme con luz natural y maneja algunas tomas con vista al Mar que en mi opinión son maravillosas, tiene efectos especiales maravillosos como el del hundimiento del barco al final de la película es sumamente espectacular como el barco se sumerge solo.
Note que esta película no usa colores, mas que los naturales de la escenografía y el entorno, tiene algunas tomas de iluminación de manchas como en el calendario, y tampoco tiene muchos movimientos de cámara, noto que la mayoría son movimientos dentro del encuadre y los planos si varían, pues hay casi de todos, Hay varias tomas con Grúa que son maravillosas, porque ver el barco solo y de lejos transmite un mensaje de soledad que el espectador supone que así se ha de sentir el señor.
El sonido es bueno y se escucha lo que se tiene que escuchar, en las voces de los pocos personajes que hablan, es perfectamente entendible para los que hablan el idioma claro esta, la música va muy a dock con las escenas y también es buena. En cuestiones de montaje, esta inteligentemente diseñado y seguro se requirió mucho entrenamiento para las escenas con arco, pues tiene que estar muy bien estructurado el momento de lanzar la flecha, supongo que debió ser difícil la cuestión del montaje por lo mismo de que el escenario era muy pequeño, no había mucho a donde moverse pero fue un montaje bien logrado, es un montaje de planos cortos y rápidos, me sorprendió que es una de las pocas películas en las que no detecte ninguna elipsis, aunque tal vez se me ha pasado desapercibido.
Creo que la mayor responsabilidad en esta película es de los actores, pues si no tuvieran la capacidad para hacer lo que hicieron en esta película habría sido un largometraje mal logrado y un tanto mediocre, el director tambien tiene una gran responsabilidad pues deja ver las costumbres de aquel pais hasta hoy en dia y lo cuenta de una manera en la que no se tenga que hablar para comunicar.

Para concluir: la película es buena, desde mi punto de vista claro, esta entretenida porque te da un suspenso a la hora de las predicciones y de los atrevimientos del hijo del pescador con la niña, pero también te da la belleza del océano, de la niña por supuesto, te inspira inocencia y un amor que de pronto nació, seria demasiado interesante saber como fluyeron las cosas después de todo eso, ¿habrá llegado la niña a la ciudad?, ¿Se habrá quedado con el hijo del pescador? ¿habrá encontrado a sus padres y quedado con ellos?, son muchas dudas que pasan por mi mente y eso me da la oportunidad, que no muchas películas dan, de crear mi propia historia del típico: que paso después. Esta película muchos la encuentran maravillosa, otros no tanto, en mi opinión me inclino por el no tanto, porque aunque es buena no termino de conquistarme, será tal vez que no es mi estilo de película, que dejaron muchas incógnitas como las que acabo de mencionar, lo que me gusto es el guión tan maravilloso que manejan, no hay, y eso me dejo sumamente impresionado,eso y el como el director termina la película con un toque de lo que yo llamaría sobrenatural porque ahí, en ese clímax esta la magia de toda la película, esta la respuesta a la predicción mas importante. El tema principal es el Amor, porque en esta película hay amor y de eso se trata del amor del señor a la niña, un amor que ella también siente pero en otro sentido, porque aun no sabia que era enamorarse de otra persona que no fuera el señor y este ya la sentía suya a pesar de que ella prácticamente se vio forzada a quererlo y por otro lado esta el amor que le nacio a ella al ver al hijo del pescador y que en poco tiempo le dio a entender que habia mas cosas que el barco, el océano y el señor, aun así la película es buena pero no excelente. Tal vez tengo que verla de nuevo para analizarla mas a fondo.

En mi nueva escala de X y V donde la equis representa un punto entero y la V solo medio… le doy un xxv.

Saludos: Dito Serrot.

“Hwal”, Manya Loria

Manya Loría
Apreciación Cinematográfica.

“Hwal”
· Productor: Kim Ki-Duk
· Director: Kim Ki-Duk
· Guionista: Kim Ki-Duk
· Actores: Jeon Sung-hwan (Viejo pescador), Han Yeo-reum (Muchacha), Seo Ji-seok (Universitario), Jeon Gook-hwan (Padre del universitario), Kim Il-tae, Jang Dae-sung, Cho Suk-hyun, Kong Yoo-suk, So Jae-ik, Shin Taek-gi.
· Música: Kang Eun-il; me parece que la música de esta película es fantástica, y más para los occidentales, como su servidora, ya que no estamos acostumbrados a tanta belleza y pasividad en el sonido, te mete en una atmósfera de armonía y paz hasta en los momentos más estresantes, da un giro total a las escenas.
· Director de fotografía: Jang Seung-baek; la óptica de esta película es sumamente armoniosa, los encuadres, las tomas y la iluminación nos dan un ambiente parsimonioso en un mundo caótico y primitivo, esta película es paz y belleza en todos sus aspectos.
· Dirección artística: Kim Hyun-ju; a pesar de que se nos muestra solo un barco pesquero como escenario podemos apreciar todas las facetas de los personajes desde los puntos clave donde se instala por comodidad cada personaje, nos da un ambiente distinto cuando la chica se para en la parte más alta del barco a cuando lo hace el viejo; muy interesante el manejo de todos los elementos dentro del encuadre para dar una atmósfera distinta en cada momento.


