Kali… heroína.
Héroe…
Zhang Yimou
Me topé con este Héroe pro primera vez en mi vida, cuando todavía no sabía de cigarros intelectuales ni apreciación cinematográfica que estuviese fuera de la emoción adolescente. Mas creo que no hace falta ser un genio para impresionarse con esta obra, pero si hace falta tener un poco para entenderla más allá.
Todo sucedió un caluroso (no… un caluroso, calurosísimo, infernal, demoníaco y malévolo, bueno, pero eso es otra historia) lunes 31 de marzo, cuando en medio de telones negros y misterio inició la clase de los inocentes chicos malos de turno matutino. El nuevo film que recomendaríamos a nuestros amiguitos sería “Héroe” título, que al escapar un poco en un tiempo atrás, recuerdo no fue tan exitoso, incluso en esa sala de mi casa hace unos años, recuerdo a mi hermano haber dicho: “Ah, está bien fea”. En fin, es un claro ejemplo de que una lección de vida pede caber en una cajita.
El gran póster de Héroe, inicia con una frase que deja cierta incertidumbre: “Quentin Tarantino Presents” (Ah, canijo, ¿cómo es que dice?) Pues así es, Cuentin Tarantino presenta, a diferencia de otras películas, como Kill Bill, en donde vemos: “La 4ta película de Quentin Tanrantino”. Este afamado director presta su nombre y su apoyo para ayudar a distribuir el atinado film de un director bueno, mas no muy conocido, que no hubiese tenido tanto impacto, aún contando que esta película no cuenta solamente con uno de los trabajos de fotografía que más recuerdo, sino con un mensaje sumamente importante que hemos olvidado en estas tierras.
¿Por qué Tarantino prestó su nombre para este film?
El film podría tener impacto en la zona oriental, ¿pero que nos garantizaba su éxito en tierras de hamburguesas y refresco rebajado? Nada, es por eso que el señor Tarantino presta sus “servicios” como Productor, asegurando que, por medio de influencias y varias casas distribuidoras como Miramax y Buena Vista, el film llegara hasta la sala de mi casa, o de la tuya, o la de Cinthya Granados. Después de todo, podemos ver algo de esa fantasía, de la exageración poética, bombo y platillo que vemos en otros filmes de Tarantino, ¿en qué parte? Pues en las secuencias de pelea sobre un lago casi de cristal, en las tormentas de hojas, es similar a un cuento lleno de magia, maneja muy bien el uso del color, el color psicológico. Es por esto que Tarantino une fuerzas con Zhang Yimou, puesto que hay una parte similar en la escencia de ambos, que puedo haber hecho a Taranino querer apoyar este film, tal vez, el lo habría rodado de manera similar. Miramax decidió retirar su apoyo a la cinta en EU, los ecargados, los hermanos Weinstein, a quienes Tarantino presionó hasta lograr su objetivo.
Hemos hablado ya bastante sobre Héroe, pero ¿qué es lo que tanto he “alabado” de este film? En algún punto de mi texto hablé del mensaje (cosa que me sigue molestando que no vea mi hermano). Nos habla de una gama de temas, algunos olvidados o ridiculizados, como el honor, la lealtad, traición, el sacrificio. Otros temas, con los que coincidimos a diario en la práctica, o al menos, sabemos que existen, como el amor, en contraste con la guerra. Una idea que me transmitió el film , y la cual apoyo, es aquella que defiende que todo vuelve a las cosas más simples, los hechos tienen una razón y un curso natural, a veces las cosas que creemos malas tienen un mejor final, pues contando valores como el honor, la lealtad y la paz que vemos en este filme, dejamos de pensar solamente en uno mismo, para practicar un amor diferente, hacia lo demás… que al final de cuentas siempre regresa a ti. Es una parte de filosofía que desechamos en occidente para dar paso al individualismo, y obras como Héroe nos recuerdan de una manera hermosa que las cosas que creemos inservibles pueden ser, en realidad, la solución que estamos buscando, es sólo cosa de abrir los ojos.
Realizadores destacados:
Existen, sin duda, genios destacables en la realización de este film:
Primero que todos, el director, Zhang Yimou, también director de La Maldición de la flor dorada, que, según investigaciones cambió, a partir de Héroe, su manera de hacer cine por uno mucho más poético. Y no sólo funge como director, sino además de todo se encargó del guión, junto con Li Feng y Wan g Bin.
Christopher Doyle… el maestro, director de fotografía, que inevitablemente nos saca el: “Wow” de la boca.
Tan Dun se encarga de musicalizar la obra, recordemos esas melodías extrañas que son claro ejemplo de la cultura oriental. Este músico también trabaja junto a Ang Lee en “El tigre y el dragón”. Pero no sólo esas melodías, sino algunas con violín que ví causaron suspiros en más de uno… Itzhak Perlman es el encargado de las melodías en violín de esta obra. Y Kodo es el percusionista en este film.
Definitivamente el vestuario (y el “no-vestuario” de Sin nombre antes de pasar a ver al rey de Quin) realizado por Emi Wadas.
Dirección de cámaras y montaje, donde se utilizó la técnica de colocar varias cámaras en dif. Posiciones de forma simultánea. Tomas imposibles, picados y contrapicados.
Zhau Ru, Angie Lam., Yimou.
(También destaco enormemente la coreografía y utilería… pero no encontré el nombre de los responsables).
sábado, 5 de abril de 2008
Estelas doradas, plateadas y cobrizas
Metàmosle emosiòn al asunto!
Niños y niñaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaas , prepàrence para el Primer Concurso de Apreciaciòn Cinematogràfica...
Seguirè informàndoles...
Vida, probabilidades y creaciòn para ustedes!
sea!
Niños y niñaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaas , prepàrence para el Primer Concurso de Apreciaciòn Cinematogràfica...
Seguirè informàndoles...
Vida, probabilidades y creaciòn para ustedes!
sea!
lunes, 31 de marzo de 2008
Tarea de Roger- Elefante
elefante
El espacio geográfico de la película fue en colorado del este USA; el espacio dramático instituto Colombia. Lugar donde se realiza nuestra historia elo tema de al película el la masacre ocurrida el 20 de abril de 1999, cuando 2 estudiantes abrieron fuego contra 12 estudiantes y un profesor después suicidándose ellos al termino de los asesinatos aquí es donde se desarrolla la historia.
Esta historia relata los últimos momentos de los estudiantes asesinados sus movimientos y algunas acciones que tuvieron antes de ser asesinados la película en realidad es un poco lenta pues muestra el paso a paso de la vida de los estudiantes los últimos 15 minutos de cada uno de ellos haciendo esta película bastante real cosa que el director quería lograr con ella entrelazando la película en una punto antes del asesinato loa película esta fragmentada en sus capítulos. el director tiene un gran juego de luces mucho paneo con traveling siguiendo a cada uno de los compañeros en cada una de las tomas. E general mente los planos que ocupa en cada toma don plano a detalle hacia plano americano en donde podemos ver a los personajes desde los distintos puntos o enfoques que nos demuestra el director, el final es tan sorprendente y trágico, nos permite ver la ira que afecta a la sociedad el nombre de elefante es el apropiado ya que no da a entender lo atroz que es la violencia y los estregos que deja en la solciedad hace la referencia a lo grande que es este animal para dejarlo de ver y sin embargo pasa y mas seguido de lo que se piensa
El espacio geográfico de la película fue en colorado del este USA; el espacio dramático instituto Colombia. Lugar donde se realiza nuestra historia elo tema de al película el la masacre ocurrida el 20 de abril de 1999, cuando 2 estudiantes abrieron fuego contra 12 estudiantes y un profesor después suicidándose ellos al termino de los asesinatos aquí es donde se desarrolla la historia.
Esta historia relata los últimos momentos de los estudiantes asesinados sus movimientos y algunas acciones que tuvieron antes de ser asesinados la película en realidad es un poco lenta pues muestra el paso a paso de la vida de los estudiantes los últimos 15 minutos de cada uno de ellos haciendo esta película bastante real cosa que el director quería lograr con ella entrelazando la película en una punto antes del asesinato loa película esta fragmentada en sus capítulos. el director tiene un gran juego de luces mucho paneo con traveling siguiendo a cada uno de los compañeros en cada una de las tomas. E general mente los planos que ocupa en cada toma don plano a detalle hacia plano americano en donde podemos ver a los personajes desde los distintos puntos o enfoques que nos demuestra el director, el final es tan sorprendente y trágico, nos permite ver la ira que afecta a la sociedad el nombre de elefante es el apropiado ya que no da a entender lo atroz que es la violencia y los estregos que deja en la solciedad hace la referencia a lo grande que es este animal para dejarlo de ver y sin embargo pasa y mas seguido de lo que se piensa
viernes, 28 de marzo de 2008
Tarea de Olivia.Análisis de película Elefante
Análisis de película Elefante
Creo que el nombre de la película “elefante” se refiere a un todo, a la importancia de ignorar las cosas realmente importantes y significativas, o que incluso tienen tanta fuerza y crean una consecuencia mayor pero la gente lo ignora, lo deja pasar, o simplemente está cegada por conflictos pequeños que provocan distracción a las cosas importantes.
Elefante porque es tan grande que no todos observar su todo, sino ciertas partes, ya sea una pata, o su trompa, se enfocan ciertamente en una parte específica, y se quedan sólo con esa percepción de una parte del todo, ellos mismos limitan sus capacidades, cegándose y alterando la realidad.
En base al tipo de montaje que observé fue Analítico, ya que la mayoría de las tomas eran planos largos y lentos, para captar la atención del público a mayor grado, que observe detalladamente los movimientos, los pensamientos, expresiones, relaciones, el que comience a analizar qué es lo que está el personaje más que lo qué está haciendo el personaje. Es un tanto psicológico y detallado.
Analizando el ritmo del film se percibe un tanto lento, consecuente con los planos, crea una constante un tanto detenido pero no por esto aburrido o tedioso, esto marcó el interés del público con los personajes.
En cuanto al tema del film analizando algunas partes concluyo que es el evadir los problemas actuales y desde un pasado de la sociedad, el ignorar éstos englobando todo los subtemas como violencia, rabia, venganza, agresión, tristeza, egoísmo, ausencia de fe, accidentes sociales, la aceptación de la sociedad en grupos, esperanza y perdón, las consecuencias de el ignorar conflictos justamente importantes, la inseguridad.
Mi comentario final es que realmente me agradó y pareció realista el film, dándonos un buen mensaje, y provocando esa angustia y preocupación que la sociedad debe tener a veces para actuar y para cambiar. Me agradaron las actuaciones y el climax, la dirección y la presentación e importancia que le daban a los personajes.
Creo que el nombre de la película “elefante” se refiere a un todo, a la importancia de ignorar las cosas realmente importantes y significativas, o que incluso tienen tanta fuerza y crean una consecuencia mayor pero la gente lo ignora, lo deja pasar, o simplemente está cegada por conflictos pequeños que provocan distracción a las cosas importantes.
Elefante porque es tan grande que no todos observar su todo, sino ciertas partes, ya sea una pata, o su trompa, se enfocan ciertamente en una parte específica, y se quedan sólo con esa percepción de una parte del todo, ellos mismos limitan sus capacidades, cegándose y alterando la realidad.
En base al tipo de montaje que observé fue Analítico, ya que la mayoría de las tomas eran planos largos y lentos, para captar la atención del público a mayor grado, que observe detalladamente los movimientos, los pensamientos, expresiones, relaciones, el que comience a analizar qué es lo que está el personaje más que lo qué está haciendo el personaje. Es un tanto psicológico y detallado.
Analizando el ritmo del film se percibe un tanto lento, consecuente con los planos, crea una constante un tanto detenido pero no por esto aburrido o tedioso, esto marcó el interés del público con los personajes.
En cuanto al tema del film analizando algunas partes concluyo que es el evadir los problemas actuales y desde un pasado de la sociedad, el ignorar éstos englobando todo los subtemas como violencia, rabia, venganza, agresión, tristeza, egoísmo, ausencia de fe, accidentes sociales, la aceptación de la sociedad en grupos, esperanza y perdón, las consecuencias de el ignorar conflictos justamente importantes, la inseguridad.
Mi comentario final es que realmente me agradó y pareció realista el film, dándonos un buen mensaje, y provocando esa angustia y preocupación que la sociedad debe tener a veces para actuar y para cambiar. Me agradaron las actuaciones y el climax, la dirección y la presentación e importancia que le daban a los personajes.
6a clase. Los hacedores de cine.
El cine es un discurso colectivo
1. QUE SE NECESITA PARA HACER UNA PELÍCULA.
1. La colaboración de muchos hombres. En el cine intervienen hasta 200 profesionales distintos.
2. Es necesario talento, imaginación, inventiva, genio.
3. También son imprescindibles los medios económicos: dinero, grandes presupuestos.
4. Y una serie de medios técnicos de los que ya te hemos hablado.
2. QUE OCURRE ACTUALMENTE.
Se pretende libertar al cine de:
1. Los grandes presupuestos, de las fabulosas sumas de dinero que se emplean para realizar una película.
2. Los jóvenes de hoy pretenden convertir una película en la obra de un autor. Todas las nuevas olas quieren que el realizar una película sea algo tan fácil como tomar la pluma y ponerse a escribir. Desean hacer de la cámara algo muy parecido a la pluma estilográfica. Dicen ellos que lo más importante es amar el cine, tener genio y una cámara.
3. Las jóvenes tienen razón. El dinero; las grandes sumas que se emplean para hacer algunas películas, hasta quinientos millones de pesetas, no garantizan que la película sea buena. Dinero y obra de arte no tienen nada que ver. Una película barata puede resultar genial y una cara detestable.
