Antes de partir
Por: Jessica Zermeño
"Quisiera ver la nieve caer, volver a reír como cuando era niña, comer helados de frambuesa sin miedo a engordar, ver la enorme luna de Querétaro y besar los labios de mi amado". Así comenzaría la lista de las últimas cosas que haría 'Antes de partir' , mismas que espero escribir y cumplir con las mismas agallas y vitalidad que tenían Eduart Perriment Cold y Carter Chamble cuando decidieron vivir al límite los últimos días de sus vidas.
La dirección de Rob Reiner me parece atinada al mostrarnos algo que aún hoy no sé cómo llamar y me atreveré a decir que hace una excelente combinación de montaje entre el analítico y el sintético. Utilizando este último para mostrarnos la agonía y dolencia de las personas que sufren de cáncer terminal. A lo largo de varios planos deja al espectador sentir ese dolor, ese paso del tiempo, esa indiferencia y para algunos se tornará una película aburrida o lenta (con excelentes actuaciones de Jack Nicolson y Morgan Freeman, pero nos dan un tiempo fílmico psicológico donde transcurre todo el desarrollo del argumento en el cuarto de un hospital, se torna tediosa y los cambios de encuadres son muy limitados y), para los que se arriesguen a la garantía de estos actores, descubrirán después un cambio donde el montaje analítico toma las riendas del argumento que es mostrado con un tiempo fílmico .
Jack Nicolson es Eduart Perriment, un multimillonario que se enferma de cáncer y debe ser atendido en su propio hospital a lado de un mecánico, Carter Chamble a quien da vida Morgan Freeman. Ambos son condenados por la misma enfermedad y tras sufrirla noche y día, se contagian de la necesidad de vivir hasta el último minuto. Es así que Carter comienza a escribir una lista con las cosas que desearía hacer antes de morir, y Eduart se aferra a esa idea. Juntos recorren el mundo y cumplen sus sueños.
La fotografía y las locaciones mostradas en sólo algunos minutos de la película sin lugar a dudas la hacen una reliquia pues vemos desde la nieve de la montaña más grande del mundo, hasta las pirámides de Egipto. Ellos lo mismo saltan de paracaídas, como recorrer las zonas de África disfrutando de su naturaleza y en esta parte del film es donde se dan gusto haciendo tomas en plano general.
Carter y Eduart se ayudan el uno al otro hasta que un pequeño mal entendido los regresa de nuevo a sus vidas, se termina el viaje. Luego Carter aprenderá que su amigo ya no puede terminar la lista de sueños y que tendrá que ser él quien la concluya.
La historia de Justin Zackman resalta los valores de una muerte con dignidad y no dejarse morir triste y enfermo en la cama de un hospital, al contrario promueve la premisa de vivir hasta el último minuto con intensidad y siempre buscando la felicidad, y ambos personajes la encuentran con el sabio lema "vivimos para morir otro día".
Muchos podrían mostrarse escépticos de los lazos de amistad que logran estas personas en sólo tres meses, pero yo me pregunto, si alguien que comparte el dolor no sería quién mejor te entendiese, que aquel a quien siempre has llamado amigo.
El final es en cierto modo esperado, pero no por ello carece de la magia y el toque sentimental que debe poseer, aunado a una pizca de factor sorpresa si así se le puede llamar a la peculiar forma en que ambos deciden pasar días luego de morir.
Finalmente mi comentario mal intencionado de esta cuartilla, por qué considerarían en la clasificación este film una comedia. ¿alguna pista? yo no la encontré, si hay cosas divertidas, pero la mitad del argumento sufres con ellos más de lo que ríes, y el final no es clásico de una comedia, si es un tema noble muy bien abordado, tanto que a uno le dan ganas de morirse así (claro si uno tuviera los millones para hacer un viaje alrededor del mundo), pero la realidad es que a mi gusto de comedia tiene lo que ellos de malos actores, o sea una pizca.
Las sugerencias para alargar mi lista de posibles últimas cosas qué hacer antes de partir las puede enviar usted a zerjess@hotmail.com
La escena:
Cuando saltan del paracaídas, sigo con la ilusión de que son ellos. Pero creo que es un gran efecto que me deja seguir creyendo y disfrutando el canto de guerra de Nicholson.
Lo reprochable:
La iluminación. ¿Dónde estaban? creo que las escenas son muy oscuras. Al principio pensé que era parte de la estructura narrativa de la enfermedad de ellos, pero después aún en los días de felicidad esta fórmula se conserva y desespera.
Lo bueno:
Las actuaciones de ambos. La buena historia abordada con una carga psicológica muy buena al principio y dándole valor a la diversión y lo emotivo al final
La recomendación
Hay que verla sin estar cansado, pues los primeros planos tienen la facilidad de cansar, pero todo tiene una finalidad.
Ficha técnica:
Productor: Warner Bros Pictures
Director: Rob Reiner
Guión: Justin Zackham
Actores:
Edward- Jack Nicolson
Carter- Morgan Freeman
Thomas-Sean Hayes
Virginia- Beverly Todo
Dr. Hollings Rob Morrow
Tres ayudantes:
Tatuaje artístico: Jordan Lund
Asistente del director de arte: Martha Johnston
Departamento de maquillaje: Valli O´Reilly
Protesis de Nicolson: Matthew Mungle
Prostático de Morgan:Nancy Worthen-Hancoch
Un actor no actor: La estilista que rapa a Eduart
Personajes no humanos: Leones, jirafas, cebras etc.
Actor secundario: Sean Hayes
Actor de pérsonalidad multiple: Jack Nicholson
Actor especializado: Morgan Freeman, casi siempre le tocan los papeles de hombre humildes.
miércoles, 9 de abril de 2008
Kilómetro 31Por: Jessica Zermeño
¿Miedo yo? ¡Sí, y me encanta! Hecha pues la confesión entremos al tema de Kilómetro 31, film que en lo personal representa un gran avance en la manera de narrar historias en México y sobre todo en dicho género que no fueran las ancestrales películas del Santo o la maravillosa ‘Hasta el viento tiene miedo’ bajo la dirección de Carlos Enrique Tabeada en 1967, que para sus tiempos fue maravillosa y espeluznante. Y que a pesar del intento de Gustavo Moheno por mostrar ese mismo terror, todo quedó en pésimas actuaciones, mala dirección, escenas sexuales que intentan darle algo más y malos efectos. (De verdad no la vean o querran suicidarse como la protagonista de la historia, recomiéndenla, pero a tu peor enemigo).
Con un montaje analítico (pero con la suficiente materia de suspenso) Rigoberto Castañeda (guinista y director) cuenta la historia de Catalina y Ágata Hameran, dos hemanas gemelas (interpretada mediocremente por Iliana Fox). Ambas siempre han tenido una conexión especial, casi telepática.
De manera lineal nos cuentan como cierta noche Agata atropella a un niño en el kilómetro 31 de la carretera y momentos después sufre un terrible accidente que la deja en estado de coma. Tras una serie de oscuras apariciones, sueños y alucinaciones, Catalina se da cuenta de que el lazo entre ellas está más vivo que nunca, su hermana, desde su estado de inconciencia, le pide ayuda... Ágata está atrapada entre el mundo de los vivos y el de los muertos. Catalina se ayuda de la amistad incondicional de Nuño y de Omar, el escéptico novio de su hermana, para buscar la manera de ayudar a Ágata y lograr que regrese al mundo de los vivos.
Lo peor de la película, como ya lo dije, es la pésima actuación de Iliana Fox, en quien decae todo el film, pero que gracias a la buena dirección de cámaras, edición, fotografía, secuencia y música no importa que ella siempre esté a cuadro (y duplicada para el peor de los casos).
Ciertamente es aplaudible la dirección de arte, pues en toda la película de mantiene ese toque de misterio con los colores grises, azules rey y negro, dando siempre ese ambiente ideal para esa ansiedad de no tener todo visible. Pero eso sí cuidando que todo lo que se deba ver en la imagen este a cuadro y en foco.
Otro elemento destacado es sin duda la participación de los efectos especiales, ya que disfrutar de un buen maquillaje y el efecto de ver a la anciana (Luisa Huertas) con el rostro deformándose como cuando estás en el agua es maravilloso y da un toque muy fantasmal. También buenos aciertos de Charles Cases creador y orquestador de la música de este film.
Y la escena del diez, y seguro nadie me dejará mentir, -porque es así o más sorprendente, primero porque no te esperas ese tipo de efectos en una película mexicana y segundo porque no se dedicaron a hacer cosas chafas, y eso se le agradece a Charlei Iturriaga, que fue el encargado de cuidar cada detalle de los efectos y se sacó un diez) se da cuando Nuño y Carolina están en el drenaje y lentamente la neblina nos deja ver el río de hace años por donde ahora pasa el kilómetro 31. La transformación es magistral, aunada que en ese momento no está Iliana se vuelve mi favorita.
Por último me gustaría destacar la elección de las locaciones en las que se filma esta historia, son no sólo bellas si no que ayudan a describir las imágenes proyectadas con gran complicidad.
Con calosfríos aún, me atrevo a concluir con esta terrorífica crítica y por si les interesa, sí, sí me dio miedo, y esa era la finalidad qué no, y me dio terror cuando terminó con ese sorpresivo final que le da ese excelente cierre.
Usted puede asustarme con sus comentarios a zerjess@hotmail.com, yo prometo morirme de miedo, así cómo lo hice jugando con una Ouija virtual llamada Pedro, pero esa es otra historia.
- La escena:
La transformación del túnel en el kilómetro 31 de antaño
Lo reprochable:
Por qué habiendo tantas actrices mexicanas buenas se quedaron con Iliana Fox, que lo único que había hecho en su vida era novelas. Nunca le crees el terror que debe sentir.