Este film trata acerca de un viejo pescador y una adolescente que vive con él desde niña, y este busca desposarla en cuanto ella cumpla 16 años; viven en medio del mar en un barco pesquero a donde diariamente llegan hombres que buscan un relajante día de pesca, y que casi siempre cuando se dan cuenta de la presencia de la muchacha buscan propasarse con ella, el viejo no quiere que nadie se le acerque a su niña, así que cada vez que alguno de esos hombres intenta algo, él toma su arco y dispara logrando que la dejen en paz.
Este arco tiene muchas funciones dentro de la película, es usado como arma, como instrumento musical y como medio para adivinar el futuro (la chica se coloca en un columpio al ras del agua de mar y el viejo le dispara flechas, cuando regresan al barco ella le dice el futuro).
Un buen día, un grupo de pescadores llega al barco y entre ellos va un adolescente muy bien parecido que inmediatamente cautiva a la chica, tal vez porque es guapo y se enamoran, o simplemente porque a esta chica todo le da curiosidad, y, al menos dentro de la película, es el único personaje más o menos de su edad; este chico le obsequia su reproductor de música y se va, pero no para siempre, otro buen día regresa y empieza una serie de hechos que nos muestran el verdadero carácter de la chica, es inocente y caprichosa, el viejo está muy enojado porque siente que le están quitando a su futura esposa y siempre está lanzando flechas y la chica busca cualquier pretexto para enfurecerlo.
Cuando el chico se va le dice a la muchacha que se vaya con él, y al ver que el viejo no la deja, le dice que volverá por ella y le demostrarla viejo que ella pertenece a la ciudad; el viejo va viendo cada vez más precaria la realización de su cometido, casarse con ella ahora está en “veremos”.
Finalmente el chico regresa y le da pruebas de que los padres de la chica la están buscando, y le pide al anciano que le diga el futuro de la chica, hacen el ritual y la chica le dice en secreto al anciano lo que sucederá, este nos da una pista de que fue algo extraño que no lo complace ni lo disgusta, este se lo dice al chico el cual se queda completamente confundido, entonces la chica se sube con el muchacho en el barco en el que este llegó y se alejan, pero el viejo se puso la soga para amarrar al barco en el cuello, no estoy segura de que haya sido con el afán de suicidarse, tal vez él ya sabía lo que iba a ocurrir; la chica al sentir que el barco no avanza presiente la desgracia y regresan salvando al viejo; el chico queda totalmente confundido por el ritual siguiente en el que pasa a convertirse en un espectador.
Después de todo, el viejo y la chica si se casan en un barquito (dejando al chico en el barco pesquero) en un ritual maravilloso en el que el espectador occidental queda atrapado por la belleza y la curiosidad que nos ocasiona, finalmente la chica se tiende en la manta que se encuentra en el piso del barco y se queda dormida, el viejo la mira arrobado, proporcionándonos una imagen muy confusa de lo que está pensando, lanza una flecha y se tira al mar… ¡Si! Se tira al mar, y la muchacha se queda dormida mientras el barquito regresa al barco pesquero; al llegar justo enfrente vemos como la chica, aun dormida, ondula su cuerpo como si estuviera teniendo una relación genito-sexual con un ser invisible, el chico la mira perplejo y corre hacia ella para ayudarla, no sabe lo que le ocurre, ella se detiene después de muchos suspiros y jadeos, tiene sangre entre las piernas.
El chico la ayuda a incorporarse y se alejan observando como el barco pesquero en el que la chica y el viejo habían vivido tanto tiempo se hunde.
Me pareció una película divina, me conmovió hasta las lágrimas y me mostró un amor puro y profundo al que no estamos acostumbrados en occidente; la belleza que nos muestra en cada una de las escenas es genial, vemos una historia con diálogos mínimos en la que la corporalidad de los personajes nos lo dice todo, una relación sexual que le quita todo lo grotesco que pudo haber sido a la vista del espectador y lo convierte en algo hermoso, en la manifestación de amor verdadero, de sentimiento, de vida. Toda la película maneja la belleza en bruto, sin labrar, lo que para mi punto de vista, la hace aun más hermosa.
Yo calificaría esta película como una verdadera película de amor.