3. EL CINE ES TAREA DE MUCHAS PERSONAS.
Los hombres más importantes de cualquier película son aquellas que tienen la responsabilidad de estos trabajos:
Producción, Dirección, Guión e Interpretación. En algún caso pueden asumir también mucha importancia: el director de la segunda unidad, el director de fotografía y el director artístico. A continuación hacemos una relación de los técnicos que intervienen en las películas que se realizan en Hollywood.
Ello te dará idea de la importancia de la industria Cinematográfica.
Director de fotografía
Segundo operador
Foquista
Auxiliar de cámara 1.°, 2.° y 3.°
Ayudante de Dirección Director de la 2.a Unidad
Secretario de Producción
Jefe de Producción
Secretarios personales del Director y del Productor
Contable de Producción
Scripts
Profesores de diálogo
Compositor musical
Director de Orquesta
Arreglos musicales
Orquesta
Montador de sonido
Director de doblaje
Ingeniero de sonido
Montador
Ayudante de montaje
Claquetistas
Coreógrafos
Director Artístico
Ayudante del Director Artístico
Técnicos de efectos especiales
Pintores de decorados
Regidor
Atrezzistas
Carpinteros
Estuquistas
Pintores
Lampistas
Jardineros
Electricistas
Auxiliares diversos
Chóferes
Mecánicos
Foto fija
Jefe de publicidad
Secretaria de publicidad
Sastres
Peluqueras
Maquilladoras
Encargados de guardarropa
Asesores especiales
El productor, el director y el actor
EL PRODUCTOR
Al comenzar la película, en los letreros, aparece siempre el nombre del productor, justamente el ante-último letrero y delante del nombre del director.
1. ¿QUIÉN ES?
Un hombre emprendedor, o un conjunto de personas, o el Estudio, que asumen la responsabilidad de reunir el dinero o los fondos precisos para hacer una. película. Se ha dicho que es un hombre de empresa que invierte su dinero en el cine, si lo tiene, con el propósito de recuperarlo acompañado de unos beneficios, a ser posible, elevados.
2. CUALIDADES.
· Espíritu amplio: abierto a muchas de las ideas que se le propongan.
· Iniciativa: ser emprendedor.
· Sentido artístico: que ame el cine como arte y tenga sensibilidad, buen gusto.
3. QUÉ HACE?.
· Escoger o aceptar el tema o idea de la película.
· Elegir los protagonistas o actores del filme.
· Debe confeccionar o hacer un presupuesto de gastos, es decir, un cálculo total de lo que costarán los derechos de autor, si los hubiere, los sueldos de todos los técnicos que intervienen en la realización de la película, lo que percibirán los actores por su trabajo, lo que le cuesta el alquiler del estudio, los precios del decorado y del vestuario, los gastos de desplazamiento, etc.
· Elaborar un plan de duración o de rodaje, o sea, cuántos días deben emplearse en hacer la película.
· Buscar el dinero o aportar los capitales necesarios para realizar la película.
· Buscar el equipo de hombres que intervendrán en la realización de la obra cinematográfica, incluido el director.
· Controlar lo que se va gastando.
4. AYUDANTES DEL PRODUCTOR. El productor necesita una serie de personas que le ayuden en esas careas. Por eso depende de él:
· El director de producción
· El administrador.
· El contable.
LOS PRODUCTORES ACTUALESEn el cine de nuestros días hay productores que se han convertido en directores, personas que producen y dirigen ellos mismos las películas.
EL DIRECTOR El nombre del director aparece en el último lugar de los letreros que encabezan una película. Es frecuente encontrarse con un rótulo que sustituye al nombre tradicional de director. La nueva fórmula dice que estamos ante una película de fulano o de mengano, con lo que se quiere indicar que el director es el autor de la obra cinematográfica. De este modo, deja de ser un técnico más, aunque siempre el más importante, para asumir la categoría de responsable total de la película y equipararse al autor de un cuadro, de una escultura, o de una obra literaria.
1. COMO SE LLAMA LA LABOR DEL DIRECTOR. Se denomina realización corrientemente. Hoy se habla de puesta en escena, de puesta en imagen. Cuando está filmando se dice que está rodando.
2. LA MISIÓN. Su labor consiste:
· En coordinar o saber disponer en la realización de la película del talento de guionistas, operadores, actores, músicos, así como de las tareas de los innumerables técnicos que intervienen en el rodaje. Por eso dirige a los actores, da el visto bueno a los decorados, a las luces, a los emplazamientos de la cámara, etc.
· En enseñarnos a ver el mundo a través de sus ojos , que es tanto como decir que nos debe dar una visión del mundo . Así, cada director, nos mostrará un universo distinto, diferente. Para unos el mundo es alegre, musical, para otros, es triste. Hay quien sólo ve la violencia que reina en él, mientras que otro director se fija, sobre todo, en la bondad de los seres humanos.
El director que realiza esta segunda labor es realmente un autor , un creador cinematográfico y sólo a él debe atribuírsele el nombre. El director que se ajusta a hacer la película como le indica el guión y siguiendo las órdenes del productor, no es otra cosa que un ejecutor fiel de la labor, un buen técnico, del que los críticos dicen que es un director con mucho oficio, un artesano.
3. CLASIFICACIÓN DE LOS DIRECTORES AUTORES. Los hay que manejan el lenguaje de las imágenes con belleza y precisión, del mismo modo que un escritor lo hace con el lenguaje escrito. Se dice de él que es un estilista. Visconti, por ejemplo. Otros directores manejan bien el lenguaje cinematográfico para contarnos algo. Son formidables narradores . En una película de Alfred Hitckock estamos tan pendientes de lo que sucede, nos cautiva tanto el modo que tiene de contarnos las cosas, que, la misma historia, contada por otro autor, nos interesa muy poco o nada. El verdadero autor es el que tiene una forma original de presentarnos cualquier realidad, de manera que el mundo nos parece nuevo, como si lo viéramos por primera vez. Un verdadero autor, por esto mismo, siempre dice algo. Son verdaderos autores: I. Bergman, F. W. Murnau, F. Lang, O. Welles, V. de Sica, R. Rosellini, J. Losey, S. M. Einsenstein, L. Buñuel, J. Cocteau, M. Antonioni, B. Bertolucci, F. Capra, E. Lubitch, Ch. Chaplín, R. Flaherty, B. Keaton, Jean Renoir, C. Chabrol, F. Truffaut, J. L. Godard, W. Disney, S. Peckinpah, A. Lamorisse, J. Tati, E. Von Stroheim, J. Ford, A. Resnais, R. Clair, V. Minnelli, G. Kelly, C. T. Dreyer, H. Hawks, F. Fellini, A. Kurosawa, S. Kubrick, K. Mizoguchi, A. Wajda, R. Bresson, M. Forman, S. Donen, M. Jancso, M. Stiller, V. Sjöström.
LOS ACTORES
1. EL TRABAJO DEL ACTOR CINEMATOGRÁFICO.
Su trabajo consiste en colaborar a la creación del personaje, en darle vida. Un guionista puede haber construido pésimamente un personaje del argumento, pero puede ocurrir también que, estando bien construido, esté mal interpretado por un actor, es decir, no parezca un ser de carne y hueso. Ya hemos dicho alguna vez que en el cine todo debe parecer real, hasta lo maravilloso.
2. TIPOS DE ACTORES CINEMATOGRÁFICOS.
· El actor no actor. Las películas documentales muestran gentes que no son actores, hay también películas de argumentos que emplean hombres y mujeres de la vida real, gentes de la calle .
· Personajes no humanos .-Algunas veces los protagonistas de cierta clase de películas no son seres humanos: el globo rojo, los animalillos de Walt Disney, la mula Francis, Rin-Tin-Tin.
· El actor secundario .-Recibe este nombre el que no interpreta los papeles principales. Actor secundario no quiere decir actor mediocre, ni inferior. En el cine todos los papeles son importantes. No hay, pues, papeles secundarios.
· El actor de personalidad .-Haga lo que haga siempre será él. Se le reconoce aunque esté disfrazado. Los críticos dicen que se interpreta a sí mismo.
· El actor de personalidad múltiple .-Se transforma en cada papel. Es distinto en cada obra. A Lon Chaney se le llamaba el hombre de las mil caras.
· El actor especializado .-Interpreta siempre los mismos papeles o los mismos personajes. Sean Connery dando vida al personaje de James Bond o Gary Cooper y John Wayne siendo los tipos del Oeste por excelencia. También muchos personajes de las series de TV.
1. QUE SE NECESITA PARA HACER UNA PELÍCULA.
1. La colaboración de muchos hombres. En el cine intervienen hasta 200 profesionales distintos.
2. Es necesario talento, imaginación, inventiva, genio.
3. También son imprescindibles los medios económicos: dinero, grandes presupuestos.
4. Y una serie de medios técnicos de los que ya te hemos hablado.
2. QUE OCURRE ACTUALMENTE.
Se pretende libertar al cine de:
1. Los grandes presupuestos, de las fabulosas sumas de dinero que se emplean para realizar una película.
2. Los jóvenes de hoy pretenden convertir una película en la obra de un autor. Todas las nuevas olas quieren que el realizar una película sea algo tan fácil como tomar la pluma y ponerse a escribir. Desean hacer de la cámara algo muy parecido a la pluma estilográfica. Dicen ellos que lo más importante es amar el cine, tener genio y una cámara.
3. Las jóvenes tienen razón. El dinero; las grandes sumas que se emplean para hacer algunas películas, hasta quinientos millones de pesetas, no garantizan que la película sea buena. Dinero y obra de arte no tienen nada que ver. Una película barata puede resultar genial y una cara detestable.
3. EL CINE ES TAREA DE MUCHAS PERSONAS.
Los hombres más importantes de cualquier película son aquellas que tienen la responsabilidad de estos trabajos:
Producción, Dirección, Guión e Interpretación. En algún caso pueden asumir también mucha importancia: el director de la segunda unidad, el director de fotografía y el director artístico. A continuación hacemos una relación de los técnicos que intervienen en las películas que se realizan en Hollywood.
Ello te dará idea de la importancia de la industria Cinematográfica.
Director de fotografía
Segundo operador
Foquista
Auxiliar de cámara 1.°, 2.° y 3.°
Ayudante de Dirección Director de la 2.a Unidad
Secretario de Producción
Jefe de Producción
Secretarios personales del Director y del Productor
Contable de Producción
Scripts
Profesores de diálogo
Compositor musical
Director de Orquesta
Arreglos musicales
Orquesta
Montador de sonido
Director de doblaje
Ingeniero de sonido
Montador
Ayudante de montaje
Claquetistas
Coreógrafos
Director Artístico
Ayudante del Director Artístico
Técnicos de efectos especiales
Pintores de decorados
Regidor
Atrezzistas
Carpinteros
Estuquistas
Pintores
Lampistas
Jardineros
Electricistas
Auxiliares diversos
Chóferes
Mecánicos
Foto fija
Jefe de publicidad
Secretaria de publicidad
Sastres
Peluqueras
Maquilladoras
Encargados de guardarropa
Asesores especiales
El productor, el director y el actor
EL PRODUCTOR
Al comenzar la película, en los letreros, aparece siempre el nombre del productor, justamente el ante-último letrero y delante del nombre del director.
1. ¿QUIÉN ES?
Un hombre emprendedor, o un conjunto de personas, o el Estudio, que asumen la responsabilidad de reunir el dinero o los fondos precisos para hacer una. película. Se ha dicho que es un hombre de empresa que invierte su dinero en el cine, si lo tiene, con el propósito de recuperarlo acompañado de unos beneficios, a ser posible, elevados.
2. CUALIDADES.
· Espíritu amplio: abierto a muchas de las ideas que se le propongan.
· Iniciativa: ser emprendedor.
· Sentido artístico: que ame el cine como arte y tenga sensibilidad, buen gusto.
3. QUÉ HACE?.
· Escoger o aceptar el tema o idea de la película.
· Elegir los protagonistas o actores del filme.
· Debe confeccionar o hacer un presupuesto de gastos, es decir, un cálculo total de lo que costarán los derechos de autor, si los hubiere, los sueldos de todos los técnicos que intervienen en la realización de la película, lo que percibirán los actores por su trabajo, lo que le cuesta el alquiler del estudio, los precios del decorado y del vestuario, los gastos de desplazamiento, etc.
· Elaborar un plan de duración o de rodaje, o sea, cuántos días deben emplearse en hacer la película.
· Buscar el dinero o aportar los capitales necesarios para realizar la película.
· Buscar el equipo de hombres que intervendrán en la realización de la obra cinematográfica, incluido el director.
· Controlar lo que se va gastando.
4. AYUDANTES DEL PRODUCTOR. El productor necesita una serie de personas que le ayuden en esas careas. Por eso depende de él:
· El director de producción
· El administrador.
· El contable.
LOS PRODUCTORES ACTUALESEn el cine de nuestros días hay productores que se han convertido en directores, personas que producen y dirigen ellos mismos las películas.
EL DIRECTOR El nombre del director aparece en el último lugar de los letreros que encabezan una película. Es frecuente encontrarse con un rótulo que sustituye al nombre tradicional de director. La nueva fórmula dice que estamos ante una película de fulano o de mengano, con lo que se quiere indicar que el director es el autor de la obra cinematográfica. De este modo, deja de ser un técnico más, aunque siempre el más importante, para asumir la categoría de responsable total de la película y equipararse al autor de un cuadro, de una escultura, o de una obra literaria.