Lo bueno:
El despliegue de efectos especiales, maquillajes y buena elección de locaciones
La recomendación:
Obligatoria para los amantes del cine de terror, sin palomitas, con todas las luces apagadas de la casa, y el reto: a solas. Al terminar la pelí atrévete a mirar qué hay debajo de tu sillón
Productores: Billy Rovzar, Fernando Rovzar y Julio Fernández
Director y Guión: Rigoberto Castañeda
Actores:
Agata y Catalina: Iliana Fox
Nuño: Adrian Collado
Omar: Raúl Méndez
Anciana: Luisa Huertas
Niño: Mikel Mateos
Ugalde: Carlos Aragón
Doctor: Fernando Becerril
Tres ayudantes:
Fotografía: Alejandro Martínez
Supervisión de efectos especiales: Charlei Iturriaga
Música: Charles Cases
Montaje: Alberto del Toro
Diseño Sonoro: Mario Martínez Cobo
Maquillaje especial: Roberto Ortiz
Diseño de vestuario: Maria Estela Fernández
Un actor no actor: Las enfermeras del hospital
Personajes no humanos: No hubo en esta película.
Actor secundario: Carlos Aragón como el agente.
Actor de personalidad múltiple: Luisa Huertas
Actor especializado: Fernando Becerril el doctor.
August Rush
Escucha tu destino
Por: Jessica Zermeño
Silencio. Escucha. Tómate tu tiempo. Miles de sonidos ocurren y le ponen sabor a nuestras vidas. Aún hoy no he podido sacar de mi cabeza esas notas fielmente expresadas por August Rush, la alegría y esperanza emanadas de él me hacen concordar con los guionistas de 'Escucha tu destino', (título con el que tradujeron esta película para México, y yo me pregunto por qué no le pusieron algo referente a la música, si de eso hablan en toda la película. ¿No la vieron?) Nick Castle y James V. Hart, es cierto "la música está a nuestro alrededor, todo lo que tienes que hacer es escucharla".
Bajo esta espiritual y muy artística premisa Paul Castro y Nick Castle nos regalan una historia donde la música une los destinos del pequeño August Rush(interpretado por Freddie Highmore, el niño de Vuelta al país de nunca jamás, a quien no sé porque algunas personas lo confunden con el de Sexto Sentido, quizá porque ambos son talentosos), Lyla Novacek (Keri Russell) y Luois Connelly (Jonathan Rhys Meyers).
La sutil dirección de Kirsten Sheridan atrapa al espectador con una bella composición de imagen donde de forma expresiva nos muestra una gran fotografía, encuadres subjetivos en el que el público es la música en el movimiento de las hojas de un simple sembradío donde el verde llena de esperanza al espectador. El rostro emotivo de Freddie Highmore consigue contagiar al espectador a tal grado que éste deseará levantarse de tu asiento y dirigir a esa orquesta imaginaria como él lo hace (claro que no creo que muchos se atrevan, por miedo a represalias de palomitas diabólicas buscando un blanco, pero si puede inténtelo, se lo recomiendo ampliamente).
Pasada la primer secuencia la composición de las imágenes cambian y en su mayoría se vuelven sólo narrativas, no sé si se le termina la creatividad a Sheridan ya que no se atrevió a resolver de mejor modo cómo contarnos esta historia que no fuera sólo con encuadres en primer plano, plano en conjunto, muchos plano detalle y algunos primeros planos generales para mostrarnos un poco de Nueva York en cinco locaciones distintas ( quizá por ello no abrieron los encuadres). Y la cobardía o precaución tal vez se deba a que Sheridan es directora de musicales y el buen punto que le observo es que tal vez por ello las escenas de gran orquestación son realmente vivas y sublimes en cuanto a la edición y movimientos de cámara, logrando su claro objetivo de transmitir la música en cada uno de sus bits a través de las imágenes.
Pese al anterior y breve reproche, hay cosas rescatables, además de la historia, el ritmo analítico logra mantener al espectador al borde de las lágrimas y la contención para no perder detalle de si Lyla encontrará pronto a su hijo que creía muerto en un aborto, pero que su padre dio en adopción. De manera simultánea August decide buscar a sus padres, mientras Luois siente la necesidad de reencontrar a Lyla, un amor extremo que ocurrió en el transcurso de una noche, pero que lo deja marcado de por vida. Lyla y Luois son amantes de la música y de ahí el gran don que le es heredado a August y que sabiamente es aprovechado por Maxwell 'Wizard' Wallace, interpretado por Robin Williams, este hombre es un que -cómo llamarlo: negrero de niños de la calle con ciertos prodigios musicales- explota el don de August en el parque de Nueva York.
Me llamó la atención la manera en la que abordan el tema de los niños que son explotados en la calle, pues de una manera muy artística 'Wizard' les quita todo su dinero, pero para estar en su protección deben tener la magia de la música en ellos, así que si son unos buenos para nada ya se salvaron de él.
Las aventuras de August van desde ser perseguido por las autoridades del orfanatorio que lo buscan para seguir haciéndole la vida infeliz, su cambio de identidad, el encuentro con su padre sin que ninguno se reconozca (y es aquí donde nos regalan otra escena digna de tener a un lado la caja de pañuelos, pues es no sólo emocionante lo que se ve en cuanto al cambio de narración a través de los encuadres, movimientos y cortes más decididos y menos conservadores, si no que la música como en toda la película eriza los bellos de la piel hasta del más rudo de los espectadores).
Seguro que ya anticipan el final, y sí es una de esas historias en el que el final del argumento no puede ser otro. No lo contaré por respeto a mis primeros lectores, pero sí diré que lo mejor de la película está en la última secuencia, la música, las actuaciones y nuevamente el cambio de narración fílmica a través de planos más interesantes logran ese éxtasis musical.
Y casi para concluir me surge otro reclamo, por qué si lo más destacado de este argumento es la música ¿en los créditos al principio ni aparecen y en los del final, ciertamente son los últimos? Señor productor Richard Barton Lewis honor a quien honor merece.
Yo, desearía no ser tan sorda y tener ese don de escuchar más la música en mi vida de lo que común mente lo hago... yo cierro los ojos y August está ahí dirigiendo una orquesta, las hojas del campo o lo que él quiera.
Usted puede dejarme algún mensaje musical por muy florido que éste sea a zerjess@hotmail.com
yo sabré escucharlo con música
La escena:
Cuando August toca su guitarra sin saber cómo ni por qué lo hace, sólo siente que la música lo guía.
Lo reprochable:
Muchas tomas en primer plano y la elección de locaciones deja mucho que decir.
Lo bueno:
La historia, las actuaciones de Freddie Highmore, Robin Williams y yo destacaría a al personaje de Hope, realizado por Jamia Simone Nahs, quien además de poseer una voz hermosa tiene un carisma muy natural a cuadro.
La música y las escenas dónde esta es la protagonista.
La edición cuando el niño toca la guitarra, obvio sabemos que no es él, pero el público no se da cuenta.
La recomendación:
Apta para aquellos que gustan de historias esperanzadoras, con muchas escenas para llorar y una buena dosis de buena música
Ficha técnica:
Productor: Richard Barton Lewis
Director: Kirsten Sheridan
Guión: Nick Castle y James V. Hart
Historia: Paul Castro y Nick Castle
Actores: Robin Williams, Frede
August Rush-Freddie Highmore
Lyla Novacek- Keri Russell
Luois Connelly Jonathan Rhys Meyers
Richard Jeffries- Terrence Howard
Maxwell Wizard Wallace- Robin Williams
Hope: Jamia Simone Nahs
Tres ayudantes:
Tema principal: Hans Zimmer y Mark Mancina
Editor Musical: Zig Gron
Editor de Play Back: Michael Flicker
Supervisor de edición de música-Scott Hecker
Orquestación: Dave Metzger
Solo de guitarra: Kaki King, Doug smith, George Doering, Heitor Pereira y Mark Mancina
Instructores de guitarra: Nick Michaelson John Parricelli y Jeff Mcerlain
Edición: William Steinkamp
Diseño de Producción: Michael Sawn
Fotografía: John Mathieson
Productor ejecutivos: Ralph Kamp y Lousie Goodsill, Miky Lee y Lionel Wigram
Un actor no actor: Las señoras que estaban en el concierto, disfrutando de la música, pero en realidad se veían más emocionadas de salir a cuadro cerca de la protagonista.
Personajes no humanos: No hubo en esta película.
Actor secundario: Robin Williams
Actor de pérsonalidad multiple: Robin Williams
Actor especializado: Keri Russell, siempre le tocan los papeles de sufrida.
Escucha tu destino
Por: Jessica Zermeño
Silencio. Escucha. Tómate tu tiempo. Miles de sonidos ocurren y le ponen sabor a nuestras vidas. Aún hoy no he podido sacar de mi cabeza esas notas fielmente expresadas por August Rush, la alegría y esperanza emanadas de él me hacen concordar con los guionistas de 'Escucha tu destino', (título con el que tradujeron esta película para México, y yo me pregunto por qué no le pusieron algo referente a la música, si de eso hablan en toda la película. ¿No la vieron?) Nick Castle y James V. Hart, es cierto "la música está a nuestro alrededor, todo lo que tienes que hacer es escucharla".
Bajo esta espiritual y muy artística premisa Paul Castro y Nick Castle nos regalan una historia donde la música une los destinos del pequeño August Rush(interpretado por Freddie Highmore, el niño de Vuelta al país de nunca jamás, a quien no sé porque algunas personas lo confunden con el de Sexto Sentido, quizá porque ambos son talentosos), Lyla Novacek (Keri Russell) y Luois Connelly (Jonathan Rhys Meyers).