lunes, 14 de abril de 2008


El Arco
Por: Jessica Zermeño

¿La costumbre es más fuerte que el amor? Es la pregunta que ha estado dando vueltas en mi cabeza tras ver la historia de ‘El Arco’ de Kim Ki-Duk. Donde de manera muy ligera y extrema nos cuenta como un viejo pescador vive en medio del mar con una joven muchacha a la que recogió cuando ella tenía 6 años. El viejo pescador cuenta todos los días con gran ansiedad a que ella cumpla 17 años para convertirla en su esposa. A tan sólo mes y medio ya tiene preparada la dote de la joven.
Él la protege disparando su arco contra los hombres que vienen a pescar a su barco y que intentan propasarse con la muchacha. El arco además de ser su arma, le sirve como un instrumento musical y para adivinar el futuro de quien se lo solicita.
Cierto día llega al barco un universitario y desde entonces la vida de los protagonistas cambia, pues ella encuentra un nuevo amor y él un rival que tiene todas las de ganar.
Con una estructura lineal, tomas cortas y muchos planos detalle Kim Ki-Duk nos cuenta una bella, aunque extraña, historia de amor entre un anciano y una joven mujer, que no ha conocido nada del mundo tras vivir 10 años de su vida en el bote, es por ello que la chica se muestra enamorada de él. Sabe que él la protege y cuida. Es inocente y la vemos ser realmente feliz.
El argumento podría parecer el de una típica historia de amor, sin embargo está abordado con gran belleza y poesía cuando podemos destacar el ingenio de usar el arco, que es un arma, como un bello instrumento de música -cosa que no es real y tampoco pudo serlo en esta película, aunque las exigencias y pretensiones de Kim Ki-Duk así lo requerían. Lo cierto es que la extraordinaria música que hechiza al público y la joven muchacha es producto no del arco si no de un violín coreano que se toca como podría tocarse un arco. Y finalmente, se utilizaron dos piezas para cuerda de Kang Eun-il, “Desaparición” y “Vuelo”-.
Una vez hechizada la muchacha por la belleza de la música del arco también lo estaría por la fuerza y poder que este instrumento representaba, ya que cada que un hombre se sobrepasaba el anciano la defendía con éste. Y por último gracias al arco el anciano podía leer el futuro.
Sin embargo la hermosa historia de amor planteada en el barco elegido por JANG SEUNG-BAEK el director de fotografía, llega a su fin con la llegada del intruso universitario, muchos pensarían que fue un cambio para dejar de lado las monótonas escenas en medio del mar, pero de verdad es fascinante verla a ella sola paseándose por los bordes del barco, columpiándose en espera del anciano, tirada en los sillones multicolores en medio de la brisa del mar, cuando juntos escuchan la música del arco, cuando duermen en camas separadas, pero tomados de las manos y la escena en que él la baña, que en un principio se piensa erótica, y luego se traduce en una ingenua y protectora escena de respeto y amor. Yo estaba feliz con ellos en ese ambiente, pero el universitario llegó a romper la burbuja en que ella vivía y desata un sin fin de sentimientos poco favorables para el anciano.
Es entonces cuando llega el momento de odiarla porque ella se vuelve una chiquilla malcriada que ya no espera con amor al viejo pescador, ahora lo repudia y la carga psicológica que se da a cada toma es muy importante, ya que sin el uso de palabras las imágenes llegan directo al espectador y conmueven.
Cuando se cree que el film tendrá un maravilloso final con la muerte del anciano ahorcado por una cuerda que jala su propia balsa y que es piloteada por los deseos de la joven de huir y conocer el mundo del que el anciano la salvó, el argumento vuelve a sorprender, porque la muchacha se da cuenta y regresa por el anciano. Ahí ella parece arrepentida y como que el peligro del anciano le causa una gran confusión, misma que la lleva a querer casarse con él.
La boda se realiza en el barco y el joven intruso (o sea el universitario) es testigo del amor que se prometen entre un exquisito vestuario, gallinas con listones y un breve ritual.
Los enamorados se van en la balsa, se detienen en algún punto del mar, él la abraza, ella se ve renuente, (y como les decía al parecer la costumbre, más que el amor, la hizo casarse con el anciano) él intenta hechizarla con su música sin embargo ya no funciona y ella se queda dormida. El viejo le apunta con el arco a la joven dormida, pero no se atreve a matarla en cambio éste se tira por la borda y muere ahogado.
Hasta este punto hubiera yo sido feliz si se hubiera ido la luz y la película desaparece del planeta para no ver nunca el final de risa al que fui sometida cuando gracias al mar (o al espíritu del anciano) la balsa regresa sola al barco. Ahí el joven intruso ve dormida a la muchacha y de pronto la ve tener el mejor orgasmo de su vida. Cuando ella alcanza el climax una flecha del arco se clava cerca de su sexo dejándole una mancha roja en su vestido blanco. (Si usted también se río al leerme esperece a verla o siga mi sugerencia y apague ahí la película) No obstante con ese suceso paranormal la muchacha y el intruso se van rumbo a la vida real y el barco comienza a poner en marcha los motores, y de ahí poco a poco se hunde… igual que el final.
Un aplauso para al attrezzista –de quien no encontré ni rastro de su nombre- pero que mantuvo bello y enigmático al arco.

Yo me quedo con los primeros 92 minutos del film así intactos y magistrales y borrare de mi mente los últimos 6 minutos para seguir disfrutando de la música y la historia de amor que no fue más que costumbre…

Usted puede enviarme una botella con un mensaje en el mar o si quiere que llegue más rápido hágalo a mi correo zerjess@hotmail.com



La escena:
Cuando el anciano sube a lo más alto del barco y nos regala una sonrisa con la música que emana del arco.