1. COMO SE LLAMA LA LABOR DEL DIRECTOR. Se denomina realización corrientemente. Hoy se habla de puesta en escena, de puesta en imagen. Cuando está filmando se dice que está rodando.
2. LA MISIÓN. Su labor consiste:
· En coordinar o saber disponer en la realización de la película del talento de guionistas, operadores, actores, músicos, así como de las tareas de los innumerables técnicos que intervienen en el rodaje. Por eso dirige a los actores, da el visto bueno a los decorados, a las luces, a los emplazamientos de la cámara, etc.
· En enseñarnos a ver el mundo a través de sus ojos , que es tanto como decir que nos debe dar una visión del mundo . Así, cada director, nos mostrará un universo distinto, diferente. Para unos el mundo es alegre, musical, para otros, es triste. Hay quien sólo ve la violencia que reina en él, mientras que otro director se fija, sobre todo, en la bondad de los seres humanos.
El director que realiza esta segunda labor es realmente un autor , un creador cinematográfico y sólo a él debe atribuírsele el nombre. El director que se ajusta a hacer la película como le indica el guión y siguiendo las órdenes del productor, no es otra cosa que un ejecutor fiel de la labor, un buen técnico, del que los críticos dicen que es un director con mucho oficio, un artesano.
3. CLASIFICACIÓN DE LOS DIRECTORES AUTORES. Los hay que manejan el lenguaje de las imágenes con belleza y precisión, del mismo modo que un escritor lo hace con el lenguaje escrito. Se dice de él que es un estilista. Visconti, por ejemplo. Otros directores manejan bien el lenguaje cinematográfico para contarnos algo. Son formidables narradores . En una película de Alfred Hitckock estamos tan pendientes de lo que sucede, nos cautiva tanto el modo que tiene de contarnos las cosas, que, la misma historia, contada por otro autor, nos interesa muy poco o nada. El verdadero autor es el que tiene una forma original de presentarnos cualquier realidad, de manera que el mundo nos parece nuevo, como si lo viéramos por primera vez. Un verdadero autor, por esto mismo, siempre dice algo. Son verdaderos autores: I. Bergman, F. W. Murnau, F. Lang, O. Welles, V. de Sica, R. Rosellini, J. Losey, S. M. Einsenstein, L. Buñuel, J. Cocteau, M. Antonioni, B. Bertolucci, F. Capra, E. Lubitch, Ch. Chaplín, R. Flaherty, B. Keaton, Jean Renoir, C. Chabrol, F. Truffaut, J. L. Godard, W. Disney, S. Peckinpah, A. Lamorisse, J. Tati, E. Von Stroheim, J. Ford, A. Resnais, R. Clair, V. Minnelli, G. Kelly, C. T. Dreyer, H. Hawks, F. Fellini, A. Kurosawa, S. Kubrick, K. Mizoguchi, A. Wajda, R. Bresson, M. Forman, S. Donen, M. Jancso, M. Stiller, V. Sjöström.
LOS ACTORES
1. EL TRABAJO DEL ACTOR CINEMATOGRÁFICO.
Su trabajo consiste en colaborar a la creación del personaje, en darle vida. Un guionista puede haber construido pésimamente un personaje del argumento, pero puede ocurrir también que, estando bien construido, esté mal interpretado por un actor, es decir, no parezca un ser de carne y hueso. Ya hemos dicho alguna vez que en el cine todo debe parecer real, hasta lo maravilloso.
2. TIPOS DE ACTORES CINEMATOGRÁFICOS.
· El actor no actor. Las películas documentales muestran gentes que no son actores, hay también películas de argumentos que emplean hombres y mujeres de la vida real, gentes de la calle .
· Personajes no humanos .-Algunas veces los protagonistas de cierta clase de películas no son seres humanos: el globo rojo, los animalillos de Walt Disney, la mula Francis, Rin-Tin-Tin.
· El actor secundario .-Recibe este nombre el que no interpreta los papeles principales. Actor secundario no quiere decir actor mediocre, ni inferior. En el cine todos los papeles son importantes. No hay, pues, papeles secundarios.
· El actor de personalidad .-Haga lo que haga siempre será él. Se le reconoce aunque esté disfrazado. Los críticos dicen que se interpreta a sí mismo.
· El actor de personalidad múltiple .-Se transforma en cada papel. Es distinto en cada obra. A Lon Chaney se le llamaba el hombre de las mil caras.
· El actor especializado .-Interpreta siempre los mismos papeles o los mismos personajes. Sean Connery dando vida al personaje de James Bond o Gary Cooper y John Wayne siendo los tipos del Oeste por excelencia. También muchos personajes de las series de TV.
martes, 18 de marzo de 2008
Tarea de Manya. “Elephant”
1. ¿Por qué se llama “Elephant”?
Yo creo que se llama así haciendo alusión a la parábola budista de los ciegos que palpan al elefante y nadie lo percibe como lo que es realmente; también lo relaciono con lo absurdo de no ver un elefante en un salón de clases, que tiene que ver con lo que ya mencioné, nadie lo percibe como lo es realmente.
La problemática de la película, es decir, el sentir de los dos chicos que llevan a cabo la masacre, es el elefante, la esencia del ser humano es el elefante, la esencia de cada uno es el elefante.
Todos están tan ocupados en tomar fotos, salir con la pareja, vomitar, platicar, vivir su propia realidad, que no ven al elefante, no pueden identificarlo.
Yo en un momento la relacioné con la obra “Rinoceronte” de Ionesco, mucho fue por el parecido en los nombres, y por la matanza indiscriminada que suponen las dos obras, solo que en Rinoceronte se habla de los nazis (de manera totalmente simbólica por medio de los rinocerontes), y como destruían todo, sin importar si conocían o no, apreciaban o no, lo que se llevaban entre las patas, como en esta película, sólo que sin los nazis, “Rinoceronte” es una obra totalmente simbólica y “Elefante” es la película más realista que he visto.
2. ¿Qué tipo de montaje usan?
Se usa el montaje interno dentro del encuadre y el externo, ya que de en la edición se lleva a cabo este proceso.
Normas sobre montaje:
La escala en cuanto a normas de montaje es casi invisible.
En cuanto a la velocidad me pareció genial, ya que la película había momentos en los que se tornaba lenta y a pesar de eso utilizaban distensión en algunos momentos, ya que a pesar de ser lenta era para dar un efecto especial que para mi punto de vista fue logrado al 100%.
La distancia focal también fue algo genial, que en momentos llegaba a desesperarme pero de nervios, un ejemplo que recuerdo muy bien es cuando Nat y su novia están huyendo y Jared se va acercando a ellos, pero no es enfocado hasta que está casi pegado a la cámara, es maravilloso.
Articulación y puntuación:
Se usa por corte en ocasiones para unir a los diferentes personajes.
Tipos de montaje:
Según la escala y duración del plano:
Sintético: la mayoría de los planos (si no es que todos) son planos largos, no busca mostrar algo en específico, ni ser analizado, muestra la realidad como es.
Según con vistas a la totalidad del relato cinematográfico:
Es narrativo: y alterno o central, ya que ocurren las vidas de varios estudiantes que al final se unen.
3. ¿Qué temas maneja?
El tema principal es la alusión con el caso de la matanza sucedida en Columbine.
Creo que tiene muchísimos subtemas, la parábola del elefante es uno de ellos, el no ver lo que está en tus narices, que desde mi punto de vista es por ser diferente, no tanto por falta de percepción, aunque también tiene que ver.
La vida normal en una escuela secundaria estadounidense.
La individualidad de cada uno de los personajes, los mundos tan distintos en los que viven aun en la misma escuela.
La discriminación y como da frutos, manejada en los chicos que asesinan a sus compañeros como la violencia y venganza desenfrenada, y en Michelle como aislamiento.
Maneja la banalidad de un día normal en una escuela normal, el que las chicas vayan a vomitar juntas al baño, que el chico popular de la escuela no se preocupe porque su novia puede estar embarazada, las pláticas/debate acerca de la homosexualidad.
La homosexualidad.
La sexualidad en si misma, también desde varios enfoques, el de Nat y su novia y el de los chicos asesinos que buscan reconfortarse y sentir algo distinto del dolor.
Yo creo que se llama así haciendo alusión a la parábola budista de los ciegos que palpan al elefante y nadie lo percibe como lo que es realmente; también lo relaciono con lo absurdo de no ver un elefante en un salón de clases, que tiene que ver con lo que ya mencioné, nadie lo percibe como lo es realmente.
La problemática de la película, es decir, el sentir de los dos chicos que llevan a cabo la masacre, es el elefante, la esencia del ser humano es el elefante, la esencia de cada uno es el elefante.
Todos están tan ocupados en tomar fotos, salir con la pareja, vomitar, platicar, vivir su propia realidad, que no ven al elefante, no pueden identificarlo.
Yo en un momento la relacioné con la obra “Rinoceronte” de Ionesco, mucho fue por el parecido en los nombres, y por la matanza indiscriminada que suponen las dos obras, solo que en Rinoceronte se habla de los nazis (de manera totalmente simbólica por medio de los rinocerontes), y como destruían todo, sin importar si conocían o no, apreciaban o no, lo que se llevaban entre las patas, como en esta película, sólo que sin los nazis, “Rinoceronte” es una obra totalmente simbólica y “Elefante” es la película más realista que he visto.
2. ¿Qué tipo de montaje usan?
Se usa el montaje interno dentro del encuadre y el externo, ya que de en la edición se lleva a cabo este proceso.
Normas sobre montaje:
La escala en cuanto a normas de montaje es casi invisible.
En cuanto a la velocidad me pareció genial, ya que la película había momentos en los que se tornaba lenta y a pesar de eso utilizaban distensión en algunos momentos, ya que a pesar de ser lenta era para dar un efecto especial que para mi punto de vista fue logrado al 100%.
La distancia focal también fue algo genial, que en momentos llegaba a desesperarme pero de nervios, un ejemplo que recuerdo muy bien es cuando Nat y su novia están huyendo y Jared se va acercando a ellos, pero no es enfocado hasta que está casi pegado a la cámara, es maravilloso.
Articulación y puntuación:
Se usa por corte en ocasiones para unir a los diferentes personajes.
Tipos de montaje:
Según la escala y duración del plano:
Sintético: la mayoría de los planos (si no es que todos) son planos largos, no busca mostrar algo en específico, ni ser analizado, muestra la realidad como es.
Según con vistas a la totalidad del relato cinematográfico:
Es narrativo: y alterno o central, ya que ocurren las vidas de varios estudiantes que al final se unen.
3. ¿Qué temas maneja?
El tema principal es la alusión con el caso de la matanza sucedida en Columbine.
Creo que tiene muchísimos subtemas, la parábola del elefante es uno de ellos, el no ver lo que está en tus narices, que desde mi punto de vista es por ser diferente, no tanto por falta de percepción, aunque también tiene que ver.
La vida normal en una escuela secundaria estadounidense.
La individualidad de cada uno de los personajes, los mundos tan distintos en los que viven aun en la misma escuela.
La discriminación y como da frutos, manejada en los chicos que asesinan a sus compañeros como la violencia y venganza desenfrenada, y en Michelle como aislamiento.
Maneja la banalidad de un día normal en una escuela normal, el que las chicas vayan a vomitar juntas al baño, que el chico popular de la escuela no se preocupe porque su novia puede estar embarazada, las pláticas/debate acerca de la homosexualidad.
La homosexualidad.
La sexualidad en si misma, también desde varios enfoques, el de Nat y su novia y el de los chicos asesinos que buscan reconfortarse y sentir algo distinto del dolor.
lunes, 17 de marzo de 2008
TAREA DE JESSICA: ELEFANTE
Considero que el nombre de Elefante lo recibe como símbolo de grandeza, en todos sus sentidos. El discurso de la película de Gus Van Sant en todo momento nos habla de grandes problemas, sin embargo, los adolescentes al estar inmersos en sus propios problemas (discriminación, frivolidad, homosexualidad, bulimia, violencia escolar, armas, pláticas banales, lucha de poderes, popularidad) son incapaces de observar a su alrededor y por ende no distinguen los peligros por muy visibles que estos sean.
Para mí el utilizar a un animal como el elefante, es el mejor pretexto para mostrar un argumento basado en una historia real con un tiempo fílmico de adecuación, donde a través de un montaje sintético nos muestra escenas largas con profundidad que nos permite observar, todo lo que ocurre en un día común y corriente en una Universidad de Estados Unidos.
Con tomas en primer plano y en su mayoría de espaldas, mantiene anónimas esas identidades, tal como ocurre en una escuela, sólo son cuerpos que recorren pasillos, ante miradas indiferentes.
Lo fantástico es descubrir que el tiempo psicológico mostrado en esta película es tan real y verídico que nos sorprende cuando muestran escenas de lo fácil que es adquirir un arma, meterlas a una universidad y comenzar con una cazería…
Para mí el utilizar a un animal como el elefante, es el mejor pretexto para mostrar un argumento basado en una historia real con un tiempo fílmico de adecuación, donde a través de un montaje sintético nos muestra escenas largas con profundidad que nos permite observar, todo lo que ocurre en un día común y corriente en una Universidad de Estados Unidos.
Con tomas en primer plano y en su mayoría de espaldas, mantiene anónimas esas identidades, tal como ocurre en una escuela, sólo son cuerpos que recorren pasillos, ante miradas indiferentes.
Lo fantástico es descubrir que el tiempo psicológico mostrado en esta película es tan real y verídico que nos sorprende cuando muestran escenas de lo fácil que es adquirir un arma, meterlas a una universidad y comenzar con una cazería…
sábado, 15 de marzo de 2008
Tarea de Cèsar: Elefante, Un animal grandote!