La sutil dirección de Kirsten Sheridan atrapa al espectador con una bella composición de imagen donde de forma expresiva nos muestra una gran fotografía, encuadres subjetivos en el que el público es la música en el movimiento de las hojas de un simple sembradío donde el verde llena de esperanza al espectador. El rostro emotivo de Freddie Highmore consigue contagiar al espectador a tal grado que éste deseará levantarse de tu asiento y dirigir a esa orquesta imaginaria como él lo hace (claro que no creo que muchos se atrevan, por miedo a represalias de palomitas diabólicas buscando un blanco, pero si puede inténtelo, se lo recomiendo ampliamente).
Pasada la primer secuencia la composición de las imágenes cambian y en su mayoría se vuelven sólo narrativas, no sé si se le termina la creatividad a Sheridan ya que no se atrevió a resolver de mejor modo cómo contarnos esta historia que no fuera sólo con encuadres en primer plano, plano en conjunto, muchos plano detalle y algunos primeros planos generales para mostrarnos un poco de Nueva York en cinco locaciones distintas ( quizá por ello no abrieron los encuadres). Y la cobardía o precaución tal vez se deba a que Sheridan es directora de musicales y el buen punto que le observo es que tal vez por ello las escenas de gran orquestación son realmente vivas y sublimes en cuanto a la edición y movimientos de cámara, logrando su claro objetivo de transmitir la música en cada uno de sus bits a través de las imágenes.
Pese al anterior y breve reproche, hay cosas rescatables, además de la historia, el ritmo analítico logra mantener al espectador al borde de las lágrimas y la contención para no perder detalle de si Lyla encontrará pronto a su hijo que creía muerto en un aborto, pero que su padre dio en adopción. De manera simultánea August decide buscar a sus padres, mientras Luois siente la necesidad de reencontrar a Lyla, un amor extremo que ocurrió en el transcurso de una noche, pero que lo deja marcado de por vida. Lyla y Luois son amantes de la música y de ahí el gran don que le es heredado a August y que sabiamente es aprovechado por Maxwell 'Wizard' Wallace, interpretado por Robin Williams, este hombre es un que -cómo llamarlo: negrero de niños de la calle con ciertos prodigios musicales- explota el don de August en el parque de Nueva York.
Me llamó la atención la manera en la que abordan el tema de los niños que son explotados en la calle, pues de una manera muy artística 'Wizard' les quita todo su dinero, pero para estar en su protección deben tener la magia de la música en ellos, así que si son unos buenos para nada ya se salvaron de él.
Las aventuras de August van desde ser perseguido por las autoridades del orfanatorio que lo buscan para seguir haciéndole la vida infeliz, su cambio de identidad, el encuentro con su padre sin que ninguno se reconozca (y es aquí donde nos regalan otra escena digna de tener a un lado la caja de pañuelos, pues es no sólo emocionante lo que se ve en cuanto al cambio de narración a través de los encuadres, movimientos y cortes más decididos y menos conservadores, si no que la música como en toda la película eriza los bellos de la piel hasta del más rudo de los espectadores).
Seguro que ya anticipan el final, y sí es una de esas historias en el que el final del argumento no puede ser otro. No lo contaré por respeto a mis primeros lectores, pero sí diré que lo mejor de la película está en la última secuencia, la música, las actuaciones y nuevamente el cambio de narración fílmica a través de planos más interesantes logran ese éxtasis musical.
Y casi para concluir me surge otro reclamo, por qué si lo más destacado de este argumento es la música ¿en los créditos al principio ni aparecen y en los del final, ciertamente son los últimos? Señor productor Richard Barton Lewis honor a quien honor merece.
Yo, desearía no ser tan sorda y tener ese don de escuchar más la música en mi vida de lo que común mente lo hago... yo cierro los ojos y August está ahí dirigiendo una orquesta, las hojas del campo o lo que él quiera.
Usted puede dejarme algún mensaje musical por muy florido que éste sea a zerjess@hotmail.com
yo sabré escucharlo con música
La escena:
Cuando August toca su guitarra sin saber cómo ni por qué lo hace, sólo siente que la música lo guía.
Lo reprochable:
Muchas tomas en primer plano y la elección de locaciones deja mucho que decir.
Lo bueno:
La historia, las actuaciones de Freddie Highmore, Robin Williams y yo destacaría a al personaje de Hope, realizado por Jamia Simone Nahs, quien además de poseer una voz hermosa tiene un carisma muy natural a cuadro.
La música y las escenas dónde esta es la protagonista.
La edición cuando el niño toca la guitarra, obvio sabemos que no es él, pero el público no se da cuenta.
La recomendación:
Apta para aquellos que gustan de historias esperanzadoras, con muchas escenas para llorar y una buena dosis de buena música
Ficha técnica:
Productor: Richard Barton Lewis
Director: Kirsten Sheridan
Guión: Nick Castle y James V. Hart
Historia: Paul Castro y Nick Castle
Actores: Robin Williams, Frede
August Rush-Freddie Highmore
Lyla Novacek- Keri Russell
Luois Connelly Jonathan Rhys Meyers
Richard Jeffries- Terrence Howard
Maxwell Wizard Wallace- Robin Williams
Hope: Jamia Simone Nahs
Tres ayudantes:
Tema principal: Hans Zimmer y Mark Mancina
Editor Musical: Zig Gron
Editor de Play Back: Michael Flicker
Supervisor de edición de música-Scott Hecker
Orquestación: Dave Metzger
Solo de guitarra: Kaki King, Doug smith, George Doering, Heitor Pereira y Mark Mancina
Instructores de guitarra: Nick Michaelson John Parricelli y Jeff Mcerlain
Edición: William Steinkamp
Diseño de Producción: Michael Sawn
Fotografía: John Mathieson
Productor ejecutivos: Ralph Kamp y Lousie Goodsill, Miky Lee y Lionel Wigram
Un actor no actor: Las señoras que estaban en el concierto, disfrutando de la música, pero en realidad se veían más emocionadas de salir a cuadro cerca de la protagonista.
Personajes no humanos: No hubo en esta película.
Actor secundario: Robin Williams
Actor de pérsonalidad multiple: Robin Williams
Actor especializado: Keri Russell, siempre le tocan los papeles de sufrida.
martes, 8 de abril de 2008
Heroe. Oli
Heroe
Un héroe es un personaje eminente que encarna la quintaesencia de los rasgos claves valorados en su cultura de origen. Éste film reflejan las costumbres e ideologías de su orígen, China, nos muestran la belleza profunda que existe dentro de ellos, mostrándolo en un heroe y en una maravillosa historia.
Una completa poesía visual, hace ya tiempo no había visto tanta belleza y perfección, las imágenes provocan que tu piel se erize y provoque esa catuivación en nuestros ojos, con originalidad, elegancia, delicadeza y simbolismo.
Mi opinión previa a ver el film
Sinceramente al ver que era una película oriental, tuve una cierta visión sobre cómo iba a ser desarrollada la película, me refiero a las peleas, la manera en cómo muestran su cultura, etc. Normalmente me entretienen y agradan éste tipo de films, porque hay mucha acción en cuanto a imágenes, texturas, movimientos, música, vestuarios, cómo relacionan con costumbres e ideologías, la cultura arraigada desde sus antepasados, jamás han perdido el respeto y valor a sus antepasados o ancestros, a sus imágenes, reglamentos e ideologías.
Vemos desde el inicio la presentación pura y respetable del heroe, mostrando su valor, fuerza, se abarca la importancia del honor. Éste es uno de los temas que lleva toda la historia, el desarrollo y la finalidad, la manera en cómo realizan las cosas. El honor como un valor necesario, inculcado desde sus principios, manteniéndolo durante toda la vida.
Lo innovador y realmente interesante que me pareció fue el hecho de que la historia fuera contada en 3 diferentes perspectivas y versiones, contadas de manera muy distinta, la visión diferente de cada uno, incluso los colores que se utilizan (temático)rojo, blanco y azul, en realidad dudo mucho que la manera en que es hecha la película deje indiferente a alguien, tiene tanta riqueza en tantos aspectos, desde la manera en que es enfocada la fotografía, la belleza que tienen éstas, los movimientos, la preparación para las miles de peleas, sus coreografías, la música, y como menciona el director “La estética de esta película está inseparablemente vinculada a la trama”, la manera en que es contada la historia y los conflictos que se viven son incluso estéticos, profundos y admirables.
Creo que merece un gran aplauso y reconocimiento a mi parecer primeramente el responsable de fotografía, se muestra claramente su perfección en su trabajo, maestro de la imagen, Christopher Doyle, dejándonos perplejos ante tanta belleza trasmitida durante toda la película, cada escena, cada detalle, y cada rostro o paisaje capturado de manera tan creativa, estética y brillante que captan indiscutiblemente nuestra mirada.
Claro está que se tiene que reconocer enormemente al director Zhang Yimou., que a pesar de que tuvo que recurrir a Tarantino para que tuviera más peso el film, demuestra su gran capacidad para la proyección de la historia en imágenes, cómo es llevada y manejada la película, y la delicadeza con que cada detalle es trabajado con la misma importancia.
Otro destacado más en este film es el encargado de la música, la pureza con que es manejada y las bellas melodías que fueron adaptadas y escogidas para cada parte, profundizando más la escena, la relación que se observa con las imágenes, con la naturaleza, el color, los buenos efectos que se utilizan, desde las caída de gotas de lluvia, tan perfectas que las percibes reales, en las batallas, el esplendor del sonido producido por las espadas, entre otros.
El vestuario, no como un adorno más, sino como algo que capta tanto la atención y lleva misma importancia que muchos otros factores, igualmente la perfección de éste reconocido trabajo, se le admira por esto a Emi Wada, ganadora de un premio de Academia, cita al directos Zhang como uno de sus héroes, mostrando su misma obsesión por su trabajo. Como dato especial, ésta mujer tuvo la delicadeza de mas de treinta colores para el vestuario de Hero, y no conforme con esto, tintando a mano cada prenda, terminaron con cientos metros de tela pero no podrán estar en desacuerdo conmigo, valió la pena.