Lo magistral:
Es hermoso ver cómo transcurre un día en la vida de estos personajes de manera tan bella en donde la gente común sólo veríamos aburrición, tras 10 años de sólo caminar 20 pasos y dar vueltas en un barco.
Las actuaciones de Han Yeo-Reum son realmente encantadoras ya que en la primera parte del film derrocha gran ternura, ingenuidad y carisma. Es convincente su trabajo escénico cuando los tipos del barco se aprovechan de su ingenuidad tocando su cuerpo y ella al no poseer malicia reacciona como una niña. Pero después su personaje evoluciona y nos muestra a una insoportable adolescente que es retadora, provocativa y mustia. Y todo eso sin necesidad de pronunciar ni una sola palabra, ya que en todo el film nunca la escuchamos hablar.

Lo infernal:
El orgasmo con el espíritu del anciano

La recomendación:
Apague su DVD en el minuto 92 y quédese con lo que para mi es lo mejor de la historia. Evítese la escena de fantasía risueña del director.


Ficha técnica:
Director: KIM KI-DUK
Productor : KIM KI-DUK
Guionista: KIM KI-DUK
Productores ejecutivos: MICHIO SUZUKI y FUMIAKI IKEDA
Coproducto: KANG YOUNG-GU
Director de fotografía: JANG SEUNG-BAEK
Música: KANG EUN-IL
Director artístico: KIM HYUN-JU
Montador: KIM KI-DUK
Director de producción: JANG SEOK-BIN
Diseño de vestuario: KIM KYUNG-MI
Maquillaje: KIM KI-SUN
Sonido: JEUNG HYUN-SO