Pues que llegan y nos ponen Elefante en la escuela, el ultimo y aclamado film de Gus Van Sant, el director estadounidense de unos cuantos buenos films, segun aclaran algunos, films, que ciertamente no he visto, pero observo bien que en la cajita de Elefante que viene un un pequeño logotipo de algun reconocimiento: Palma de Oro en de los Premios de Cannes en el 2003.
Empezamos a verla y enseguida note que era una pelicula de arte, distinta, de ritmo lento o mas bien "de observacion", dirian las palabras de alguien mas, es asi como se presenta, con pocos cortes, del mismo modo y de forma general, esta separada en dos actos divididos por los cambios de tiempo.
Despues de una investigacion acerca del entorno de esta pelicula no solo me entere de que esta isnpirada en la masacre de la Columbine High School, en abril del 99, la cual es considerada como la tercer peor en la historia de EU. De este modo tambien tuve la oportunidad de leer un viejo dicho ingles, que dice: "de el elefante que está en un cuarto que nadie ve pero que se sabe que existe", y se me vienen a la mente tantos casos dentro de la sociedad de cualquier pais, que son "secretos a voces", el secreto que todo mundo sabe, pero sigue guardando celosamente, conviteendose muchas veces en el tabu, o la persignacion de que "Ni lo mande Dios".
Elefante es asi, una pelicula cruda, no puedo decir que mantiene un factor sopresa, pues si la observas detenidamente, desde cierto punto de la pelicula te imaginas lo que pasará, pero no es este el poder de impacto que quiere manejar el director, sino el crudo tema y sobretodo la incognita, en la cual el publico crea su criterio.
¿Estan seguros mis hijos en su escuela?
¡Espero en Dios que mis hijos no tengan a un compañero asi!
¿Te imaginas que Teo, el teto que siempre molestamos se revelara asi?
Estas son solo tres de las muchisimas preguntas que uno se hace al enterarse de un tema asi, a pesar de no conseguir una respuesta clara y concreta, y es que tan solo son movimientos y acontesimientos, llamemosle accidentes, inevitables, sociales.
Es asi como dos alumnos de la preparatoria irrumpen el edificio de su escuela durante las primeras horas de la mañana, tomando por sopresa a toda la escuela y disparando sin aparente motivo, pero "justicia" es lo que cree que hace la mente retorcida y psicopata del asesino, claro que inestabilidad tambien, pues muchos de estos casos terminan en suicido.
Definitivamente todos estamos a expensas del aire mismo, y es que temas como este preferimos llevarlo en nuestra mente como un cuadro al fondo de nuestro cuarto mental, el cual no queremos recordar, pero sabemos que se nos ha grabado ahi desde que tenemos uso de razon, como la muerte, el gobierno, el sexo, etc.
De montaje claro presenta el director un dia normal y corriente, los alumnos viven y cada uno de ellos representa cierto sector, despues de todo, a cualquiera nos puede tocar, y es que "si nos toca, nos toca, sino aunque nos pongamos...".
Elefante es como el logo que lleva a la esquina de la caja, de manera inconciente sabes que gano ante un voto de simpatia
Espero les haia latido, chido!
Chao.
Empezamos a verla y enseguida note que era una pelicula de arte, distinta, de ritmo lento o mas bien "de observacion", dirian las palabras de alguien mas, es asi como se presenta, con pocos cortes, del mismo modo y de forma general, esta separada en dos actos divididos por los cambios de tiempo.
Despues de una investigacion acerca del entorno de esta pelicula no solo me entere de que esta isnpirada en la masacre de la Columbine High School, en abril del 99, la cual es considerada como la tercer peor en la historia de EU. De este modo tambien tuve la oportunidad de leer un viejo dicho ingles, que dice: "de el elefante que está en un cuarto que nadie ve pero que se sabe que existe", y se me vienen a la mente tantos casos dentro de la sociedad de cualquier pais, que son "secretos a voces", el secreto que todo mundo sabe, pero sigue guardando celosamente, conviteendose muchas veces en el tabu, o la persignacion de que "Ni lo mande Dios".
Elefante es asi, una pelicula cruda, no puedo decir que mantiene un factor sopresa, pues si la observas detenidamente, desde cierto punto de la pelicula te imaginas lo que pasará, pero no es este el poder de impacto que quiere manejar el director, sino el crudo tema y sobretodo la incognita, en la cual el publico crea su criterio.
¿Estan seguros mis hijos en su escuela?
¡Espero en Dios que mis hijos no tengan a un compañero asi!
¿Te imaginas que Teo, el teto que siempre molestamos se revelara asi?
Estas son solo tres de las muchisimas preguntas que uno se hace al enterarse de un tema asi, a pesar de no conseguir una respuesta clara y concreta, y es que tan solo son movimientos y acontesimientos, llamemosle accidentes, inevitables, sociales.
Es asi como dos alumnos de la preparatoria irrumpen el edificio de su escuela durante las primeras horas de la mañana, tomando por sopresa a toda la escuela y disparando sin aparente motivo, pero "justicia" es lo que cree que hace la mente retorcida y psicopata del asesino, claro que inestabilidad tambien, pues muchos de estos casos terminan en suicido.
Definitivamente todos estamos a expensas del aire mismo, y es que temas como este preferimos llevarlo en nuestra mente como un cuadro al fondo de nuestro cuarto mental, el cual no queremos recordar, pero sabemos que se nos ha grabado ahi desde que tenemos uso de razon, como la muerte, el gobierno, el sexo, etc.
De montaje claro presenta el director un dia normal y corriente, los alumnos viven y cada uno de ellos representa cierto sector, despues de todo, a cualquiera nos puede tocar, y es que "si nos toca, nos toca, sino aunque nos pongamos...".
Elefante es como el logo que lleva a la esquina de la caja, de manera inconciente sabes que gano ante un voto de simpatia
Espero les haia latido, chido!
Chao.
viernes, 14 de marzo de 2008
TAREA DE KALI-ELEPHANT
¿Por qué se le da el nombre de Elephant?
El elefante es algo demasiado grande, no podemos no verlo, no podemos ignorarlo, así como lo que nos sucede a diario. Pensé en lo que había escuchado sobre los elefantes y su buena memoria, ellos no olvidan, al igual que Alex y Eric no olvidaron lo que por tanto tiempo hicieron con ellos.
¿Qué tipo de montaje utiliza el director?
Un montaje sintético.
¿Por qué?
El tipo de montaje sintético, se caracteriza por el uso de planos largos, elemento que destaca (bastante) en Elephant, esto nos da tiempo de descubrir o imaginar más sobre los personajes. Utiliza constantemente la profundidad de campo. Viéndolo desde una forma más narrativa, o general, se utiliza un tipo de montaje alterno, también pensaba en si podía ser paralelo, pero creo que hay una correspondencia temporal, y si, se unen los hechos en alguna parte de la secuencia, se ensambla todo. Ahora que, si nos ponemos a analizarlo desde un aspecto “expresivo” encontraremos que también puede contener elementos del montaje ideológico, puesto que nos muestra no sólo analogías, sino discurrencias entre los personajes y los sucesos dentro del argumento.
¿Cuál es el tema principal?
Aquellos conflictos “comunes” que pueden convertirse en algo realmente grande y peligroso, aquél dolor y aquella realidad que vemos a diario en pasillos fríos y congestionados, donde cada uno tiene una historia diferente y a la vez muy parecida. Lo interesante, dolorosa y cruda que es la realidad y la normalidad.
El elefante es algo demasiado grande, no podemos no verlo, no podemos ignorarlo, así como lo que nos sucede a diario. Pensé en lo que había escuchado sobre los elefantes y su buena memoria, ellos no olvidan, al igual que Alex y Eric no olvidaron lo que por tanto tiempo hicieron con ellos.
¿Qué tipo de montaje utiliza el director?
Un montaje sintético.
¿Por qué?
El tipo de montaje sintético, se caracteriza por el uso de planos largos, elemento que destaca (bastante) en Elephant, esto nos da tiempo de descubrir o imaginar más sobre los personajes. Utiliza constantemente la profundidad de campo. Viéndolo desde una forma más narrativa, o general, se utiliza un tipo de montaje alterno, también pensaba en si podía ser paralelo, pero creo que hay una correspondencia temporal, y si, se unen los hechos en alguna parte de la secuencia, se ensambla todo. Ahora que, si nos ponemos a analizarlo desde un aspecto “expresivo” encontraremos que también puede contener elementos del montaje ideológico, puesto que nos muestra no sólo analogías, sino discurrencias entre los personajes y los sucesos dentro del argumento.
¿Cuál es el tema principal?
Aquellos conflictos “comunes” que pueden convertirse en algo realmente grande y peligroso, aquél dolor y aquella realidad que vemos a diario en pasillos fríos y congestionados, donde cada uno tiene una historia diferente y a la vez muy parecida. Lo interesante, dolorosa y cruda que es la realidad y la normalidad.
miércoles, 12 de marzo de 2008
TAREA DE DITO- SOBRE ELEFANTE
1. Porque se llama Elefante? R: bueno, segun yo se llama asi porque alcanze a ver en el cuarto de Alex un dibujo de un elefante que hace referencia a la negacion de un obvio y severo problema.
2. Que tipo de montaje nos presenta? R: Nos da un montaje de tipo sintetico porque son planos largos de froundidad de campo, nos lo narran paralelamente, porque son varias escenas y varias historias que al final se juntan llegando a un mismo desenlace.
3. Cual es el tema principal de elefante? R: para mi el tema principal es los problemas de los adolescentes, pues vemos a varios que tienen diferentes preocupaciones, los dos principales tienen un trastorno desatado porque son molestados por chavos "superiores", y eso se convierte en un problema grave a esa edad, todos tienen algo que pensar y ese algo es diferente, y a esta edad la mayoria de las cosas son problemas. Esa es mi opinion.
2. Que tipo de montaje nos presenta? R: Nos da un montaje de tipo sintetico porque son planos largos de froundidad de campo, nos lo narran paralelamente, porque son varias escenas y varias historias que al final se juntan llegando a un mismo desenlace.
3. Cual es el tema principal de elefante? R: para mi el tema principal es los problemas de los adolescentes, pues vemos a varios que tienen diferentes preocupaciones, los dos principales tienen un trastorno desatado porque son molestados por chavos "superiores", y eso se convierte en un problema grave a esa edad, todos tienen algo que pensar y ese algo es diferente, y a esta edad la mayoria de las cosas son problemas. Esa es mi opinion.
domingo, 9 de marzo de 2008
5a clase
5ª clase
El montaje
Es la ordenación narrativa y rítmica de los elementos objetivos del relato. El proceso de escoger, ordenar y empalmar todos los planos rodados según una idea previa y un ritmo determinado.
La expresión del montaje es el elemento más importante de todos los anteriores y fruto de todos ellos. La elección, el ritmo, la medida van a la búsqueda de darnos una significación. Porque imágenes sueltas pueden adquirir al unirse agrupadas un nuevo significado.
Dos clases de montaje:
el interno del encuadre.
el externo o montaje de los diversos planos: es la yuxtaposición de los diversos planos ya internamente montados. De unos fragmentos de la película rodados, seleccionamos los fotogramas que componen planos más conseguidos en función de toda la secuencia y de todo el film, y los ordenamos con la medida y situación conveniente.
El espacio y el tiempo fílmicos entran en juego: La elipsis es la supresión de los elementos tanto narrativos como descriptivos de una historia, de tal forma que a pesar de estar suprimidos se dan los datos suficientes para poderlos suponer como existentes. La elipsis viene motivada por la necesidad de recortar tiempo real, por razones narrativas (provocar el interés, sensaciones...), por razones técnicas de rodaje o interpretación que imposibilitan la filmación de ciertos hechos (accidentes, catástrofes...) y por razones éticas que impiden la representación de asuntos incómodos (muertes reales, ejecuciones...)
Normas sobre montaje:
Escala: Los cortes de cada escena, que suponen supresión de fotogramas, de un movimiento, no pueden ser arbitrarios. Un pequeño cambio de imagen produce una incomodidad visual, se trata de un salto de imagen.
Angulación: Cuando el anterior error se aplica a la angulación, se trata de un salto de eje, efecto óptico que se produce cuando se cruzan los ejes de la acción y, por tanto, se da una perspectiva falsa en la continuidad de los planos correlativos.
Dirección de los personajes u objetos: Se trata de producir la impresión correcta en el caso de la dirección de los personajes en tomas diversas. Los movimientos de diferente dirección han de tomarse con direcciones opuestas, y los movimientos de igual dirección, con iguales direcciones. El error es el salto de eje. Tiene que haber "raccord" o continuidad. Además, en las acciones estáticas la dirección de las miradas de los personajes determinan el eje de acción, que es la línea imaginaria a lo largo de la cual se desarrolla la acción de los personajes en el espacio.
Montaje en movimiento: En todo montaje en movimiento, las figuras que se siguen deben ser parecidas, sólo diferentes en su magnitud y posición.
Velocidad: Se puede variar la rapidez de los planos en un momento dado para aumentar o disminuir el interés. La velocidad del montaje debe responder al desarrollo del episodio, no a su velocidad física o a su rapidez dramática.
Distancia focal: Hay que mantenerla sin variar. Si no, se produce un salto de distancias.
¿Cómo se hace la separación o unión de los planos y secuencias en un film? Por medio de diversas formas de articulación y puntuación:
Por corte: las imágenes de un plano suceden a las del anterior sin ningún proceso intercurrente.
Por fundido en negro: la escena se oscurece hasta no ver nada. Lo contrario es la apertura en negro. O también en blanco, en color o en iris.