Y por supuesto a la interpretación de personajes con actores como Jet Li (Sin nombre), Zhang Ziyi (Moon), Tony Leung Chiu Wai (Broken Sword), Maggie Cheung (Flying Snow), Chen Dao Ming (King), Donnie Yen (Sky), Liu Zhong Yuan, Zheng Tian Yong, Quin Yan, Chang Xiao Yang, Zhang Ya Kun, Ma Wen Hua, es necesario recalcar que Jet Li, Tony Leung, Maggie Cheung Zhang Ziyi y Donnie Yen son cinco de los actores con más talento de China. Considero que el protagonista tuvo un cierto peso como debe ser, pero me agradó bastante la importancia que se maneja igualmente con otros personajes secundarios, y lleva un buen seguimiento en cuanto a su relación en la historia. Cada uno tiene su porqué y su para qué.
Las actuaciones indiscutiblemente son buenas y profesionales, la seriedad que muestran, la rabia, el triunfo, en diferentes momentos, cautivan al observador y permiten una amplia apreciación sobre el film.
El esfuerzo, profesionalismo y perfección se denota en cada uno de los aspectos, y el resultado fue magnífico a mi parecer.
La narración es un tanto confusa ya que tienes te da la oportunidad de ir descifrando poco a poco ciertas respuestas,cuestionandote sobre las diferentes versiones y así permitiendo participación al público sobre el film, tiene su porqué, desde el mantenerte al tanto de la historia, pero es llevado de manera que te da el lujo de apreciar mucho arte en paisajes, colores, imágenes, un total espectáculo visual pero siempre llevando el seguimiento de la historia.
Hice una investigación previa para empaparme un poco más sobre la historia, y saber el porqué de esta, tener un conocimiento más amplio sobre éste film.
La historia se desarrolla en un ámbito real, una historia que sucedió en el siglo III a.C, cuando China estaba dividida en siete reinos, una guerra impactante y constante, una época llena de tiranía, traición y sufrimiento, envuelta en la importancia del honor, una historia sobre guerreros, que mantienen sus valores y otro que decide acabar con éstas masacres, salvando su honor. Considerada por el mismo director como “No sólo una película de artes marciales, sino que es una leyenda sobre lo que pasó en la antigua China”.
Zhang, tuvo como meta el mostrar ésta historia con un enfoque distinto, no simple violencia, como bien dice que se ha ido manejando en película como único tema de películas de artes marciales, sino ahora buscó llevar el género en una nueva dirección, el acabar con la violencia, reflejando en los personajes como el motivo de terminar con la guerra y la violencia “ el corazón es mucho más importante que la espada”
Ahora inclinándonos hacia el director, Zhang Yimou es un narrador de historias con gran renombre mundial, pero HERO es su debut en las artes marciales. Famoso en el mundo por sus brillantes historias e incisivos retratos de China, Zhang siempre había querido hacer una película de artes marciales. Devoraba novelas wuxia (literatura de artes marciales) cuando era niño, pero desechó la idea de adaptar literatura y en su lugar pasó tres años desarrollando la historia de HERO, que él describe como “No sólo es una película de artes marciales, sino que es una leyenda sobre lo que pasó en la antigua China”.
Zhand nos confiesa que a sus 22 años de carrera haciendo películas, es el primer guión que le hace llorar, le dedicó mucho a esto mismo, sobre el querer mostrarnos la importancia del amor, el corazón y a la fuerza que puede tener.
Una manera tan sutil de mostrarnos la belleza en todos los sentidos, incluso en los temas, los cuáles fueron como principal la unión, como buen mensaje sobre la necesidad de la unión para eliminar guerras, violencia y ver que todos vamos por el mismo camino, simplemente con diferentes visiones, como es mostrando en la misma película, toca temas muy interesantes como el honor, la traición, el amor a su patria y a lo que conlleva, el gobierno un tanto encubierto, el valor y la armonía.
Mi opinión al terminar de ver la película
Maravillosa, buen uso de talentos, el explotar y magnificar la belleza como resultado una belleza de película, y me deja con un buen mensaje y sabor de boca, el reaccionar sobre por qué estamos en constante lucha, peleas, conflictos, porqué si todos vamos hacia el mismo camino, y todos esperamos lo mismo, el muchas veces tener que dejar de lado el título y mantenernos en un mismo lugar.
Realmente me impactó y no me cansaría de verla un par de veces más, y personalmente se requieren muchos requisitos para que esto suceda, pero éste film las cumple y en unos tantos los rebasa.
Un héroe es un personaje eminente que encarna la quintaesencia de los rasgos claves valorados en su cultura de origen. Éste film reflejan las costumbres e ideologías de su orígen, China, nos muestran la belleza profunda que existe dentro de ellos, mostrándolo en un heroe y en una maravillosa historia.
Una completa poesía visual, hace ya tiempo no había visto tanta belleza y perfección, las imágenes provocan que tu piel se erize y provoque esa catuivación en nuestros ojos, con originalidad, elegancia, delicadeza y simbolismo.
Mi opinión previa a ver el film
Sinceramente al ver que era una película oriental, tuve una cierta visión sobre cómo iba a ser desarrollada la película, me refiero a las peleas, la manera en cómo muestran su cultura, etc. Normalmente me entretienen y agradan éste tipo de films, porque hay mucha acción en cuanto a imágenes, texturas, movimientos, música, vestuarios, cómo relacionan con costumbres e ideologías, la cultura arraigada desde sus antepasados, jamás han perdido el respeto y valor a sus antepasados o ancestros, a sus imágenes, reglamentos e ideologías.
Vemos desde el inicio la presentación pura y respetable del heroe, mostrando su valor, fuerza, se abarca la importancia del honor. Éste es uno de los temas que lleva toda la historia, el desarrollo y la finalidad, la manera en cómo realizan las cosas. El honor como un valor necesario, inculcado desde sus principios, manteniéndolo durante toda la vida.
Lo innovador y realmente interesante que me pareció fue el hecho de que la historia fuera contada en 3 diferentes perspectivas y versiones, contadas de manera muy distinta, la visión diferente de cada uno, incluso los colores que se utilizan (temático)rojo, blanco y azul, en realidad dudo mucho que la manera en que es hecha la película deje indiferente a alguien, tiene tanta riqueza en tantos aspectos, desde la manera en que es enfocada la fotografía, la belleza que tienen éstas, los movimientos, la preparación para las miles de peleas, sus coreografías, la música, y como menciona el director “La estética de esta película está inseparablemente vinculada a la trama”, la manera en que es contada la historia y los conflictos que se viven son incluso estéticos, profundos y admirables.
Creo que merece un gran aplauso y reconocimiento a mi parecer primeramente el responsable de fotografía, se muestra claramente su perfección en su trabajo, maestro de la imagen, Christopher Doyle, dejándonos perplejos ante tanta belleza trasmitida durante toda la película, cada escena, cada detalle, y cada rostro o paisaje capturado de manera tan creativa, estética y brillante que captan indiscutiblemente nuestra mirada.
Claro está que se tiene que reconocer enormemente al director Zhang Yimou., que a pesar de que tuvo que recurrir a Tarantino para que tuviera más peso el film, demuestra su gran capacidad para la proyección de la historia en imágenes, cómo es llevada y manejada la película, y la delicadeza con que cada detalle es trabajado con la misma importancia.
Otro destacado más en este film es el encargado de la música, la pureza con que es manejada y las bellas melodías que fueron adaptadas y escogidas para cada parte, profundizando más la escena, la relación que se observa con las imágenes, con la naturaleza, el color, los buenos efectos que se utilizan, desde las caída de gotas de lluvia, tan perfectas que las percibes reales, en las batallas, el esplendor del sonido producido por las espadas, entre otros.
El vestuario, no como un adorno más, sino como algo que capta tanto la atención y lleva misma importancia que muchos otros factores, igualmente la perfección de éste reconocido trabajo, se le admira por esto a Emi Wada, ganadora de un premio de Academia, cita al directos Zhang como uno de sus héroes, mostrando su misma obsesión por su trabajo. Como dato especial, ésta mujer tuvo la delicadeza de mas de treinta colores para el vestuario de Hero, y no conforme con esto, tintando a mano cada prenda, terminaron con cientos metros de tela pero no podrán estar en desacuerdo conmigo, valió la pena.
Y por supuesto a la interpretación de personajes con actores como Jet Li (Sin nombre), Zhang Ziyi (Moon), Tony Leung Chiu Wai (Broken Sword), Maggie Cheung (Flying Snow), Chen Dao Ming (King), Donnie Yen (Sky), Liu Zhong Yuan, Zheng Tian Yong, Quin Yan, Chang Xiao Yang, Zhang Ya Kun, Ma Wen Hua, es necesario recalcar que Jet Li, Tony Leung, Maggie Cheung Zhang Ziyi y Donnie Yen son cinco de los actores con más talento de China. Considero que el protagonista tuvo un cierto peso como debe ser, pero me agradó bastante la importancia que se maneja igualmente con otros personajes secundarios, y lleva un buen seguimiento en cuanto a su relación en la historia. Cada uno tiene su porqué y su para qué.
Las actuaciones indiscutiblemente son buenas y profesionales, la seriedad que muestran, la rabia, el triunfo, en diferentes momentos, cautivan al observador y permiten una amplia apreciación sobre el film.
El esfuerzo, profesionalismo y perfección se denota en cada uno de los aspectos, y el resultado fue magnífico a mi parecer.