domingo, 13 de abril de 2008

8a clase

8ª CLASE
Géneros cinematográficos
Podemos considerar los géneros cinematográficos como mecanismos culturales que propician el conocimiento previo de la obra que el lector o espectador escoge para su disfrute. Proceden de categorías artísticas clásicas que facilitaban la producción de la obra al mismo tiempo que su consumo.
El desarrollo y los elementos narrativos, el argumento, los símbolos, la base temática, el mayor o menor grado de ficción y verosimilitud, etc. son aspectos que delimitan las fronteras entre un género y otro. Los mecanismos clásicos de cada género cumplían esencialmente funciones narrativas centradas en el argumento, pero la función más significativa sería la económica, que puede determinar la elección, producción y posterior acogida por parte del público de un determinado género.
Establecer una tipología de los géneros cinematográficos es arriesgado pues desde mediados del siglo XX existe una mayor contaminación de géneros.
1. Cine bélico
Sirve o se desempeña para reflejar una visión clara acerca de ciertos conflictos universales o simplemente para hacer referencias históricas, de hechos o acontecimientos históricos importantes para el mundo entero. Este género cinematográfico agrupa a las películas de guerra, normalmente con un tratamiento épico o de aventuras. Puede coexistir con otros géneros y así se habla de drama bélico, aventura bélica, comedia bélica, etc. Las películas bélicas suelen reflejar la ideología dominante del momento en que se realizan, teñidas de sentimientos patrióticos o nacionalistas o servir de instrumento netamente propagandístico.
2. Cine-biografías y cine cómico
Cine biografías
Película que narra la biografía de una persona real (más excepcionalmente de un personaje de ficción) con ciertas licencias históricas. Abundan las de músicos, pintores, políticos y cantantes.
Cine cómico
Género que busca la carcajada en el espectador mediante episodios de humor elemental, grotesco o absurdo, carente de matices o profundidad psicológica. Las películas de cine cómico son una sucesión de gags hilvanados y -a diferencia de la comedia- no poseen una estructura dramática precisa, progreso narrativo o evolución en los personajes. Se basan en conflictos resueltos a base de persecuciones, batallas de tartas, golpes, bofetadas, caídas... con un tratamiento amable. Explota la dialéctica infracción/castigo, el tipo del chico travieso, la figura del tonto y del vagabundo o la persecución.
También se llama comedia slapstick o comedia de payasadas. Destacan las obras de Mack Sennet, Max Linder, Buster Keaton, Charles Chaplin, Stan Laurel y Oliver Hardy y Harold Lloyd.
3. Cine de acción
Se caracteriza por un relato esquemático, protagonizado por personajes arquetípicos y por la abundancia de secuencias donde el dinamismo -persecuciones, huidas, carreras y combates son la regla y el enfrentamiento espectacular a través de luchas cuerpo a cuerpo y con máquinas, tiroteos, explosiones, incendios, etc. Este género se mueve en un mundo heroico, donde los combates, luchas y aventuras son algo de cada día.
4. Cine de aventuras
Podríamos decir que el cine de aventuras: tiene un tratamiento intrascendente, pseudodramático, de los conflictos que plantea supone personajes estereotipados y antitéticos (héroes y villanos) de ordinario, los personajes luchan por un objetivo -talismán, tesoro, resolución de un misterio, rescate de personas, etc.-que consiguen en un final feliz los protagonistas sufren variados avatares y experimentan una transformación a lo largo de la historia los hechos suceden en espacios dramáticos simbólicos o tópicos, pero siempre alejados de la cotidianeidad; y frecuentemente la acción sucede en el pasado.
Las especializaciones más importantes de este macrogénero son las siguientes: la acción espectacular con películas cuya estructura se limita a engarzar una sucesión de secuencias sorprendentes. Ejemplos de este genero son las películas de piratas y aventuras marinas, las aventuras de capa y espada las aventuras que transcurren en espacios exóticos espionaje y agentes secretos el cine de artes marciales, aventuras futuristas en espacios terrestres marinos o del espacio exterior
5. Cine de catástrofes
Aunque suele ubicarse dentro de la aventura, el cine catastrófico es un género híbrido entre el drama y la aventura espectacular. Predominan los casos en que el desastre tiene su origen en un fenómeno de la naturaleza de carácter excepcional (terremotos maremotos, avalanchas de nieve e inundaciones).
6. Ciencia ficción
Género cinematográfico al que pertenecen películas que narran historias en un futuro imaginario, ordinariamente caracterizado por un desarrollo tecnológico mayor. Suele estar emparentado con el género fantástico, aunque se diferencia en que éste no siempre se refiere al futuro y en que la ciencia-ficción tiene mayor realismo, los argumentos se justifican desde un punto de vista científico, aunque haya elementos no reales, como viajes en el tiempo o inventos inverosímiles. Este género está lleno de efectos especiales, montajes, iluminaciones y representaciones hoy en día digitales; para así transmitirle a los espectadores emociones y vivencias que van más allá de una simple proyección, es decir; llevarlos a un nivel de transportación e identificación con los personajes, de una manera virtual.
7. Cine terror y gore
Género cinematográfico que comprende las películas que provocan en el espectador miedo, angustia u horror mediante personajes humanos, animales o mecánicos y monstruos imaginarios que resultan amenazantes o destructores para los protagonistas, débiles o impotentes frente a ellos. Junto a tratamientos realistas del terror, abundan los filmes fantásticos y de ciencia-ficción.
El gore es un subgénero que se desarrolla a partir de los años sesenta. Este tipo de género se especializa en la crueldad, videncia y crímenes que se ejercen en un grupo bien sea de personajes o protagonistas para infundirles miedo. Este género recurre a la fantasía y al miedo a través de personajes monstruosos y sobrenaturales, como brujas, fantasmas, espíritus, demonios o vampiros.
8. Cine de romanos
También llamado peplum es un género híbrido de drama y aventuras que se identifica con facilidad por estar ambientado en la antigüedad clásica griega o romana. También se incluyen historias bíblicas y relatos con héroes y animales mitológicos en ese mismo espacio, que son claramente fantásticas. En cualquier caso, es un género que se nutre de los mitos y sucesos ejemplares de la historia y de la literatura para explotar su potencial dramático y espectacular mediante los recursos típicos de la aventura, los grandes decorados y las acciones de masas.
9. Cine del oeste (Western)
Narra sucesos ubicados en el Oeste norteamericano en la segunda mitad del siglo XIX y, más concretamente, entre 1860 y 1890. Hay muchos tipos de westerns, pero se suele subrayar la raíz histórica de relatos que, con la conquista del Oeste, la lucha por la tierra, los pioneros, el establecimiento de la ley y la justicia, los límites y fronteras... han creado una épica de la fundación del país.