Por encadenado: Una nueva escena va apareciendo encima de una antigua que se va fundiendo por superposición.
Por cortina: La progresión de una imagen en la pantalla hace desaparecer, por desplazamiento, la imagen anterior. Hay diferentes tipos de cortina.
Por barrido: Rápida panorámica que borra la nitidez de una imagen y da paso al plano siguiente.
Globalmente, las formas de paso indican una medida (un paso de tiempo o un cambio de espacio) y una expresión (una idea, un símbolo, un efecto...)
Tipos de montaje:
Según la escala y la duración del plano:
Analítico: A base de encuadres que contienen planos cortos y en general de corta duración. Se presta más a lo expresivo y psicológico. Se analiza la realidad estudiándola por partes. Se crea un ritmo rápido en la sucesión.
Sintético: A base de encuadres que contienen planos largos y con frecuencia uso de la profundidad de campo. Se da una visión más completa de la realidad, sin voluntad de análisis. Como aparecen más objetos y más hechos, exige encuadres de más duración para poder tener bastante tiempo de lectura.
Según con vistas a la totalidad del relato cinematográfico:
Narrativo: Pretende narrar una serie de hechos. Puede ser:
Lineal: El que sigue una acción única desarrollada por una sucesión de escenas en orden cronológico.
Invertido: Se alterna el orden cronológico del relato a partir de una temporalidad subjetiva de un personaje o buscando más dramatismo.
Paralelo: Dos o más escenas, independientes cronológicamente, se desarrollan simultáneamente creando una asociación de ideas en el espectador. La finalidad es hacer surgir un significado a raíz de su comparación. Una característica es su indiferencia temporal, donde no importa que las diferentes accione alternadas sucedan en tiempos diferentes o muy distantes entre sí.
Alterno: Equivale al anterior, basado en la yuxtaposición de dos o más acciones, pero entre éstas existe correspondencia temporal estricta y suelen unirse en un mismo hecho al final del film o de la secuencia.
Expresivo: Intenta sobre todo una interpretación artística o ideológica de la realidad cinematográfica que quiere mostrar en el transcurso de un film. Puede ser:
Métrico: Se basa en la longitud de los fragmentos.
Rítmico: En función tanto de la longitud de los planos como de la composición de los encuadres. Intenta subrayar el impacto psicológico con una segunda sensación confiada al ritmo del film. Se deforma la realidad de alguna manera, el ritmo real de un suceso se retrasa o acelera según lo que el autor quiere provocar.
Tonal: Intervienen componentes como el movimiento, el sonido emocional y el tono de cada plano.
Armónico: Resultado del conflicto entre el tono principal del fragmento y la armonía.
Ideológico: Busca un sentido más intelectual en la narración de los hechos al crear o evidenciar diferentes tipos de relaciones entre sucesos, objetos, personas... Relaciones temporales, espaciales, causales, consecutivas, de analogía, de contraste...
El montaje
Es la ordenación narrativa y rítmica de los elementos objetivos del relato. El proceso de escoger, ordenar y empalmar todos los planos rodados según una idea previa y un ritmo determinado.
La expresión del montaje es el elemento más importante de todos los anteriores y fruto de todos ellos. La elección, el ritmo, la medida van a la búsqueda de darnos una significación. Porque imágenes sueltas pueden adquirir al unirse agrupadas un nuevo significado.
Dos clases de montaje:
el interno del encuadre.
el externo o montaje de los diversos planos: es la yuxtaposición de los diversos planos ya internamente montados. De unos fragmentos de la película rodados, seleccionamos los fotogramas que componen planos más conseguidos en función de toda la secuencia y de todo el film, y los ordenamos con la medida y situación conveniente.
El espacio y el tiempo fílmicos entran en juego: La elipsis es la supresión de los elementos tanto narrativos como descriptivos de una historia, de tal forma que a pesar de estar suprimidos se dan los datos suficientes para poderlos suponer como existentes. La elipsis viene motivada por la necesidad de recortar tiempo real, por razones narrativas (provocar el interés, sensaciones...), por razones técnicas de rodaje o interpretación que imposibilitan la filmación de ciertos hechos (accidentes, catástrofes...) y por razones éticas que impiden la representación de asuntos incómodos (muertes reales, ejecuciones...)
Normas sobre montaje:
Escala: Los cortes de cada escena, que suponen supresión de fotogramas, de un movimiento, no pueden ser arbitrarios. Un pequeño cambio de imagen produce una incomodidad visual, se trata de un salto de imagen.
Angulación: Cuando el anterior error se aplica a la angulación, se trata de un salto de eje, efecto óptico que se produce cuando se cruzan los ejes de la acción y, por tanto, se da una perspectiva falsa en la continuidad de los planos correlativos.
Dirección de los personajes u objetos: Se trata de producir la impresión correcta en el caso de la dirección de los personajes en tomas diversas. Los movimientos de diferente dirección han de tomarse con direcciones opuestas, y los movimientos de igual dirección, con iguales direcciones. El error es el salto de eje. Tiene que haber "raccord" o continuidad. Además, en las acciones estáticas la dirección de las miradas de los personajes determinan el eje de acción, que es la línea imaginaria a lo largo de la cual se desarrolla la acción de los personajes en el espacio.
Montaje en movimiento: En todo montaje en movimiento, las figuras que se siguen deben ser parecidas, sólo diferentes en su magnitud y posición.
Velocidad: Se puede variar la rapidez de los planos en un momento dado para aumentar o disminuir el interés. La velocidad del montaje debe responder al desarrollo del episodio, no a su velocidad física o a su rapidez dramática.
Distancia focal: Hay que mantenerla sin variar. Si no, se produce un salto de distancias.
¿Cómo se hace la separación o unión de los planos y secuencias en un film? Por medio de diversas formas de articulación y puntuación:
Por corte: las imágenes de un plano suceden a las del anterior sin ningún proceso intercurrente.
Por fundido en negro: la escena se oscurece hasta no ver nada. Lo contrario es la apertura en negro. O también en blanco, en color o en iris.
Por encadenado: Una nueva escena va apareciendo encima de una antigua que se va fundiendo por superposición.
Por cortina: La progresión de una imagen en la pantalla hace desaparecer, por desplazamiento, la imagen anterior. Hay diferentes tipos de cortina.
Por barrido: Rápida panorámica que borra la nitidez de una imagen y da paso al plano siguiente.
Globalmente, las formas de paso indican una medida (un paso de tiempo o un cambio de espacio) y una expresión (una idea, un símbolo, un efecto...)
Tipos de montaje:
Según la escala y la duración del plano:
Analítico: A base de encuadres que contienen planos cortos y en general de corta duración. Se presta más a lo expresivo y psicológico. Se analiza la realidad estudiándola por partes. Se crea un ritmo rápido en la sucesión.
Sintético: A base de encuadres que contienen planos largos y con frecuencia uso de la profundidad de campo. Se da una visión más completa de la realidad, sin voluntad de análisis. Como aparecen más objetos y más hechos, exige encuadres de más duración para poder tener bastante tiempo de lectura.
Según con vistas a la totalidad del relato cinematográfico:
Narrativo: Pretende narrar una serie de hechos. Puede ser:
Lineal: El que sigue una acción única desarrollada por una sucesión de escenas en orden cronológico.
Invertido: Se alterna el orden cronológico del relato a partir de una temporalidad subjetiva de un personaje o buscando más dramatismo.
Paralelo: Dos o más escenas, independientes cronológicamente, se desarrollan simultáneamente creando una asociación de ideas en el espectador. La finalidad es hacer surgir un significado a raíz de su comparación. Una característica es su indiferencia temporal, donde no importa que las diferentes accione alternadas sucedan en tiempos diferentes o muy distantes entre sí.
Alterno: Equivale al anterior, basado en la yuxtaposición de dos o más acciones, pero entre éstas existe correspondencia temporal estricta y suelen unirse en un mismo hecho al final del film o de la secuencia.
Expresivo: Intenta sobre todo una interpretación artística o ideológica de la realidad cinematográfica que quiere mostrar en el transcurso de un film. Puede ser:
Métrico: Se basa en la longitud de los fragmentos.
Rítmico: En función tanto de la longitud de los planos como de la composición de los encuadres. Intenta subrayar el impacto psicológico con una segunda sensación confiada al ritmo del film. Se deforma la realidad de alguna manera, el ritmo real de un suceso se retrasa o acelera según lo que el autor quiere provocar.
Tonal: Intervienen componentes como el movimiento, el sonido emocional y el tono de cada plano.
Armónico: Resultado del conflicto entre el tono principal del fragmento y la armonía.
Ideológico: Busca un sentido más intelectual en la narración de los hechos al crear o evidenciar diferentes tipos de relaciones entre sucesos, objetos, personas... Relaciones temporales, espaciales, causales, consecutivas, de analogía, de contraste...
lunes, 3 de marzo de 2008
Una opinion y un par de chicas
Pues si, el dia hoy, despues de la pesada semana de examenes llega el turno para una nueva clase de apreciacion cinematografica, en donde la maestra Cyrana nos trae un exquisito film, en el cual al menos yo me quede con un excelente sabor de boca.
Una ves que sali del INAI y llegue a mi casa, fui hasta el internet para buscar un poco mas de lo que era "El Metodo" y me tope con un par de excelentes nombres, ademas de un par de chicas que se convirtieron en mis nuevos simbolos sexuales, jajaja.
Confieso que varias veces habia visto cine europeo (como todo el mundo lo ha hecho) y a mi muy humilde opinion el cine español no me llamaba la atencion (preferia el frances, por supuesto) pero es que este film cuenta con el suficiente ritmo y una excelente forma de llevarla a cabo, en ningun momento se vuelve tediosa, de manera contraria cuenta con la dosis de tension exacta que se le debe de inyectar al espectador.
Es hasta en mi casa que me entero que es un tal Marcelo Piñeyro quien la dirije, disculpen mi ignorancia pero no sabia que existia este señor, ni mucho menos en la obra de "El método Grönholm" en la que esta basada esta pelicula y por supuesto que no es solo de España, sino tambien cuenta con actores Italianos y Argentinos, y es en este punto a donde me entero que es Natalia Verbeke la sexy secretaria, es entonces cuando comienzo a buscar un poco mas de su vida y mi cassette, dentro de mi cabeza, para darme cuenta que tambien estuvo implicada en el excelente film ingles "Dont the i" (Obsesion en Mexico, El punto de la i, España) donde a la par de Gael Garcia hacen una buena historia de amor y celos, y esas cosas de humanos.
Luego me encuentro con que la bellizima Nieves es Najwa Nimri, una chica que bajo el nombre de "extasis" en arabe es tambien una excelente interprete de musica soul, jazz que con un gordito negro hacen la mancuerna de Najwajean.
Bueno despues de contarles un poco sobre estas dos chicas espero tomen en cuenta mis dos recomendaciones, y por su parte que les sea de su agrado, digo y si no, pues ya que le hacemos ¿no?...como sea hay que escuchar y ver cosas distintas...aprender.
Chido!!
Chao.
Una ves que sali del INAI y llegue a mi casa, fui hasta el internet para buscar un poco mas de lo que era "El Metodo" y me tope con un par de excelentes nombres, ademas de un par de chicas que se convirtieron en mis nuevos simbolos sexuales, jajaja.
Confieso que varias veces habia visto cine europeo (como todo el mundo lo ha hecho) y a mi muy humilde opinion el cine español no me llamaba la atencion (preferia el frances, por supuesto) pero es que este film cuenta con el suficiente ritmo y una excelente forma de llevarla a cabo, en ningun momento se vuelve tediosa, de manera contraria cuenta con la dosis de tension exacta que se le debe de inyectar al espectador.
Es hasta en mi casa que me entero que es un tal Marcelo Piñeyro quien la dirije, disculpen mi ignorancia pero no sabia que existia este señor, ni mucho menos en la obra de "El método Grönholm" en la que esta basada esta pelicula y por supuesto que no es solo de España, sino tambien cuenta con actores Italianos y Argentinos, y es en este punto a donde me entero que es Natalia Verbeke la sexy secretaria, es entonces cuando comienzo a buscar un poco mas de su vida y mi cassette, dentro de mi cabeza, para darme cuenta que tambien estuvo implicada en el excelente film ingles "Dont the i" (Obsesion en Mexico, El punto de la i, España) donde a la par de Gael Garcia hacen una buena historia de amor y celos, y esas cosas de humanos.
Luego me encuentro con que la bellizima Nieves es Najwa Nimri, una chica que bajo el nombre de "extasis" en arabe es tambien una excelente interprete de musica soul, jazz que con un gordito negro hacen la mancuerna de Najwajean.
Bueno despues de contarles un poco sobre estas dos chicas espero tomen en cuenta mis dos recomendaciones, y por su parte que les sea de su agrado, digo y si no, pues ya que le hacemos ¿no?...como sea hay que escuchar y ver cosas distintas...aprender.
Chido!!
Chao.
sábado, 1 de marzo de 2008
4a Clase
El sonido
La banda sonora de un film está compuesta, esencialmente, con cuatro grandes tipos de sonidos:
La palabra. El uso más frecuente es el diálogo, articulado por la presencia física de unos intérpretes que hablan.
Pero tampoco hay que olvidar otras aplicaciones como la "voz en off", discurso en tercera persona y sin presencia del narrador en la imagen que, sobre todo, se usa en la estructura temporal del "flash back".
La palabra es también presente en las letras de los musicales.
La música. Con frecuencia aparece como complemento de las imágenes.
Excepto en los musicales o en biografías de compositores donde la música es protagonista.