La narración es un tanto confusa ya que tienes te da la oportunidad de ir descifrando poco a poco ciertas respuestas,cuestionandote sobre las diferentes versiones y así permitiendo participación al público sobre el film, tiene su porqué, desde el mantenerte al tanto de la historia, pero es llevado de manera que te da el lujo de apreciar mucho arte en paisajes, colores, imágenes, un total espectáculo visual pero siempre llevando el seguimiento de la historia.
Hice una investigación previa para empaparme un poco más sobre la historia, y saber el porqué de esta, tener un conocimiento más amplio sobre éste film.
La historia se desarrolla en un ámbito real, una historia que sucedió en el siglo III a.C, cuando China estaba dividida en siete reinos, una guerra impactante y constante, una época llena de tiranía, traición y sufrimiento, envuelta en la importancia del honor, una historia sobre guerreros, que mantienen sus valores y otro que decide acabar con éstas masacres, salvando su honor. Considerada por el mismo director como “No sólo una película de artes marciales, sino que es una leyenda sobre lo que pasó en la antigua China”.
Zhang, tuvo como meta el mostrar ésta historia con un enfoque distinto, no simple violencia, como bien dice que se ha ido manejando en película como único tema de películas de artes marciales, sino ahora buscó llevar el género en una nueva dirección, el acabar con la violencia, reflejando en los personajes como el motivo de terminar con la guerra y la violencia “ el corazón es mucho más importante que la espada”
Ahora inclinándonos hacia el director, Zhang Yimou es un narrador de historias con gran renombre mundial, pero HERO es su debut en las artes marciales. Famoso en el mundo por sus brillantes historias e incisivos retratos de China, Zhang siempre había querido hacer una película de artes marciales. Devoraba novelas wuxia (literatura de artes marciales) cuando era niño, pero desechó la idea de adaptar literatura y en su lugar pasó tres años desarrollando la historia de HERO, que él describe como “No sólo es una película de artes marciales, sino que es una leyenda sobre lo que pasó en la antigua China”.
Zhand nos confiesa que a sus 22 años de carrera haciendo películas, es el primer guión que le hace llorar, le dedicó mucho a esto mismo, sobre el querer mostrarnos la importancia del amor, el corazón y a la fuerza que puede tener.
Una manera tan sutil de mostrarnos la belleza en todos los sentidos, incluso en los temas, los cuáles fueron como principal la unión, como buen mensaje sobre la necesidad de la unión para eliminar guerras, violencia y ver que todos vamos por el mismo camino, simplemente con diferentes visiones, como es mostrando en la misma película, toca temas muy interesantes como el honor, la traición, el amor a su patria y a lo que conlleva, el gobierno un tanto encubierto, el valor y la armonía.
Mi opinión al terminar de ver la película
Maravillosa, buen uso de talentos, el explotar y magnificar la belleza como resultado una belleza de película, y me deja con un buen mensaje y sabor de boca, el reaccionar sobre por qué estamos en constante lucha, peleas, conflictos, porqué si todos vamos hacia el mismo camino, y todos esperamos lo mismo, el muchas veces tener que dejar de lado el título y mantenernos en un mismo lugar.
Realmente me impactó y no me cansaría de verla un par de veces más, y personalmente se requieren muchos requisitos para que esto suceda, pero éste film las cumple y en unos tantos los rebasa.
Tarea Oli.
Olivia Lara Sahagun
Across the universe
Título: Across the UniverseTítulo original: Across the Universe País: Usa Estreno en USA: 14/09/2007 Estreno en España: 04/01/2008 Lanzamiento en DVD (alquiler): 04/05/2008 Estreno en Blu-ray: 20/05/2008 Productora: Columbia Pictures Director: Julie Taymor Guión: Dick Clement, Ian La Frenais Reparto: Evan Rachel Wood, Jim Sturgess, Max Carrigan, Joe Anderson, Dana Fuchs, Martin Luther, T.V. Carpio
Actor: Evan Rachel Wood
No actor: Bono de u2
Personajes no humanos: No hay
Actores secundarios: Salma Hayek, Bono de u2
Personajes de personalidad: no encuentro uno
Personaje de personalidad múltiple: tampoco recuerdo uno. Todos los noté un tanto distintos.
Musical romántico de ficción ambientado en los años 60, en una época de protesta antibélica.
Un musical basada en los conflictos de la guerra, mostrando las frustraciones, sacrificios, conflictos y errores que podemos cometer, por medio de una relación entre varios amigos que el destino los une y mantienen una unión mu clara y amistosa, la manera en cómo tratan de pasar por todos los conflictos que conlleva su situación.
Un film sobre amor, guerra, esperanza y protesta en los tormentosos años 60, desde la guerra de Vietnam hasta los movimientos pacifistas de protesta, un grupo de jóvenes se ocultan en departamento fuera de todas las catástrofes que vivían en ése entonces, pero a pesar de ello no pueden impedir ni esconderse de ello, es casi imposible superar todo lo que viven pero aún siguen luchando por lo que quieren y viviendo todo lo que pueden ya que saben que en cualquier momento todo pueden cambiar.
Jóvenes que presentan sus sentimientos por medio de canciones influidos por los música de los Beatles, la búsqueda por la paz y tranquilidad social.
El temor por pasar al requisito militar e ir a guerra, cuando son tan jóvenes y tienen tantos sueños y metas por cumplir, tantas cosas por vivir que hacen hasta lo imposible por deternlo, el luchar contra el mundo y olvidar toda esa pesadilla, o luchar contra ello, armar campañas en pro de la libertad y paz. La manera en cómo poco a poco va acabando esa esperanza y fe, perdiendo a seres queridos
La temática de la película me agrada bastante, ya que es una realidad cruel pero que merece ser recordada, la psicología de las personas que viven con miedo, rehusándose a la realidad.
Me impresiona la música y cómo es relacionada con las imágenes y escenas, la profundidad, y es tan importante que todo gira alrededor de la música, del arte, de la manera de expresar todo lo que en ese momento reprimían, la manera de decir qué sentían.
Me hubiera gustado estar en ésa época por un momento para observar qué tanto perdieron y tuvieron que vivir y nosotros no valoramos esas cosas tan simples que hacen la vida que se disfrute. La impotencia de ver el mundo caerse y por más que luches e intentes no puedes cambiarlo, la impresión de alejarse por motivos independientes de uno de su familia, y tener que vivir de otra manera. Constantemente tienes que volver a visitar estas historias para que reflejen tu presente, y realmente piensas.
La música es excelente, tributo a los grandes maestros de la música, los Beatles en una época realmente difícil.
También la fotografía y efectos de imágenes son perfectas, tiene muchas innovaciones y crea un ambiente realmente de los años 60´s. Bruno Delbonnel nos permitió gozar de ésta belleza.
Los temas que se muestra en el film como principal es la guerra, con subtemas como, drogas, desnudez, libertad, amor, sexualidad, violencia, esperanza y búsqueda de paz
Lo que me agradó bastante, es que en éste caso la música no fue adaptada a la película, primero la trama y luego la música, sino que las canciones dieron vida a la historia.
Podemos apreciar que los mismos actores realmente canta, y reconozco que su trabajo es muy profesional. Ésta es una de mis mejores películas, no hay algo que quisiera cambiar y reconozco el trabajo de cada uno. La recomiendo ampliamente.
Olivia Lara Sahagun
Construyendo la vida
Título: Construyendo la vida “Life as a house”
Género: Drama
Año: 2001
Orígen: Estados Unidos
Director: Irwin Winkler
Protagonistas: Kristin Scott Thomas, Kevin Kline, Hayden Christensen,
Reparto: Jena Malone, Scott Bakula, Mary Steenburguer.
Actor: Kristin Scott
Actor no actor: no recuerdo
Actor de personalidad: No hay
Actor de múltiple personalidad: Kristin Scott Thomas
George Monroe (Kevin Kline) ve derrumbarse su vida. Con una existencia en crisis luego de serle diagnosticado un cáncer terminal,busca la recoinciliación con su esposa, una relación totalmente perdida, un hijo en una crisis de personalidad, indefinida, deprimente, etc Se ve como está todo perdido y no se encuentra una solución. Una familia desunida, con conflictos ignorados y con enfermedades mortales de por medio. El hombre de la casa, George Monroe tiene un sueño, el derruir su casa para construir un nuevo hogar, metafóricamente se representa como su misma vida, no tiene el apoyo de nadie, y sólo el cree en si mismo. Pero su esperanza es tan grande que comienza a llevarlo en práctica y luchar por su sueño. La vida al borde del precipio, pero con la ayuda de la fuerza familiar y esperanza lograron construir un nuevo hogar, cumple su sueño, y cambia la vida de cada uno de los integrantes de la familia, valorando lo poco o mucho que tienen y aprendiendo de cada situación o momento.
Me interesó y plasmó muchísimo el tema, una familia siempre tiene crisis, cinflictos y problemas, pero siempre hay algo que hace que se levanten, en éste caso no encontraban ese algo, y se estaba derrumbando sin un momento de refuerzo, era una crisis total , pero como desde el fondo se empiezan a recuperar y a tomarle sentido a la vida, cuidarla y vivirla. El mensaje es muy bueno, muy simbólico la manera cómo es tratada por medio de metáfora.
La dirección la admiro en varios aspectos, cómo es llevada la película, las tomas, los enfoques que nos permite ver, etc.
Este film lo ví hace unos 4 años, y aún recuerdo mucho de ella, aún sigo considerándola como una de las mejores que considero con el género drama.
Closer “ llevados por el deseo”
Dirección: Mike Nichols.País: USA.Año: 2004. Género: Drama.Interpretación: Julia Roberts (Anna), Jude Law (Dan), Natalie Portman (Alice), Clive Owen (Larry).Guión: Patrick Marber; basado en su obra teatral "Closer".Producción: Mike Nichols, John Calley y Cary Brokaw.Fotografía: Stephen Goldblatt.Montaje: John Bloom y Antonia Van Drimmelen.Diseño de producción: Tim Hatley.Dirección artística: Hannah Moseley.Vestuario: Ann Roth.