10. El cine histórico
Es muy difícil catalogar así a un tipo de cine, porque la mayoría de las producciones necesariamente pasan por la historia. Sin embargo, hay dos temas que únicamente reconstruyen hechos reales, sin otro objetivo que mostrar fielmente dicha realidad: la biblia y las guerras.
11. Cine musical
Se encuadra en el musical toda película que otorga importancia al espectáculo de la música a través de canciones, bailes o coreografías; incluso también se podrían considerar musicales las biografías de compositores o intérpretes. Pero, el musical por excelencia es el musical americano, un género genuino y que se caracteriza por historias optimistas y de cierta frivolidad, en las que una trama y unos personajes muy simples sirven de soporte para números musicales espectaculares. Se llama también comedia musical porque los tratamientos dramáticos resultan excepcionales.
Se involucra el sonido como forma de darle al protagonista un desenvolvimiento artístico y bailable dentro del desarrollo de la película; es decir incluirle un movimiento innovador y revitalizador como otra manera de darle forma a una nueva expresión
12. Cine negro, suspenso, de bandas criminales
Es uno de los géneros típicamente norteamericanos, crea modelos para otras cinematografías. Estas películas tienen un aire de pesimismo fatalista y transcurren en una sociedad violenta, corrupta y falsa que amenaza al héroe y a veces también a otros personajes. Incluso cuando el protagonista logra sobrevivir persiste una sensación de derrota o de fracaso.
Entre los elementos que caracterizan el cine negro en sentido estricto están: los personajes estereotipados, las historias dramáticas en las que la muerte o la violencia mortal tienen un protagonismo importante en el desarrollo del tema, los conflictos y la criminalidad vienen determinados por un contexto social, los personajes se sitúan al margen de la ley y no siempre coinciden legalidad y moralidad en sus conductas, la acción narrada es contemporánea y se ubica preferentemente en espacios urbanos, diálogos cortantes, muy «cinematográficos» y frecuentemente cínicos, historias basadas en novelas baratas y en reportajes periodísticos.
Suspense o thriller: También llamado intriga, aborda sucesos criminales o que entrañan amenazas de muerte, aunque éstos quedan en segundo plano frente al mecanismo narrativo que hace de la participación del espectador y de diversas hipótesis sobre los interrogantes planteados el motivo espectacular. Los personajes son investigadores (policías, detectives privados, agentes secretos, periodistas o simples aficionados) y falsos culpables, criminales, agentes enemigos, etc., pero, en ningún caso, tienen relación con el crimen organizado, como sucede en el cine de gángsters.
Cine de bandas criminales (gángsters y mafiosos): Agrupa a películas que tratan el crimen organizado: desde las historias de los gángsters de los años veinte a las familias mafiosas que se reparten la ciudad y obtienen sus beneficios de la extorsión, las apuestas ilegales o la prostitución.
13. Cine político y cine religioso
Cine Político
Cine que trata de temas, historias o personajes políticos desde una actitud comprometida, es decir, tomando partido sobre la ética o los valores ciudadanos afirmados o negados a través de los hechos narrados.
CINE RELIGIOSO
Cuenta con elementos espectaculares como la ambientación histórico-mitológica y el empleo justificado de trucajes. Sobresalen las pasiones, episodios del Antiguo Testamento y, sobretodo, vidas de Cristo y de los Santos.
14. Cine comedia
Género que pretende divertir o hacer reír al espectador mediante una trama con enredos y conflictos diversos, personajes singulares, diálogos ingeniosos y finales complacientes. El tratamiento suele ser amable y optimista, sobretodo en formas como la comedia musical y la comedia sofisticada o alta comedia. Cuando el humor está mitigado por conflictos con tratamiento realista se suele hablar de comedia dramática.
Se engloba en este género la comedia clásica con los dos subgéneros de comedia sofisticada y extravagante. La comedia sofisticada se desarrolla en ambientes refinados donde se pone en relación a personajes aristocráticos a través de diálogos con réplicas brillantes, se basa en situaciones equívocas y confusiones de todo tipo y propicia la evasión, aunque contiene elementos dramáticos y, en el fondo, una crítica más o menos hiriente o amable hacia las convenciones sociales y la hipocresía. La comedia extravagante -screwball comedy- se basa en la gracia de los diálogos y en el juego interpretativo y otorga importancia a la improvisación y a un ritmo más ágil.
15. Drama y cine pornográfico
Drama
Películas que abordan conflictos personales y sociales con un talante y una resolución realistas. Historias que tratan las cuestiones decisivas en la vida, como el amor, los celos, el desamor, la necesidad de cariño, la experiencia de paternidad o maternidad, el dolor, etc. Si, dentro del paradigma realista, el tratamiento es más amable, el drama deriva hacia la comedia y, por el contrario, si subraya la impotencia del ser humano frente al conflicto, adquiere el tinte de la tragedia.
La principal especialización de este género es el melodrama que aborda temas intemporales a través de personajes que mantienen relaciones afectivas y donde la representación de los sentimientos y conflictos busca la mayor empatía con el espectador.
Cine Pornográfico
Este tipo de género es totalmente de esencia física y erótica ya que se representan las vivencias íntimas entre las parejas.
16. Cine animado
Se encarga de crear imágenes o muñecos que serán los protagonistas. Este tipo de género es básicamente para el público infantil ya que se desarrollan historias en base a personajes animados, alegres, divertidos y llenos de sentimientos e imaginación.
17. Cine mudo
El cine mudo es aquel que no tiene sonido, consistiendo únicamente en imágenes. Se vale de gesticulaciones y expresiones que luego son explicadas en recuadros negros y enmarcados; esto con el fin de dar un entendimiento adelantado a la acción que se vaya a presentar o se esté presentando, realizadas en el período comprendido entre la aparición del cine y el sonoro (1895-1927).
18. Cortometrajes, documental y making off
Cortometrajes
Película de ficción (se suele excluir el documental) con una duración inferior a treinta minutos.
El Documental
El cine documental tiene como objetivo reflejar fielmente, en la medida de lo posible, hechos y eventos de la realidad. Sus pioneros fueron los hermanos Lumière, los mismos que inventaron el cinematógrafo, y los noticieros Charles Pathé, que fueron los primeros en filmar noticias y hechos de la vida real
Making-Off
Reportaje sobre una película, de una media hora de duración, con fragmentos del rodaje y entrevistas al director, actores y otros cineastas que se emite en televisión o acompaña al film en la edición en DVD.