La música de contexto es cuando se oye la música de un aparato musical que aparece o se escucha en una escena.
Los ruidos. Acompañan a las imágenes.
El silencio. La pausa o la ausencia de sonidos condiciona una determinada situación, con frecuencia de angustia. El silencio es usado dramáticamente.
El sonido real es el constituido por todos los sonidos producidos por aquellos objetos y personas que forman parte de la acción que contemplamos en la pantalla. El sonido real puede ser:
sincrónico: a la vez que vemos una imagen oímos los sonidos que produce.
asincrónico: el sonido que escuchamos no corresponde a la imagen que vemos, pero corresponde a objetos o personas de la narración o descripción, presentes en la escena pero fuera del campo de la cámara.
El sonido subjetivo, es decir, tal como se escucha por uno de los personajes de la narración. También lo es una música, ruido o palabra presentes en el recuerdo o en la imaginación de un sujeto.
El sonido expresivo es cuando todos los ruidos, palabras o música son producidos por elementos que no pertenecen propiamente a la realidad que se describe o narra. Puede ser: en superposición con el sonido real, formando con éste una especie de contrapunto orquestal. Y en substitución del sonido real, no escuchándose nada del sonido real y sí del expresivo.
La música suele usarse:
en substitución de un sonido real: disparos, explosiones, pasos..., acompañados por una música que substituye al sonido real. La música en este caso tiene el mismo ritmo que el sonido substituido.
en substitución de un sonido pensado, recordado por un personaje.
como continuación de un grito o de un ruido:
para subrayar estados psicológicos de los personajes.
como "leit-motiv": se repite un mismo tema musical siempre que aparece el mismo personaje, que hay una progresión psicológica...
como ambiente de fondo.
La composición de la imagen
Es la armónica distribución de los objetos dentro del cuadro.
El encuadre es el espacio delimitado por el rectángulo que se interpone entre el ojo humano y los objetos o personajes que quieren ser captados con la cámara. Sus finalidades son:
descriptiva: se pretende presentar la realidad con una visión objetiva, introducirnos en el mundo en el que se desarrolla la acción. Los encuadres descriptivos buscan planos largos y movimientos apropiados.
narrativa: se quiere dar los elementos necesarios para que se entienda objetivamente la acción. Son encuadres funcionales y su duración ha de ser la estrictamente necesaria.
expresiva: se busca introducir más al espectador en el mundo de lo narrado o hacerle entender el punto de vista del director. Son encuadres más subjetivos. Es preciso que se subordinen a la narración del film.
simbólica: se busca introducir dentro del encuadre unos elementos que subrayen, expliquen, den profundidad psicológica, etc., a la acción, personajes o objetos presentados.
La finalidad que ha de conseguir la composición de la imagen en un encuadre es que la mirada del espectador encuentre con rapidez y precisión el objeto importante, y comprenda de forma suficiente el significado. La composición ha de establecer, pues, un centro de atención.
Lo que llama más la atención en un encuadre es:
las figuras u objetos en movimiento, o con un movimiento más rápido que los otros.
las figuras u objetos que vemos en una perspectiva favorable.
lo que es más cercano a la cámara.
lo que está iluminado.
alguna cosa oscura rodeada de una gran claridad.
Otra finalidad importante de la composición es el equilibrio de líneas, superficies, volúmenes y espacio en torno al centro de atención, excepto que, por razones dramáticas, expresivas o simbólicas, interese el desequilibrio.
Formas más usuales de composición del encuadre:
En triángulo: se emplazan las figuras de tal manera que formen un triángulo con vértice en el margen superior y con base sobre el inferior.
En triángulo doble: las figuras forman dos triángulos cuyos vértices coinciden en un punto y las bases se apoyan sobre los márgenes laterales.
En diagonal: las figuras se colocan a un lado o al otro de la diagonal del rectángulo.
Con resultantes de línea quebrada o curva.
Medios utilizados para la composición:
Las líneas, superficies, volúmenes de los objetos encuadrados.
la división de una recta, de una superficie o un volumen en partes iguales carece de interés.
la división en partes desiguales atrae la atención, huye de la monotonía.
las líneas y planos horizontales producen un efecto de calma.
las verticales producen un efecto de estrechamiento que cohibe.
La estructura narrativa de un fílm
La trayectoria de la acción que sigue la continuidad narrativa a lo largo de la acción fílmica debe ser fluida. El paso de un conjunto de encuadres a otro lo debe marcar la acción.
El arranque: Es preciso que contenga tensión emotiva, carácter visual, dinamismo, para que capte la atención. También, debe presentar el conflicto, los personajes que intervienen, sus problemas y lo que constituirá el nucleo de atención de todo el desarrollo argumental.
El desarrollo: Para que una idea esté bien desarrollada es preciso que contenga calidad emotiva, diversas líneas de fuerza convergentes y unidad narrativa.
La culminación y el desenlace: El "clímax" es el momento culminante de la narración y el desenlace la consecuencia lógica de todo lo anterior.
La banda sonora de un film está compuesta, esencialmente, con cuatro grandes tipos de sonidos:
La palabra. El uso más frecuente es el diálogo, articulado por la presencia física de unos intérpretes que hablan.
Pero tampoco hay que olvidar otras aplicaciones como la "voz en off", discurso en tercera persona y sin presencia del narrador en la imagen que, sobre todo, se usa en la estructura temporal del "flash back".
La palabra es también presente en las letras de los musicales.
La música. Con frecuencia aparece como complemento de las imágenes.
Excepto en los musicales o en biografías de compositores donde la música es protagonista.
La música de contexto es cuando se oye la música de un aparato musical que aparece o se escucha en una escena.
Los ruidos. Acompañan a las imágenes.
El silencio. La pausa o la ausencia de sonidos condiciona una determinada situación, con frecuencia de angustia. El silencio es usado dramáticamente.
El sonido real es el constituido por todos los sonidos producidos por aquellos objetos y personas que forman parte de la acción que contemplamos en la pantalla. El sonido real puede ser:
sincrónico: a la vez que vemos una imagen oímos los sonidos que produce.
asincrónico: el sonido que escuchamos no corresponde a la imagen que vemos, pero corresponde a objetos o personas de la narración o descripción, presentes en la escena pero fuera del campo de la cámara.
El sonido subjetivo, es decir, tal como se escucha por uno de los personajes de la narración. También lo es una música, ruido o palabra presentes en el recuerdo o en la imaginación de un sujeto.
El sonido expresivo es cuando todos los ruidos, palabras o música son producidos por elementos que no pertenecen propiamente a la realidad que se describe o narra. Puede ser: en superposición con el sonido real, formando con éste una especie de contrapunto orquestal. Y en substitución del sonido real, no escuchándose nada del sonido real y sí del expresivo.
La música suele usarse:
en substitución de un sonido real: disparos, explosiones, pasos..., acompañados por una música que substituye al sonido real. La música en este caso tiene el mismo ritmo que el sonido substituido.
en substitución de un sonido pensado, recordado por un personaje.
como continuación de un grito o de un ruido:
para subrayar estados psicológicos de los personajes.
como "leit-motiv": se repite un mismo tema musical siempre que aparece el mismo personaje, que hay una progresión psicológica...
como ambiente de fondo.
La composición de la imagen
Es la armónica distribución de los objetos dentro del cuadro.
El encuadre es el espacio delimitado por el rectángulo que se interpone entre el ojo humano y los objetos o personajes que quieren ser captados con la cámara. Sus finalidades son:
descriptiva: se pretende presentar la realidad con una visión objetiva, introducirnos en el mundo en el que se desarrolla la acción. Los encuadres descriptivos buscan planos largos y movimientos apropiados.
narrativa: se quiere dar los elementos necesarios para que se entienda objetivamente la acción. Son encuadres funcionales y su duración ha de ser la estrictamente necesaria.
expresiva: se busca introducir más al espectador en el mundo de lo narrado o hacerle entender el punto de vista del director. Son encuadres más subjetivos. Es preciso que se subordinen a la narración del film.
simbólica: se busca introducir dentro del encuadre unos elementos que subrayen, expliquen, den profundidad psicológica, etc., a la acción, personajes o objetos presentados.
La finalidad que ha de conseguir la composición de la imagen en un encuadre es que la mirada del espectador encuentre con rapidez y precisión el objeto importante, y comprenda de forma suficiente el significado. La composición ha de establecer, pues, un centro de atención.
Lo que llama más la atención en un encuadre es:
las figuras u objetos en movimiento, o con un movimiento más rápido que los otros.
las figuras u objetos que vemos en una perspectiva favorable.
lo que es más cercano a la cámara.
lo que está iluminado.
alguna cosa oscura rodeada de una gran claridad.
Otra finalidad importante de la composición es el equilibrio de líneas, superficies, volúmenes y espacio en torno al centro de atención, excepto que, por razones dramáticas, expresivas o simbólicas, interese el desequilibrio.
Formas más usuales de composición del encuadre:
En triángulo: se emplazan las figuras de tal manera que formen un triángulo con vértice en el margen superior y con base sobre el inferior.
En triángulo doble: las figuras forman dos triángulos cuyos vértices coinciden en un punto y las bases se apoyan sobre los márgenes laterales.
En diagonal: las figuras se colocan a un lado o al otro de la diagonal del rectángulo.
Con resultantes de línea quebrada o curva.
Medios utilizados para la composición:
Las líneas, superficies, volúmenes de los objetos encuadrados.
la división de una recta, de una superficie o un volumen en partes iguales carece de interés.
la división en partes desiguales atrae la atención, huye de la monotonía.
las líneas y planos horizontales producen un efecto de calma.
las verticales producen un efecto de estrechamiento que cohibe.
La estructura narrativa de un fílm
La trayectoria de la acción que sigue la continuidad narrativa a lo largo de la acción fílmica debe ser fluida. El paso de un conjunto de encuadres a otro lo debe marcar la acción.
El arranque: Es preciso que contenga tensión emotiva, carácter visual, dinamismo, para que capte la atención. También, debe presentar el conflicto, los personajes que intervienen, sus problemas y lo que constituirá el nucleo de atención de todo el desarrollo argumental.
El desarrollo: Para que una idea esté bien desarrollada es preciso que contenga calidad emotiva, diversas líneas de fuerza convergentes y unidad narrativa.
La culminación y el desenlace: El "clímax" es el momento culminante de la narración y el desenlace la consecuencia lógica de todo lo anterior.
viernes, 15 de febrero de 2008
3a clase de AC
I. La escala
Los esenciales: La escala, el ángulo y la iluminación.
Los integrales: El color, el sonido...
El plano es el conjunto de imágenes que constituyen una misma toma. La planificación es la relación de distancia y tamaño entre la cámara y el motivo. Si tomamos la figura humana como medida, según ocupe una mayor o menor escala en la pantalla, el plano se llama:
Gran plano general, muestra un gran escenario o una multitud. La persona no está o bien queda diluida en el entorno, lejana, perdida, pequeña, masificada. Tiene un valor descriptivo y puede adquirir un valor dramático cuando se pretende destacar la soledad o la pequeñez del hombre enfrente del medio.
Plano general, muestra un escenario amplio en el cual se incorpora la persona, y ocupa entre una 1/3 y una 1/4 parte del encuadre. Tiene un valor descriptivo.
Plano de conjunto, abraza un pequeño grupo de personas o un ambiente determinado. Interesa la acción y la situación de los personajes. Tiene un valor descriptivo, narrativo o dramático.
Plano figura, cuando los límites superior e inferior del cuadro casi coinciden con la cabeza y los pies de la figura humana. Tiene un valor narrativo pero comienza a potenciar el valor expresivo o dramático.
Plano americano (o 3/4). Los límites inferior y superior de la pantalla coinciden con la cabeza y las rodillas de la persona. Tiene un valor narrativo y dramático.
Plano medio. Presenta la figura humana cortada por la cintura, de medio cuerpo para arriba. También hay el plano medio corto (el busto) y el plano medio largo (de la pantorrilla para arriba). Tiene un valor expresivo y dramático, pero también narrativo.
Primer plano. El rostro entero de la persona. Tiene un valor expresivo, psicológico y dramático.
Primerísimo plano. Muestra una parte del rostro o del cuerpo. Potencia los valores del primer plano, aunque que también puede ser meramente descriptivo.
Plano detalle. Muestra un objeto o una parte de un objeto. Puede tener un valor descriptivo, narrativo, simbólico o dramático.
La profundidad de campo es el espacio entre el primer término y el último que se enfocan en un mismo encuadre. Se utiliza como elemento de gran valor dramático y psicológico.
Los objetivos gran angular tienen una gran profundidad de campo y sacan los fondos enfocados, al revés de los teleobjetivos que tienen poca profundidad y por eso sacan fondos desenfocados.
La escena es una serie de planos que forman parte de una misma acción o también ambiente dentro de un espacio y de un tiempo concretos.
La secuencia es una serie de escenas que forman parte de una misma unidad narrativa.
El plano-secuencia es un plano de mucha duración que se convierte por si misma en una secuencia; es una secuencia que se rueda en un solo plano, en una única toma y que conserva las unidades espaciales y temporales.
II. Los ángulos
Al tomar vistas con una cámara, normalmente el eje óptico (línea imaginaria que une el centro del encuadre con el centro del objetivo) de la cámara coincide con la línea recta que va desde nuestro punto de vista hasta el horizonte. Pero en lugar de eso, puede formar diversos ángulos con respecto a él y entonces la cámara adopta diversas posiciones o ángulos. La angulación es la diferencia que hay entre el nivel de la toma y el motivo que se filma.
Normal. El nivel de la toma coincide con el centro geométrico del objetivo o bien con la mirada de la figura humana. La cámara está situada a la altura de los ojos de los personajes, independientemente de su postura.