* Actor y no actor: No recuerdo uno es especial, pero la última escena en que Portman va caminando en las atascadas calles de Londres con infinidad de personas alrededor de ella, llamados extras, personas normales.
* Personajes no humanos: No cuenta con uno
* Actores secundarios: Nick Hobbs (Taxista), Colin Stinton (Aduanero
* Personaje de personalidad:Tal vez en cierto punto Jude Law ya que lleva el papel del engreído, galan y atractivo.
* Personaje de personalidad múltiple: Sin duda alguna Natalie Portman, tan multifacética que podemos observarla con distintas personalidades, actitudes y miradas. La transformación desde una niña, infantil y sumisa, hasta una mujer provocativa y dura.
La última obra de Mike Nichols basada en la novela teatral de Patrick Marbel, Nichols fue responsable de buenos títulos como: el graduado, conocimiento carnal, armas de mujer entre otros.
Éste film se desarrolla en medio de os sentimientos, relaciones humanas, amores y desamores de manera prosaica y un tanto cruda pero aún realista. UN conjunto de intensas relaciones que afectan a terceros, que cambian totalmente el rumbo de las relaciones anteriores.
La dependencia al amor
Una historia sobre cuatro extraños (Jude law, Julia Roberts, Natalie Portman y Clive Owen) que se desarrolla por encuentros extraños e inesperados, y las relaciones que llevan éstos, incluyendo personalidades, distgustos, empleos, necesidades sexuales, infidelidades, frialdades, egoismos, traiciones, humillaciones y reconciliaciones.
Closer es un reflejo tal cual de la pareja actual, de las relaciones que llevamos en nuestra actualidad, serie de encuentros, rompimientos, juegos de sexo, crueldad, engaños, inestabilidad y sobre todo pasión. Nos muestra cómo algo que peude ser tan perfecto, estable y honesto, puede llegar a ser una verdadera mentira, una felicidad simulada, una conformidad tan bana e insignificante que muestra lo poco que nosotros permitimos y nos conformamos tan friamente que la otra persona no espera más que lo mismo, lo mínimo. El cómo el ser humano muestra una fuerza y una seguridad ante todo, pero es simple reflejo de lo que no tiene, el cómo el hombre es egoísta por naturaleza y permite tantas injusticias, no piensa en consecuencias ni en sentimientos terceros, simplemente la misma felicidad y paz de uno, provocando mucho más vacío y volviendolo un circulo vicioso.
Personalmente concidero que goza de uno de los mejores guiones, tan creul y duro como la realidad que muchas veces maquillamos, no muestra limitantes ni prejuicios que impidan el impacto del mensaje, sino son tan naturalez y humanos como en realidad son, tan directos y en ocasiones agresivos.
Creo que prfundizan de manera impresionante ésta maravillosa obra, muestran la fragilidad del hombre y la mujer en relaciones, que desenvoca en celos y eogísmos.
Me agrada tmabién la manera en que Nichols utiliza el tiempo, cómo representa el paso del tiempo son elegancia y coherencia, la manera en que hasta el mínimo detalle cambia, el corte, la vestimenta, las miradas, todo cambia de una escena a otra y es tan entendible pero a la vez mostrando que es de las pocas cosas que importan en la pareja, el tiempo, lo insignificante que importa en ello.
Otro gran y especial reconocimiento al reparto, los actores tan exquisitamente escogidos y explotados en éste film. Empezando por Natalie Portman, y quiero destacar que personalmente es de las mejores actrices que he visto hasta ahora, la manera en cómo aporta tanta pasión a su papel, su simple mirada es tan expresiva que cualquier otro aún haciendo mil y un malavares,su rostro sabe transmitir sus interioridades que impresiona tanto que no es necesario que diga lo que siente. Además que la admiro por sus diferentes y distintos papeles que ha abordado, la manera tan impactante de transformarse, y la elogio por que lleva una carrera desde pequeña de preparación, profesionalismo y entrega, mostrando ahora los frutos de su exigencia y esfuerzo.
El atractivo inglés Jude Law, considero una muy buena interpretación, que enriquece en gran medida al film, ya que puede tornar un tanto deprimente, cínica y cruel, si no se encuentra la propia naturaleza y relación con la realidad, que creo yo es tan simple y sencillo como que así es la realidad muchas veces pero a veces es difícil aceptar algo tan confuso como ello.
Julia Robert, que ya lleva grande e impresionantes tablas, muestra una parte distinta de ella, un tanto fría, poco femenina, la valentía de contener sus cualidades y belleza tan reconocibles.
Clive Owen también un merecido aplauso, la manera que lleva el personaje.
Los cuatro tiene una espuenda interpretación que en realmente avivan y sostienen un film un tanto pesado y duro.
Sinceramente me hubiera encantado tener la posibilidad de haberla visto en teatro, ya que así pueden complementar la apreciación y contrastar como criticar el film o ambas.
La llegue a sentir un poco violenta, en cuanto a diálogo pero no por ello me desgusto, al contrario me impactó y agradó aún mas, los diálogos son inteligentemente excelentes.
Closer “ llevados por el deseo”
Dirección: Mike Nichols.País: USA.Año: 2004. Género: Drama.Interpretación: Julia Roberts (Anna), Jude Law (Dan), Natalie Portman (Alice), Clive Owen (Larry).Guión: Patrick Marber; basado en su obra teatral "Closer".Producción: Mike Nichols, John Calley y Cary Brokaw.Fotografía: Stephen Goldblatt.Montaje: John Bloom y Antonia Van Drimmelen.Diseño de producción: Tim Hatley.Dirección artística: Hannah Moseley.Vestuario: Ann Roth.
* Actor y no actor: No recuerdo uno es especial, pero la última escena en que Portman va caminando en las atascadas calles de Londres con infinidad de personas alrededor de ella, llamados extras, personas normales.
* Personajes no humanos: No cuenta con uno
* Actores secundarios: Nick Hobbs (Taxista), Colin Stinton (Aduanero
* Personaje de personalidad:Tal vez en cierto punto Jude Law ya que lleva el papel del engreído, galan y atractivo.
* Personaje de personalidad múltiple: Sin duda alguna Natalie Portman, tan multifacética que podemos observarla con distintas personalidades, actitudes y miradas. La transformación desde una niña, infantil y sumisa, hasta una mujer provocativa y dura.
La última obra de Mike Nichols basada en la novela teatral de Patrick Marbel, Nichols fue responsable de buenos títulos como: el graduado, conocimiento carnal, armas de mujer entre otros.
Éste film se desarrolla en medio de os sentimientos, relaciones humanas, amores y desamores de manera prosaica y un tanto cruda pero aún realista. UN conjunto de intensas relaciones que afectan a terceros, que cambian totalmente el rumbo de las relaciones anteriores.
La dependencia al amor
Una historia sobre cuatro extraños (Jude law, Julia Roberts, Natalie Portman y Clive Owen) que se desarrolla por encuentros extraños e inesperados, y las relaciones que llevan éstos, incluyendo personalidades, distgustos, empleos, necesidades sexuales, infidelidades, frialdades, egoismos, traiciones, humillaciones y reconciliaciones.
Closer es un reflejo tal cual de la pareja actual, de las relaciones que llevamos en nuestra actualidad, serie de encuentros, rompimientos, juegos de sexo, crueldad, engaños, inestabilidad y sobre todo pasión. Nos muestra cómo algo que peude ser tan perfecto, estable y honesto, puede llegar a ser una verdadera mentira, una felicidad simulada, una conformidad tan bana e insignificante que muestra lo poco que nosotros permitimos y nos conformamos tan friamente que la otra persona no espera más que lo mismo, lo mínimo. El cómo el ser humano muestra una fuerza y una seguridad ante todo, pero es simple reflejo de lo que no tiene, el cómo el hombre es egoísta por naturaleza y permite tantas injusticias, no piensa en consecuencias ni en sentimientos terceros, simplemente la misma felicidad y paz de uno, provocando mucho más vacío y volviendolo un circulo vicioso.
Personalmente concidero que goza de uno de los mejores guiones, tan creul y duro como la realidad que muchas veces maquillamos, no muestra limitantes ni prejuicios que impidan el impacto del mensaje, sino son tan naturalez y humanos como en realidad son, tan directos y en ocasiones agresivos.
Creo que prfundizan de manera impresionante ésta maravillosa obra, muestran la fragilidad del hombre y la mujer en relaciones, que desenvoca en celos y eogísmos.
Me agrada tmabién la manera en que Nichols utiliza el tiempo, cómo representa el paso del tiempo son elegancia y coherencia, la manera en que hasta el mínimo detalle cambia, el corte, la vestimenta, las miradas, todo cambia de una escena a otra y es tan entendible pero a la vez mostrando que es de las pocas cosas que importan en la pareja, el tiempo, lo insignificante que importa en ello.
Otro gran y especial reconocimiento al reparto, los actores tan exquisitamente escogidos y explotados en éste film. Empezando por Natalie Portman, y quiero destacar que personalmente es de las mejores actrices que he visto hasta ahora, la manera en cómo aporta tanta pasión a su papel, su simple mirada es tan expresiva que cualquier otro aún haciendo mil y un malavares,su rostro sabe transmitir sus interioridades que impresiona tanto que no es necesario que diga lo que siente. Además que la admiro por sus diferentes y distintos papeles que ha abordado, la manera tan impactante de transformarse, y la elogio por que lleva una carrera desde pequeña de preparación, profesionalismo y entrega, mostrando ahora los frutos de su exigencia y esfuerzo.