miércoles, 9 de abril de 2008

Héroe
Por: Jessica Zermeño

¡Héroe ha sido la primera película China que he visto en mi vida! Y es que cuando de patadas, peleas, sangre y karatecas se trata, éstas son mi repulsión favorita para no ver en las películas. Y eso que a veces soy muy violenta. La cosa es que nunca me atrevería a ir al cine a ver nada que pinte así. Pero mis paradigmas sobre este tipo de films fueron hechos pedacitos, trizas, y pisoteados con ‘Hero’ y he de reconocer que nunca pensé que se pudiera contar una historia donde la muerte, combates y desamor tuvieran tanta belleza y sólo requiriera de una gota de sangre y mucho arte, símbolos e imaginación.
Cuentan los que si saben de esto, que hay un género por excelencia en la cinematografía popular china, ese es el wuxia o de caballería. Se caracteriza por la abnegación del héroe, su sacrificio por unos ideales o la exaltación del honor por encima de todo, incluso entre enemigos acérrimos. Cómo se aprecia en este film de Zhang Yimou donde de forma fragmentada nos cuentan a través de flash backs y con el uso magistral de los colores en toda su extensión de la palabra cómo durante el periodo de las guerras entre los Estados de China, el país estaba dividido en 7 reinos. Durante años, los reinos lucharon por la supremacía. El Rey Qin (Chen Dao Ming) quería conquistar toda China ser el primer Emperador. De ahí que éste sea el blanco perfecto de varios intentos de asesinato por parte de tres asesinos legendarios, Espada rota ( Tony Leung Chiu Wai) , Flying Snow (Maggie Cheung) y Nieve (Maggie Cheung).
El Rey Qin promete una gran recompensa a cualquiera que derrote a los tres asesinos. Así llega el guerrero ‘Sin nombre’ (Jet Li) con las armas de los asesinos.
El Rey escuchaba atentamente todos los detalles de esta curiosa historia que tiene cuatro vertientes que desatan un final emocionante, trágico y valeroso.
Creo que la estructura narrativa toma gran fuerza al explotar tanta belleza en cada una de sus imágenes, y aunque está por demás decir que en cada una hay una propuesta simbólica, que nos muestra el sentir de quien cuenta la historia según los colores que lo motivan.
Los efectos especiales son perfectos, el cuidado de la fotografía, la música, las excelentes actuaciones e interesantes peleas hace de esta película una verdadera reliquia.
Es inaudito pensar que las gotas de lluvia participan en el ambiente de una honorable pelea, donde la precisión en una coreografía, hacen apreciar no sólo golpes, si no el perfil psicológico que tenían dichos guerreros.
Mi favorita sin lugar a dudas es la escena de la pelea entre Nube voladora y Luna, quienes entre miles de hojas, y tras una ardua investigación encontré que tal escena requirió de un hombre que estuviera todo el tiempo en dicha locación cuidando el estado amarillo perfecto de las hojas que se necesitaban.
Y no obstante Zhang Yimou no queda conforme con la perfección y belleza ya mostrada -en el cuidado de las hojas, las bellas actrices, sus cabellos hermosos y estilizados- le ofrece al público ese bello duelo con el cambio de hojas a rojo, evitándonos la sangre a los que la odiamos y amando dicha escena con su dosis de simbolismo inmerso.
Pero seguramente nada de esto hubiera alcanzado la perfección sin la ayuda de la banda sonora a cargo de Tan Dun, quien logra mostrar en sus notas la época del comienzo de la gran dinastía de la China Imperial. Donde las hojas, el viento, y los instrumentos se unen armoniosamente para acompañar casi toda la película, volviéndose un protagonista indispensable de destacar en Héroe.
Habiendo conquistado todos mis sentidos, hoy me encuentro fascinada por la magistral enseñanza de Zhang Yimou a quien muchos críticos tacharon de seguir una fórmula ya probada en el Tigre y el Dragón, lo cierto es que una obra es por sí sola y si la dirección, la música, los encuadres, y tal belleza fue inspirada por otra habrá que dar gracias porque ésta es magistral.
Y me desdigo de evitar las películas wuxia y reconozco que siempre habrá un ser inteligente que pueda conquistar con su visión a los incrédulos como yo.

Después de tantas cosas bellas dichas espero que usted querido lector tenga algo lindo que aportar a zerjess@hotmail.com

La escena:
El baile en el río. La pelea en las hojas. La lucha de Nube voladora y Sin nombre en el techo de la escuela.
Lo reprochable:
Que tuviera que tener el nombre de Tarantino para ser apreciada en Estados Unidos
Lo bueno:
La creatividad, perfección, belleza en la exaltación de los colores, los combates magistralmente mostrados con juego de tomas y una limpia edición.
La recomendación:
Olvide todo lo que haya visto con patadas y karatecas, abra sus sentidos a algo nuevo y disfrute y sienta los colores en toda su expresión.