Picado. Cámara inclinada hacia el suelo. Sirve para describir un paisaje o un grupo de personajes, expresa la inferioridad o la humillación de un sujeto, o la impresión de pesadez, ruina, fatalidad... El eje óptico puede llegar a ser totalmente perpendicular al eje horizontal, mirando la cámara hacia abajo ("vista de pájaro").
Contrapicado. Cámara inclinada hacia arriba. Físicamente alarga los personajes, crea una visión deformada; expresa exaltación de superioridad, de triumfo... El eje óptico puede llegar a ser totalmente perpendicular al eje horizontal, mirando la cámara hacia arriba ("vista de gusano").
Inclinado. Si la cámara está inclinada, entonces la angulación también lo está y el plano que se obtiene también.
Ángulo imposible. Se consigue por medio de efectos, trucajes, manipulación del decorado... (una imagen tomada desde dentro de una nevera abierta, p.ej.) La subjetiva es cuando el visor de la cámara se identifica con el punto de vista de uno de los personajes creando una sensación de perspectiva subjetiva o mediatizada.
La perspectiva favorable: Un buen encuadre es aquel en el que todos los elementos necesarios en el momento de la descripción o narración cinematográfica muestran sus formas en mejores condiciones de visibilidad.
En el rostro humano, la perspectiva favorable no es ni la posición frontal ni la de perfil a la cámara, sino la posición de 3/4.
III. La luz
Hay tres elementos que condicionan la iluminación fílmica: el movimiento de los actores y objetos delante de la cámara, la sucesión de un plano a otro y la continuidad de luz entre ambos, y la rapidez de la sucesión de los planos que exige a la luz el papel de dar a conocer con precisión lo que sucede e interesa más de cada plano.
Clase de luz:
Natural. Proporcionada por la misma luminosidad del día.
Artificial. Proporcionada por la iluminación artificial.
La luz difusa se obtiene por medio de difusores y no produce sombras, distribuyéndose de forma uniforme. Imita o refuerza efectos naturales de la luz ambiente.
La luz directa produce sombras en los objetos y sombras proyectadas por éstos. Se consigue el modelado de los volúmenes de los objetos produciendo sombras convenientemente estudiadas en su superficie, el dibujo de los contornos de los objetos con haces de luz directa que caen desde arriba y en dirección contraria al ángulo de la cámara, y el contraluz situando la cámara encarada hacia los haces luminosos.
Estilos de iluminación:
De manchas. Consiste en distribuir por las superficies y perfiles del decorado, escasamente iluminado con una débil luz difusa, todo un conjunto de manchas luminosas.
De zonas. Consiste en crear una serie escalonada de zonas de luz de mayor a menor luminosidad. Este sistema centra la atención, ayuda a expresar la distancia, y crea un ambiente.
De masas. Imita el efecto natural de la luz. No es preciso que el motivo esté constantemente iluminado.
IV. El tono y el color
El diferente grado de luz que un objeto absorbe o rechaza dará como resultado en la imagen unos valores de tono que irán desde el blanco al negro, pasando por una serie de grises. Toda la gama de tonos posibles constituye la escala de tonos.
La mirada se dirige a lo más iluminado, al tono más claro antes que a las zonas más oscuras.
Al contrario, si se da un encuadre de gran calidad, lo primero que atraerá la mirada será un objeto oscuro.
Usos del color en el cine:
El color pictórico. Intenta evocar el colorido de los cuadros e incluso su composición.
El color histórico. Intenta recrear la atmósfera cromática de una época.
El color simbólico. Se usan los colores en determinados planos para sugerir y subrayar efectos determinados.
El color psicológico. Cada color produce un efecto anímico diferente. Los colores fríos (verde, azul, violeta) deprimen y los cálidos (rojo, naranja, amarillo) exaltan.
El color y la perspectiva: los colores cálidos dan impresión de proximidad, y los fríos de lejanía. También influye el valor de la intensidad tonal de cada color: los valores altos, iluminados, sugieren grandiosidad, lejanía, vacío... Los valores bajos, poco iluminados, sugieren aproximación.
Los fondos iluminados y claros intensifican los colores, dan ambiente de alegría y los objetos tienen más importancia en su conjunto. Los fondos oscuros debilitan los colores, entristecen los objetos que se difuminan y pierden importancia en el conjunto.
El color sirve para centrar la atención, favorecer el ritmo en la narración y en el montaje, y expresar con más fuerza ciertos momentos.
Los esenciales: La escala, el ángulo y la iluminación.
Los integrales: El color, el sonido...
El plano es el conjunto de imágenes que constituyen una misma toma. La planificación es la relación de distancia y tamaño entre la cámara y el motivo. Si tomamos la figura humana como medida, según ocupe una mayor o menor escala en la pantalla, el plano se llama:
Gran plano general, muestra un gran escenario o una multitud. La persona no está o bien queda diluida en el entorno, lejana, perdida, pequeña, masificada. Tiene un valor descriptivo y puede adquirir un valor dramático cuando se pretende destacar la soledad o la pequeñez del hombre enfrente del medio.
Plano general, muestra un escenario amplio en el cual se incorpora la persona, y ocupa entre una 1/3 y una 1/4 parte del encuadre. Tiene un valor descriptivo.
Plano de conjunto, abraza un pequeño grupo de personas o un ambiente determinado. Interesa la acción y la situación de los personajes. Tiene un valor descriptivo, narrativo o dramático.
Plano figura, cuando los límites superior e inferior del cuadro casi coinciden con la cabeza y los pies de la figura humana. Tiene un valor narrativo pero comienza a potenciar el valor expresivo o dramático.
Plano americano (o 3/4). Los límites inferior y superior de la pantalla coinciden con la cabeza y las rodillas de la persona. Tiene un valor narrativo y dramático.
Plano medio. Presenta la figura humana cortada por la cintura, de medio cuerpo para arriba. También hay el plano medio corto (el busto) y el plano medio largo (de la pantorrilla para arriba). Tiene un valor expresivo y dramático, pero también narrativo.
Primer plano. El rostro entero de la persona. Tiene un valor expresivo, psicológico y dramático.
Primerísimo plano. Muestra una parte del rostro o del cuerpo. Potencia los valores del primer plano, aunque que también puede ser meramente descriptivo.
Plano detalle. Muestra un objeto o una parte de un objeto. Puede tener un valor descriptivo, narrativo, simbólico o dramático.
La profundidad de campo es el espacio entre el primer término y el último que se enfocan en un mismo encuadre. Se utiliza como elemento de gran valor dramático y psicológico.
Los objetivos gran angular tienen una gran profundidad de campo y sacan los fondos enfocados, al revés de los teleobjetivos que tienen poca profundidad y por eso sacan fondos desenfocados.
La escena es una serie de planos que forman parte de una misma acción o también ambiente dentro de un espacio y de un tiempo concretos.
La secuencia es una serie de escenas que forman parte de una misma unidad narrativa.
El plano-secuencia es un plano de mucha duración que se convierte por si misma en una secuencia; es una secuencia que se rueda en un solo plano, en una única toma y que conserva las unidades espaciales y temporales.
II. Los ángulos
Al tomar vistas con una cámara, normalmente el eje óptico (línea imaginaria que une el centro del encuadre con el centro del objetivo) de la cámara coincide con la línea recta que va desde nuestro punto de vista hasta el horizonte. Pero en lugar de eso, puede formar diversos ángulos con respecto a él y entonces la cámara adopta diversas posiciones o ángulos. La angulación es la diferencia que hay entre el nivel de la toma y el motivo que se filma.
Normal. El nivel de la toma coincide con el centro geométrico del objetivo o bien con la mirada de la figura humana. La cámara está situada a la altura de los ojos de los personajes, independientemente de su postura.
Picado. Cámara inclinada hacia el suelo. Sirve para describir un paisaje o un grupo de personajes, expresa la inferioridad o la humillación de un sujeto, o la impresión de pesadez, ruina, fatalidad... El eje óptico puede llegar a ser totalmente perpendicular al eje horizontal, mirando la cámara hacia abajo ("vista de pájaro").
Contrapicado. Cámara inclinada hacia arriba. Físicamente alarga los personajes, crea una visión deformada; expresa exaltación de superioridad, de triumfo... El eje óptico puede llegar a ser totalmente perpendicular al eje horizontal, mirando la cámara hacia arriba ("vista de gusano").
Inclinado. Si la cámara está inclinada, entonces la angulación también lo está y el plano que se obtiene también.
Ángulo imposible. Se consigue por medio de efectos, trucajes, manipulación del decorado... (una imagen tomada desde dentro de una nevera abierta, p.ej.) La subjetiva es cuando el visor de la cámara se identifica con el punto de vista de uno de los personajes creando una sensación de perspectiva subjetiva o mediatizada.
La perspectiva favorable: Un buen encuadre es aquel en el que todos los elementos necesarios en el momento de la descripción o narración cinematográfica muestran sus formas en mejores condiciones de visibilidad.
En el rostro humano, la perspectiva favorable no es ni la posición frontal ni la de perfil a la cámara, sino la posición de 3/4.
III. La luz
Hay tres elementos que condicionan la iluminación fílmica: el movimiento de los actores y objetos delante de la cámara, la sucesión de un plano a otro y la continuidad de luz entre ambos, y la rapidez de la sucesión de los planos que exige a la luz el papel de dar a conocer con precisión lo que sucede e interesa más de cada plano.
Clase de luz:
Natural. Proporcionada por la misma luminosidad del día.
Artificial. Proporcionada por la iluminación artificial.
La luz difusa se obtiene por medio de difusores y no produce sombras, distribuyéndose de forma uniforme. Imita o refuerza efectos naturales de la luz ambiente.
La luz directa produce sombras en los objetos y sombras proyectadas por éstos. Se consigue el modelado de los volúmenes de los objetos produciendo sombras convenientemente estudiadas en su superficie, el dibujo de los contornos de los objetos con haces de luz directa que caen desde arriba y en dirección contraria al ángulo de la cámara, y el contraluz situando la cámara encarada hacia los haces luminosos.
Estilos de iluminación:
De manchas. Consiste en distribuir por las superficies y perfiles del decorado, escasamente iluminado con una débil luz difusa, todo un conjunto de manchas luminosas.
De zonas. Consiste en crear una serie escalonada de zonas de luz de mayor a menor luminosidad. Este sistema centra la atención, ayuda a expresar la distancia, y crea un ambiente.
De masas. Imita el efecto natural de la luz. No es preciso que el motivo esté constantemente iluminado.
IV. El tono y el color
El diferente grado de luz que un objeto absorbe o rechaza dará como resultado en la imagen unos valores de tono que irán desde el blanco al negro, pasando por una serie de grises. Toda la gama de tonos posibles constituye la escala de tonos.
La mirada se dirige a lo más iluminado, al tono más claro antes que a las zonas más oscuras.
Al contrario, si se da un encuadre de gran calidad, lo primero que atraerá la mirada será un objeto oscuro.
Usos del color en el cine:
El color pictórico. Intenta evocar el colorido de los cuadros e incluso su composición.
El color histórico. Intenta recrear la atmósfera cromática de una época.
El color simbólico. Se usan los colores en determinados planos para sugerir y subrayar efectos determinados.
El color psicológico. Cada color produce un efecto anímico diferente. Los colores fríos (verde, azul, violeta) deprimen y los cálidos (rojo, naranja, amarillo) exaltan.
El color y la perspectiva: los colores cálidos dan impresión de proximidad, y los fríos de lejanía. También influye el valor de la intensidad tonal de cada color: los valores altos, iluminados, sugieren grandiosidad, lejanía, vacío... Los valores bajos, poco iluminados, sugieren aproximación.
Los fondos iluminados y claros intensifican los colores, dan ambiente de alegría y los objetos tienen más importancia en su conjunto. Los fondos oscuros debilitan los colores, entristecen los objetos que se difuminan y pierden importancia en el conjunto.
El color sirve para centrar la atención, favorecer el ritmo en la narración y en el montaje, y expresar con más fuerza ciertos momentos.
sábado, 9 de febrero de 2008
Conceptos básicos del lenguaje cinematográfico I
a) El espacio fílmico
El espacio fílmico
Al montar los diversos fragmentos de película que componen una escena se crea un espacio y un ambiente nuevos que surgen de la imagen y que capta el espectador, que tiene la impresión que los fragmentos reunidos constituyen una acción unitaria.
Dos tipos de espacio:
i. el geográfico, que se utiliza para situar la acción en cualquier punto de la geografía.
ii. el dramático, que se utiliza para localizar y ambientar la psicología de los personajes y situaciones. Es un recurso muy usado para subrayar ideas o sentimientos.
b) El tiempo fílmico
El tiempo en el cine es diferente al tiempo real. Es un tiempo variable, no necesariamente lineal, que incluso se puede acelerar o invertir.
Las formas de utilización del tiempo fílmico son:
Adecuación: Igualdad entre el tiempo de acción y el de proyección.
Condensación: Mucha acción en poco tiempo.
Distensión: Alargamiento subjetivo de la duración objetiva de una acción.
Continuidad: El tiempo de la realidad fluye en la misma dirección que el fílmico.
Simultaneidad: Se alternan dos tiempos vitales en donde la acción pasa de uno al otro.
"Flash back": Salto atrás en el tiempo. Se retrocede a épocas anteriores. El recuerdo de alguien suele ser el procedimiento más habitual.
Tiempo psicológico: Una serie de planos largos con escasa acción puede aumentar la impresión de duración del film. Al contrario sucede con planos de corta duración y donde pasan cosas de gran interés. (Mientras que el primer caso caracteriza a los films psicológicos, el segundo hace referencia a los films de acción.)