El atractivo inglés Jude Law, considero una muy buena interpretación, que enriquece en gran medida al film, ya que puede tornar un tanto deprimente, cínica y cruel, si no se encuentra la propia naturaleza y relación con la realidad, que creo yo es tan simple y sencillo como que así es la realidad muchas veces pero a veces es difícil aceptar algo tan confuso como ello.
Julia Robert, que ya lleva grande e impresionantes tablas, muestra una parte distinta de ella, un tanto fría, poco femenina, la valentía de contener sus cualidades y belleza tan reconocibles.
Clive Owen también un merecido aplauso, la manera que lleva el personaje.
Los cuatro tiene una espuenda interpretación que en realmente avivan y sostienen un film un tanto pesado y duro.
Sinceramente me hubiera encantado tener la posibilidad de haberla visto en teatro, ya que así pueden complementar la apreciación y contrastar como criticar el film o ambas.
La llegue a sentir un poco violenta, en cuanto a diálogo pero no por ello me desgusto, al contrario me impactó y agradó aún mas, los diálogos son inteligentemente excelentes.
Across the universe
Título: Across the UniverseTítulo original: Across the Universe País: Usa Estreno en USA: 14/09/2007 Estreno en España: 04/01/2008 Lanzamiento en DVD (alquiler): 04/05/2008 Estreno en Blu-ray: 20/05/2008 Productora: Columbia Pictures Director: Julie Taymor Guión: Dick Clement, Ian La Frenais Reparto: Evan Rachel Wood, Jim Sturgess, Max Carrigan, Joe Anderson, Dana Fuchs, Martin Luther, T.V. Carpio
Actor: Evan Rachel Wood
No actor: Bono de u2
Personajes no humanos: No hay
Actores secundarios: Salma Hayek, Bono de u2
Personajes de personalidad: no encuentro uno
Personaje de personalidad múltiple: tampoco recuerdo uno. Todos los noté un tanto distintos.
Musical romántico de ficción ambientado en los años 60, en una época de protesta antibélica.
Un musical basada en los conflictos de la guerra, mostrando las frustraciones, sacrificios, conflictos y errores que podemos cometer, por medio de una relación entre varios amigos que el destino los une y mantienen una unión mu clara y amistosa, la manera en cómo tratan de pasar por todos los conflictos que conlleva su situación.
Un film sobre amor, guerra, esperanza y protesta en los tormentosos años 60, desde la guerra de Vietnam hasta los movimientos pacifistas de protesta, un grupo de jóvenes se ocultan en departamento fuera de todas las catástrofes que vivían en ése entonces, pero a pesar de ello no pueden impedir ni esconderse de ello, es casi imposible superar todo lo que viven pero aún siguen luchando por lo que quieren y viviendo todo lo que pueden ya que saben que en cualquier momento todo pueden cambiar.
Jóvenes que presentan sus sentimientos por medio de canciones influidos por los música de los Beatles, la búsqueda por la paz y tranquilidad social.
El temor por pasar al requisito militar e ir a guerra, cuando son tan jóvenes y tienen tantos sueños y metas por cumplir, tantas cosas por vivir que hacen hasta lo imposible por deternlo, el luchar contra el mundo y olvidar toda esa pesadilla, o luchar contra ello, armar campañas en pro de la libertad y paz. La manera en cómo poco a poco va acabando esa esperanza y fe, perdiendo a seres queridos
La temática de la película me agrada bastante, ya que es una realidad cruel pero que merece ser recordada, la psicología de las personas que viven con miedo, rehusándose a la realidad.
Me impresiona la música y cómo es relacionada con las imágenes y escenas, la profundidad, y es tan importante que todo gira alrededor de la música, del arte, de la manera de expresar todo lo que en ese momento reprimían, la manera de decir qué sentían.
Me hubiera gustado estar en ésa época por un momento para observar qué tanto perdieron y tuvieron que vivir y nosotros no valoramos esas cosas tan simples que hacen la vida que se disfrute. La impotencia de ver el mundo caerse y por más que luches e intentes no puedes cambiarlo, la impresión de alejarse por motivos independientes de uno de su familia, y tener que vivir de otra manera. Constantemente tienes que volver a visitar estas historias para que reflejen tu presente, y realmente piensas.
La música es excelente, tributo a los grandes maestros de la música, los Beatles en una época realmente difícil.
También la fotografía y efectos de imágenes son perfectas, tiene muchas innovaciones y crea un ambiente realmente de los años 60´s. Bruno Delbonnel nos permitió gozar de ésta belleza.
Los temas que se muestra en el film como principal es la guerra, con subtemas como, drogas, desnudez, libertad, amor, sexualidad, violencia, esperanza y búsqueda de paz
Lo que me agradó bastante, es que en éste caso la música no fue adaptada a la película, primero la trama y luego la música, sino que las canciones dieron vida a la historia.
Podemos apreciar que los mismos actores realmente canta, y reconozco que su trabajo es muy profesional. Ésta es una de mis mejores películas, no hay algo que quisiera cambiar y reconozco el trabajo de cada uno. La recomiendo ampliamente.
Olivia Lara Sahagun
Construyendo la vida
Título: Construyendo la vida “Life as a house”
Género: Drama
Año: 2001
Orígen: Estados Unidos
Director: Irwin Winkler
Protagonistas: Kristin Scott Thomas, Kevin Kline, Hayden Christensen,
Reparto: Jena Malone, Scott Bakula, Mary Steenburguer.
Actor: Kristin Scott
Actor no actor: no recuerdo
Actor de personalidad: No hay
Actor de múltiple personalidad: Kristin Scott Thomas
George Monroe (Kevin Kline) ve derrumbarse su vida. Con una existencia en crisis luego de serle diagnosticado un cáncer terminal,busca la recoinciliación con su esposa, una relación totalmente perdida, un hijo en una crisis de personalidad, indefinida, deprimente, etc Se ve como está todo perdido y no se encuentra una solución. Una familia desunida, con conflictos ignorados y con enfermedades mortales de por medio. El hombre de la casa, George Monroe tiene un sueño, el derruir su casa para construir un nuevo hogar, metafóricamente se representa como su misma vida, no tiene el apoyo de nadie, y sólo el cree en si mismo. Pero su esperanza es tan grande que comienza a llevarlo en práctica y luchar por su sueño. La vida al borde del precipio, pero con la ayuda de la fuerza familiar y esperanza lograron construir un nuevo hogar, cumple su sueño, y cambia la vida de cada uno de los integrantes de la familia, valorando lo poco o mucho que tienen y aprendiendo de cada situación o momento.
Me interesó y plasmó muchísimo el tema, una familia siempre tiene crisis, cinflictos y problemas, pero siempre hay algo que hace que se levanten, en éste caso no encontraban ese algo, y se estaba derrumbando sin un momento de refuerzo, era una crisis total , pero como desde el fondo se empiezan a recuperar y a tomarle sentido a la vida, cuidarla y vivirla. El mensaje es muy bueno, muy simbólico la manera cómo es tratada por medio de metáfora.
La dirección la admiro en varios aspectos, cómo es llevada la película, las tomas, los enfoques que nos permite ver, etc.
Este film lo ví hace unos 4 años, y aún recuerdo mucho de ella, aún sigo considerándola como una de las mejores que considero con el género drama.
Closer “ llevados por el deseo”
Dirección: Mike Nichols.País: USA.Año: 2004. Género: Drama.Interpretación: Julia Roberts (Anna), Jude Law (Dan), Natalie Portman (Alice), Clive Owen (Larry).Guión: Patrick Marber; basado en su obra teatral "Closer".Producción: Mike Nichols, John Calley y Cary Brokaw.Fotografía: Stephen Goldblatt.Montaje: John Bloom y Antonia Van Drimmelen.Diseño de producción: Tim Hatley.Dirección artística: Hannah Moseley.Vestuario: Ann Roth.
* Actor y no actor: No recuerdo uno es especial, pero la última escena en que Portman va caminando en las atascadas calles de Londres con infinidad de personas alrededor de ella, llamados extras, personas normales.
* Personajes no humanos: No cuenta con uno
* Actores secundarios: Nick Hobbs (Taxista), Colin Stinton (Aduanero
* Personaje de personalidad:Tal vez en cierto punto Jude Law ya que lleva el papel del engreído, galan y atractivo.
* Personaje de personalidad múltiple: Sin duda alguna Natalie Portman, tan multifacética que podemos observarla con distintas personalidades, actitudes y miradas. La transformación desde una niña, infantil y sumisa, hasta una mujer provocativa y dura.
La última obra de Mike Nichols basada en la novela teatral de Patrick Marbel, Nichols fue responsable de buenos títulos como: el graduado, conocimiento carnal, armas de mujer entre otros.
Éste film se desarrolla en medio de os sentimientos, relaciones humanas, amores y desamores de manera prosaica y un tanto cruda pero aún realista. UN conjunto de intensas relaciones que afectan a terceros, que cambian totalmente el rumbo de las relaciones anteriores.
La dependencia al amor
Una historia sobre cuatro extraños (Jude law, Julia Roberts, Natalie Portman y Clive Owen) que se desarrolla por encuentros extraños e inesperados, y las relaciones que llevan éstos, incluyendo personalidades, distgustos, empleos, necesidades sexuales, infidelidades, frialdades, egoismos, traiciones, humillaciones y reconciliaciones.
Closer es un reflejo tal cual de la pareja actual, de las relaciones que llevamos en nuestra actualidad, serie de encuentros, rompimientos, juegos de sexo, crueldad, engaños, inestabilidad y sobre todo pasión. Nos muestra cómo algo que peude ser tan perfecto, estable y honesto, puede llegar a ser una verdadera mentira, una felicidad simulada, una conformidad tan bana e insignificante que muestra lo poco que nosotros permitimos y nos conformamos tan friamente que la otra persona no espera más que lo mismo, lo mínimo. El cómo el ser humano muestra una fuerza y una seguridad ante todo, pero es simple reflejo de lo que no tiene, el cómo el hombre es egoísta por naturaleza y permite tantas injusticias, no piensa en consecuencias ni en sentimientos terceros, simplemente la misma felicidad y paz de uno, provocando mucho más vacío y volviendolo un circulo vicioso.