Antes de partir
Por: Jessica Zermeño

"Quisiera ver la nieve caer, volver a reír como cuando era niña, comer helados de frambuesa sin miedo a engordar, ver la enorme luna de Querétaro y besar los labios de mi amado". Así comenzaría la lista de las últimas cosas que haría 'Antes de partir' , mismas que espero escribir y cumplir con las mismas agallas y vitalidad que tenían Eduart Perriment Cold y Carter Chamble cuando decidieron vivir al límite los últimos días de sus vidas.
La dirección de Rob Reiner me parece atinada al mostrarnos algo que aún hoy no sé cómo llamar y me atreveré a decir que hace una excelente combinación de montaje entre el analítico y el sintético. Utilizando este último para mostrarnos la agonía y dolencia de las personas que sufren de cáncer terminal. A lo largo de varios planos deja al espectador sentir ese dolor, ese paso del tiempo, esa indiferencia y para algunos se tornará una película aburrida o lenta (con excelentes actuaciones de Jack Nicolson y Morgan Freeman, pero nos dan un tiempo fílmico psicológico donde transcurre todo el desarrollo del argumento en el cuarto de un hospital, se torna tediosa y los cambios de encuadres son muy limitados y), para los que se arriesguen a la garantía de estos actores, descubrirán después un cambio donde el montaje analítico toma las riendas del argumento que es mostrado con un tiempo fílmico .
Jack Nicolson es Eduart Perriment, un multimillonario que se enferma de cáncer y debe ser atendido en su propio hospital a lado de un mecánico, Carter Chamble a quien da vida Morgan Freeman. Ambos son condenados por la misma enfermedad y tras sufrirla noche y día, se contagian de la necesidad de vivir hasta el último minuto. Es así que Carter comienza a escribir una lista con las cosas que desearía hacer antes de morir, y Eduart se aferra a esa idea. Juntos recorren el mundo y cumplen sus sueños.
La fotografía y las locaciones mostradas en sólo algunos minutos de la película sin lugar a dudas la hacen una reliquia pues vemos desde la nieve de la montaña más grande del mundo, hasta las pirámides de Egipto. Ellos lo mismo saltan de paracaídas, como recorrer las zonas de África disfrutando de su naturaleza y en esta parte del film es donde se dan gusto haciendo tomas en plano general.
Carter y Eduart se ayudan el uno al otro hasta que un pequeño mal entendido los regresa de nuevo a sus vidas, se termina el viaje. Luego Carter aprenderá que su amigo ya no puede terminar la lista de sueños y que tendrá que ser él quien la concluya.
La historia de Justin Zackman resalta los valores de una muerte con dignidad y no dejarse morir triste y enfermo en la cama de un hospital, al contrario promueve la premisa de vivir hasta el último minuto con intensidad y siempre buscando la felicidad, y ambos personajes la encuentran con el sabio lema "vivimos para morir otro día".
Muchos podrían mostrarse escépticos de los lazos de amistad que logran estas personas en sólo tres meses, pero yo me pregunto, si alguien que comparte el dolor no sería quién mejor te entendiese, que aquel a quien siempre has llamado amigo.
El final es en cierto modo esperado, pero no por ello carece de la magia y el toque sentimental que debe poseer, aunado a una pizca de factor sorpresa si así se le puede llamar a la peculiar forma en que ambos deciden pasar días luego de morir.
Finalmente mi comentario mal intencionado de esta cuartilla, por qué considerarían en la clasificación este film una comedia. ¿alguna pista? yo no la encontré, si hay cosas divertidas, pero la mitad del argumento sufres con ellos más de lo que ríes, y el final no es clásico de una comedia, si es un tema noble muy bien abordado, tanto que a uno le dan ganas de morirse así (claro si uno tuviera los millones para hacer un viaje alrededor del mundo), pero la realidad es que a mi gusto de comedia tiene lo que ellos de malos actores, o sea una pizca.

Las sugerencias para alargar mi lista de posibles últimas cosas qué hacer antes de partir las puede enviar usted a zerjess@hotmail.com

La escena:
Cuando saltan del paracaídas, sigo con la ilusión de que son ellos. Pero creo que es un gran efecto que me deja seguir creyendo y disfrutando el canto de guerra de Nicholson.
Lo reprochable:
La iluminación. ¿Dónde estaban? creo que las escenas son muy oscuras. Al principio pensé que era parte de la estructura narrativa de la enfermedad de ellos, pero después aún en los días de felicidad esta fórmula se conserva y desespera.
Lo bueno:
Las actuaciones de ambos. La buena historia abordada con una carga psicológica muy buena al principio y dándole valor a la diversión y lo emotivo al final
La recomendación
Hay que verla sin estar cansado, pues los primeros planos tienen la facilidad de cansar, pero todo tiene una finalidad.

Ficha técnica:
Productor: Warner Bros Pictures
Director: Rob Reiner
Guión: Justin Zackham
Actores:
Edward- Jack Nicolson
Carter- Morgan Freeman
Thomas-Sean Hayes
Virginia- Beverly Todo
Dr. Hollings Rob Morrow







Tres ayudantes:
Tatuaje artístico: Jordan Lund
Asistente del director de arte: Martha Johnston
Departamento de maquillaje: Valli O´Reilly
Protesis de Nicolson: Matthew Mungle
Prostático de Morgan:Nancy Worthen-Hancoch
Un actor no actor: La estilista que rapa a Eduart
Personajes no humanos: Leones, jirafas, cebras etc.
Actor secundario: Sean Hayes
Actor de pérsonalidad multiple: Jack Nicholson
Actor especializado: Morgan Freeman, casi siempre le tocan los papeles de hombre humildes.