Elipsis: Supresión de los elementos tanto narrativos como descriptivos de una historia, de tal manera que a pesar de estar suprimidos se dan los datos suficientes para poderlos suponer como sucedidos o existentes.
Recursos para representar el pasado: virajes de color o de color a blanco y negro, dobles pantallas, sobreimpresiones...
Recursos para representar el paso del tiempo: las hojas de un calendario van cayendo, un reloj, una vela o un cigarrillo que se van consumiendo, los cambios de luz natural, los cambios de estaciones del año, la evolución física de una persona, las sobreimpresiones...
c) El movimiento
En los films aparecen dos tipos de movimientos:
El movimiento dentro del encuadre, en el que la cámara queda inmóvil mientras los personajes se mueven dentro del cuadro. También se puede obtener por fragmentos, por medio del montaje (se hacen tomas de la acción desde ángulos diferentes y después se montan dando continuidad dramática a la acción). los movimientos de rotación se suelen realizar alrededor de tres ejes, perpendiculares entre sí, que pasan por el centro de la cámara, siendo uno de ellos el eje óptico. Según la cámara se apoye en uno de los ejes tendremos un movimiento diferente:
Panorámica horizontal, de derecha a izquierda o al revés.
Panorámica vertical, ascendente o descendente.
Panorámica oblicua, combinación de las dos anteriores.
Panorámica circular, en un ángulo de 360 grados.
El movimiento de la cámara se obtiene a partir de su propia rotación sin que se desplace, con desplazamiento o combinando ambos procedimientos.
El movimiento de balanceo. Las panorámicas tienen diferentes usos: el descriptivo (nos da a conocer el escenario), el dramático (presentación de los diversos elementos de la acción) y del subjetivo (en función de los personajes u objetos que se desplazan).
En el segundo caso, en los movimientos de translación la cámara puede tener diversos movimientos o travellings, que se pueden realizar físicamente (desplazando la cámara) u ópticamente (por medio del "zoom"):
Travelling de profundidad de aproximación, donde la cámara se traslada de un plano lejano a otro más cercano. Suele tener una función psicológica y dramática (iniciar un "flash back").
Travelling de profundidad de alejamiento, donde la cámara se aleja de un motivo encuadrado desde muy cercano. Tiene una función descriptiva, dramática (finalizar un "flash back").
Travelling vertical: la cámara sube o baja acompañando al sujeto.
Travelling paralelo: la cámara acompaña el motivo lateralmente.
Travelling circular: describe 360 grados alrededor del motivo.
Travelling divergente: modifica la perspectiva del espectador distorsionando la relación entre cámara y motivo.
Grúa: se utiliza el eje vertical y puede conseguir toda clase de combinaciones de movimientos.
Otros movimientos: cámara lenta o rápida (cambiando la velocidad de las tomas fotográficas), marcha atrás de las figuras, imagen parada...
El movimiento también tiene diversas funciones: descriptivas (acompañamiento del motivo en movimiento, creación de un movimiento ilusorio en un objeto estático, descripción de un espacio o de una acción con sentido dramático unívoco) y dramáticas (definición de las relaciones espaciales entre dos elementos de la acción, relieve dramático de un personaje o de un objeto importante, expresión subjetiva del punto de vista de un personaje, expresión de la tensión mental de un personaje).
d) El ritmo
Es la impresión dinámica dada por la duración de los planos, las intensidades dramáticas y, en último caso, por efecto del montaje. Sin embargo, el ritmo del cine es ritmo visual de la imagen, ritmo auditivo del sonido y ritmo narrativo de la acción.
El ritmo se crea:
Con la duración material y psicológica de los planos. Según cual sea la duración de los planos, el film tendrá un ritmo u otro. Motivos cercanos piden el cambio rápido del plano, porque se capta rápidamente lo que contienen; el contrario pasa con planos que presentan motivos lejanos.
Planos de duración más larga crean un ritmo lento. Se pueden obtener efectos de aburrimiento, monotonía, miseria material o moral de un personaje, ambientes contemplativos...
Planos de corta duración crean un ritmo rápido. Se pueden obtener efectos de impresión de gran actividad, agilidad, de esfuerzo, de ambiente de tragedia fatal, de choque violento...
Por lo que respecta a la escala, la capacidad de asimilación del espectador hace que los planos generales hayan de tener una duración más larga que no los primeros planos.
El ritmo de un film también está supeditado a la dinámica del movimiento, tanto por parte de la cámara como de los elementos representados.
No obstante, normalmente en un film el ritmo varía en función del tema o del dramatismo de las escenas. El equilibrio en la duración de los planos se ha de mantener con una cierta lógica en cada secuencia, pero no forzosamente a lo largo de todo el film.
Con los elementos visuales encuadrados. La combinación de los diversos planos pueden acelerar o retardar el ritmo.
Una sucesión de primeros planos produce un ritmo de gran tensión dramática.
Una sucesión de planos generales con imágenes amplias y luminosas dan una sensación de optimismo, al contrario que si se trata de imágenes con grandes sombras que producen tristeza.
Un paso de plano general a otro de más cerrado puede producir una aceleración del acontecimiento gracias al aumento de tensión que ocasiona.
Lo contrario, de planos cortos a largos, puede producir tanto un efecto de hundimiento como el de calma.
Los movimientos de cámara colaboran en crear dentro de un plano un movimiento, que quizá la misma escena no tiene.
La composición interna de las líneas del encuadre puede provocar una modalidad propia en el ritmo del montaje.
Con los elementos de la banda sonora.
Clases de ritmo:
Analítico: Planos cortos y muy numerosos; es un ritmo rápido que se traduce en dinamismo, dramatismo, actividad, esfuerzo...
Sintético: Planos largos y poco numerosos; resulta un ritmo lento, puede expresar sensualidad, monotonía, poesía...
"In crescendo": Planos cada vez más breves (tensión, dramatismo); planos cada vez más largos (relajación, serenidad).
Arrítmico: Los planos son breves o largos, sin tonalidad especial. A veces cambian repentinamente aportando sorpresa.
El espacio fílmico
Al montar los diversos fragmentos de película que componen una escena se crea un espacio y un ambiente nuevos que surgen de la imagen y que capta el espectador, que tiene la impresión que los fragmentos reunidos constituyen una acción unitaria.
Dos tipos de espacio:
i. el geográfico, que se utiliza para situar la acción en cualquier punto de la geografía.
ii. el dramático, que se utiliza para localizar y ambientar la psicología de los personajes y situaciones. Es un recurso muy usado para subrayar ideas o sentimientos.
b) El tiempo fílmico
El tiempo en el cine es diferente al tiempo real. Es un tiempo variable, no necesariamente lineal, que incluso se puede acelerar o invertir.
Las formas de utilización del tiempo fílmico son:
Adecuación: Igualdad entre el tiempo de acción y el de proyección.
Condensación: Mucha acción en poco tiempo.
Distensión: Alargamiento subjetivo de la duración objetiva de una acción.
Continuidad: El tiempo de la realidad fluye en la misma dirección que el fílmico.
Simultaneidad: Se alternan dos tiempos vitales en donde la acción pasa de uno al otro.
"Flash back": Salto atrás en el tiempo. Se retrocede a épocas anteriores. El recuerdo de alguien suele ser el procedimiento más habitual.
Tiempo psicológico: Una serie de planos largos con escasa acción puede aumentar la impresión de duración del film. Al contrario sucede con planos de corta duración y donde pasan cosas de gran interés. (Mientras que el primer caso caracteriza a los films psicológicos, el segundo hace referencia a los films de acción.)
Elipsis: Supresión de los elementos tanto narrativos como descriptivos de una historia, de tal manera que a pesar de estar suprimidos se dan los datos suficientes para poderlos suponer como sucedidos o existentes.
Recursos para representar el pasado: virajes de color o de color a blanco y negro, dobles pantallas, sobreimpresiones...
Recursos para representar el paso del tiempo: las hojas de un calendario van cayendo, un reloj, una vela o un cigarrillo que se van consumiendo, los cambios de luz natural, los cambios de estaciones del año, la evolución física de una persona, las sobreimpresiones...
c) El movimiento
En los films aparecen dos tipos de movimientos:
El movimiento dentro del encuadre, en el que la cámara queda inmóvil mientras los personajes se mueven dentro del cuadro. También se puede obtener por fragmentos, por medio del montaje (se hacen tomas de la acción desde ángulos diferentes y después se montan dando continuidad dramática a la acción). los movimientos de rotación se suelen realizar alrededor de tres ejes, perpendiculares entre sí, que pasan por el centro de la cámara, siendo uno de ellos el eje óptico. Según la cámara se apoye en uno de los ejes tendremos un movimiento diferente:
Panorámica horizontal, de derecha a izquierda o al revés.
Panorámica vertical, ascendente o descendente.
Panorámica oblicua, combinación de las dos anteriores.
Panorámica circular, en un ángulo de 360 grados.
El movimiento de la cámara se obtiene a partir de su propia rotación sin que se desplace, con desplazamiento o combinando ambos procedimientos.
El movimiento de balanceo. Las panorámicas tienen diferentes usos: el descriptivo (nos da a conocer el escenario), el dramático (presentación de los diversos elementos de la acción) y del subjetivo (en función de los personajes u objetos que se desplazan).
En el segundo caso, en los movimientos de translación la cámara puede tener diversos movimientos o travellings, que se pueden realizar físicamente (desplazando la cámara) u ópticamente (por medio del "zoom"):
Travelling de profundidad de aproximación, donde la cámara se traslada de un plano lejano a otro más cercano. Suele tener una función psicológica y dramática (iniciar un "flash back").
Travelling de profundidad de alejamiento, donde la cámara se aleja de un motivo encuadrado desde muy cercano. Tiene una función descriptiva, dramática (finalizar un "flash back").
Travelling vertical: la cámara sube o baja acompañando al sujeto.
Travelling paralelo: la cámara acompaña el motivo lateralmente.
Travelling circular: describe 360 grados alrededor del motivo.
Travelling divergente: modifica la perspectiva del espectador distorsionando la relación entre cámara y motivo.
Grúa: se utiliza el eje vertical y puede conseguir toda clase de combinaciones de movimientos.
Otros movimientos: cámara lenta o rápida (cambiando la velocidad de las tomas fotográficas), marcha atrás de las figuras, imagen parada...
El movimiento también tiene diversas funciones: descriptivas (acompañamiento del motivo en movimiento, creación de un movimiento ilusorio en un objeto estático, descripción de un espacio o de una acción con sentido dramático unívoco) y dramáticas (definición de las relaciones espaciales entre dos elementos de la acción, relieve dramático de un personaje o de un objeto importante, expresión subjetiva del punto de vista de un personaje, expresión de la tensión mental de un personaje).
d) El ritmo
Es la impresión dinámica dada por la duración de los planos, las intensidades dramáticas y, en último caso, por efecto del montaje. Sin embargo, el ritmo del cine es ritmo visual de la imagen, ritmo auditivo del sonido y ritmo narrativo de la acción.
El ritmo se crea:
Con la duración material y psicológica de los planos. Según cual sea la duración de los planos, el film tendrá un ritmo u otro. Motivos cercanos piden el cambio rápido del plano, porque se capta rápidamente lo que contienen; el contrario pasa con planos que presentan motivos lejanos.
Planos de duración más larga crean un ritmo lento. Se pueden obtener efectos de aburrimiento, monotonía, miseria material o moral de un personaje, ambientes contemplativos...
Planos de corta duración crean un ritmo rápido. Se pueden obtener efectos de impresión de gran actividad, agilidad, de esfuerzo, de ambiente de tragedia fatal, de choque violento...
Por lo que respecta a la escala, la capacidad de asimilación del espectador hace que los planos generales hayan de tener una duración más larga que no los primeros planos.
El ritmo de un film también está supeditado a la dinámica del movimiento, tanto por parte de la cámara como de los elementos representados.
No obstante, normalmente en un film el ritmo varía en función del tema o del dramatismo de las escenas. El equilibrio en la duración de los planos se ha de mantener con una cierta lógica en cada secuencia, pero no forzosamente a lo largo de todo el film.
Con los elementos visuales encuadrados. La combinación de los diversos planos pueden acelerar o retardar el ritmo.
Una sucesión de primeros planos produce un ritmo de gran tensión dramática.
Una sucesión de planos generales con imágenes amplias y luminosas dan una sensación de optimismo, al contrario que si se trata de imágenes con grandes sombras que producen tristeza.
Un paso de plano general a otro de más cerrado puede producir una aceleración del acontecimiento gracias al aumento de tensión que ocasiona.
Lo contrario, de planos cortos a largos, puede producir tanto un efecto de hundimiento como el de calma.
Los movimientos de cámara colaboran en crear dentro de un plano un movimiento, que quizá la misma escena no tiene.
La composición interna de las líneas del encuadre puede provocar una modalidad propia en el ritmo del montaje.
Con los elementos de la banda sonora.
Clases de ritmo:
Analítico: Planos cortos y muy numerosos; es un ritmo rápido que se traduce en dinamismo, dramatismo, actividad, esfuerzo...
Sintético: Planos largos y poco numerosos; resulta un ritmo lento, puede expresar sensualidad, monotonía, poesía...
"In crescendo": Planos cada vez más breves (tensión, dramatismo); planos cada vez más largos (relajación, serenidad).
Arrítmico: Los planos son breves o largos, sin tonalidad especial. A veces cambian repentinamente aportando sorpresa.
Suscribirse a:
Entradas (Atom)