Personalmente concidero que goza de uno de los mejores guiones, tan creul y duro como la realidad que muchas veces maquillamos, no muestra limitantes ni prejuicios que impidan el impacto del mensaje, sino son tan naturalez y humanos como en realidad son, tan directos y en ocasiones agresivos.
Creo que prfundizan de manera impresionante ésta maravillosa obra, muestran la fragilidad del hombre y la mujer en relaciones, que desenvoca en celos y eogísmos.
Me agrada tmabién la manera en que Nichols utiliza el tiempo, cómo representa el paso del tiempo son elegancia y coherencia, la manera en que hasta el mínimo detalle cambia, el corte, la vestimenta, las miradas, todo cambia de una escena a otra y es tan entendible pero a la vez mostrando que es de las pocas cosas que importan en la pareja, el tiempo, lo insignificante que importa en ello.
Otro gran y especial reconocimiento al reparto, los actores tan exquisitamente escogidos y explotados en éste film. Empezando por Natalie Portman, y quiero destacar que personalmente es de las mejores actrices que he visto hasta ahora, la manera en cómo aporta tanta pasión a su papel, su simple mirada es tan expresiva que cualquier otro aún haciendo mil y un malavares,su rostro sabe transmitir sus interioridades que impresiona tanto que no es necesario que diga lo que siente. Además que la admiro por sus diferentes y distintos papeles que ha abordado, la manera tan impactante de transformarse, y la elogio por que lleva una carrera desde pequeña de preparación, profesionalismo y entrega, mostrando ahora los frutos de su exigencia y esfuerzo.
El atractivo inglés Jude Law, considero una muy buena interpretación, que enriquece en gran medida al film, ya que puede tornar un tanto deprimente, cínica y cruel, si no se encuentra la propia naturaleza y relación con la realidad, que creo yo es tan simple y sencillo como que así es la realidad muchas veces pero a veces es difícil aceptar algo tan confuso como ello.
Julia Robert, que ya lleva grande e impresionantes tablas, muestra una parte distinta de ella, un tanto fría, poco femenina, la valentía de contener sus cualidades y belleza tan reconocibles.
Clive Owen también un merecido aplauso, la manera que lleva el personaje.
Los cuatro tiene una espuenda interpretación que en realmente avivan y sostienen un film un tanto pesado y duro.
Sinceramente me hubiera encantado tener la posibilidad de haberla visto en teatro, ya que así pueden complementar la apreciación y contrastar como criticar el film o ambas.
La llegue a sentir un poco violenta, en cuanto a diálogo pero no por ello me desgusto, al contrario me impactó y agradó aún mas, los diálogos son inteligentemente excelentes.
Closer “ llevados por el deseo”
Dirección: Mike Nichols.País: USA.Año: 2004. Género: Drama.Interpretación: Julia Roberts (Anna), Jude Law (Dan), Natalie Portman (Alice), Clive Owen (Larry).Guión: Patrick Marber; basado en su obra teatral "Closer".Producción: Mike Nichols, John Calley y Cary Brokaw.Fotografía: Stephen Goldblatt.Montaje: John Bloom y Antonia Van Drimmelen.Diseño de producción: Tim Hatley.Dirección artística: Hannah Moseley.Vestuario: Ann Roth.
* Actor y no actor: No recuerdo uno es especial, pero la última escena en que Portman va caminando en las atascadas calles de Londres con infinidad de personas alrededor de ella, llamados extras, personas normales.
* Personajes no humanos: No cuenta con uno
* Actores secundarios: Nick Hobbs (Taxista), Colin Stinton (Aduanero
* Personaje de personalidad:Tal vez en cierto punto Jude Law ya que lleva el papel del engreído, galan y atractivo.
* Personaje de personalidad múltiple: Sin duda alguna Natalie Portman, tan multifacética que podemos observarla con distintas personalidades, actitudes y miradas. La transformación desde una niña, infantil y sumisa, hasta una mujer provocativa y dura.
La última obra de Mike Nichols basada en la novela teatral de Patrick Marbel, Nichols fue responsable de buenos títulos como: el graduado, conocimiento carnal, armas de mujer entre otros.
Éste film se desarrolla en medio de os sentimientos, relaciones humanas, amores y desamores de manera prosaica y un tanto cruda pero aún realista. UN conjunto de intensas relaciones que afectan a terceros, que cambian totalmente el rumbo de las relaciones anteriores.
La dependencia al amor
Una historia sobre cuatro extraños (Jude law, Julia Roberts, Natalie Portman y Clive Owen) que se desarrolla por encuentros extraños e inesperados, y las relaciones que llevan éstos, incluyendo personalidades, distgustos, empleos, necesidades sexuales, infidelidades, frialdades, egoismos, traiciones, humillaciones y reconciliaciones.
Closer es un reflejo tal cual de la pareja actual, de las relaciones que llevamos en nuestra actualidad, serie de encuentros, rompimientos, juegos de sexo, crueldad, engaños, inestabilidad y sobre todo pasión. Nos muestra cómo algo que peude ser tan perfecto, estable y honesto, puede llegar a ser una verdadera mentira, una felicidad simulada, una conformidad tan bana e insignificante que muestra lo poco que nosotros permitimos y nos conformamos tan friamente que la otra persona no espera más que lo mismo, lo mínimo. El cómo el ser humano muestra una fuerza y una seguridad ante todo, pero es simple reflejo de lo que no tiene, el cómo el hombre es egoísta por naturaleza y permite tantas injusticias, no piensa en consecuencias ni en sentimientos terceros, simplemente la misma felicidad y paz de uno, provocando mucho más vacío y volviendolo un circulo vicioso.
Personalmente concidero que goza de uno de los mejores guiones, tan creul y duro como la realidad que muchas veces maquillamos, no muestra limitantes ni prejuicios que impidan el impacto del mensaje, sino son tan naturalez y humanos como en realidad son, tan directos y en ocasiones agresivos.
Creo que prfundizan de manera impresionante ésta maravillosa obra, muestran la fragilidad del hombre y la mujer en relaciones, que desenvoca en celos y eogísmos.
Me agrada tmabién la manera en que Nichols utiliza el tiempo, cómo representa el paso del tiempo son elegancia y coherencia, la manera en que hasta el mínimo detalle cambia, el corte, la vestimenta, las miradas, todo cambia de una escena a otra y es tan entendible pero a la vez mostrando que es de las pocas cosas que importan en la pareja, el tiempo, lo insignificante que importa en ello.
Otro gran y especial reconocimiento al reparto, los actores tan exquisitamente escogidos y explotados en éste film. Empezando por Natalie Portman, y quiero destacar que personalmente es de las mejores actrices que he visto hasta ahora, la manera en cómo aporta tanta pasión a su papel, su simple mirada es tan expresiva que cualquier otro aún haciendo mil y un malavares,su rostro sabe transmitir sus interioridades que impresiona tanto que no es necesario que diga lo que siente. Además que la admiro por sus diferentes y distintos papeles que ha abordado, la manera tan impactante de transformarse, y la elogio por que lleva una carrera desde pequeña de preparación, profesionalismo y entrega, mostrando ahora los frutos de su exigencia y esfuerzo.
El atractivo inglés Jude Law, considero una muy buena interpretación, que enriquece en gran medida al film, ya que puede tornar un tanto deprimente, cínica y cruel, si no se encuentra la propia naturaleza y relación con la realidad, que creo yo es tan simple y sencillo como que así es la realidad muchas veces pero a veces es difícil aceptar algo tan confuso como ello.
Julia Robert, que ya lleva grande e impresionantes tablas, muestra una parte distinta de ella, un tanto fría, poco femenina, la valentía de contener sus cualidades y belleza tan reconocibles.
Clive Owen también un merecido aplauso, la manera que lleva el personaje.
Los cuatro tiene una espuenda interpretación que en realmente avivan y sostienen un film un tanto pesado y duro.
Sinceramente me hubiera encantado tener la posibilidad de haberla visto en teatro, ya que así pueden complementar la apreciación y contrastar como criticar el film o ambas.
La llegue a sentir un poco violenta, en cuanto a diálogo pero no por ello me desgusto, al contrario me impactó y agradó aún mas, los diálogos son inteligentemente excelentes.
lunes, 7 de abril de 2008
Comentario de Hero. Manya Loria
“Hero”
Este film trata acerca de cómo un héroe sin nombre logra derrotar a los tres peores enemigos del rey de Qin, uno de los siete reinos pertenecientes a China hacia el final del periodo de guerras por la supremacía, entre 481 y 221 a.C. El rey de Qin estaba obsesionado por convertirse en el líder más grande todos los imperios, pero tenía tres grandes enemigos que obstaculizaban su camino: Espada Rota, Nieve y Cielo. Cuando sin nombre derrota a los tres guerreros, lleva sus armas al rey y le cuenta como logró derrotarlos, a Cielo lo derrotó siendo más habilidoso que él, y Nieve y a Espada Rota se eliminaron ellos mismos por celos, pero es no es lo que ocurrió de verdad, el rey tiene una versión y finalmente existe la verdadera versión, en la que Cielo está recuperándose de una herida provocada por sin nombre, y Nieve y Espada Rota siguen su camino hacia la muerte juntos y amándose por siempre.
La verdadera misión de Sin nombre era vengarse, pero después Espada Rota cambia su visión y transforma su misión en la de darle un mensaje al rey, no debe matarlo, porque vale más el bienestar de muchos que la venganza de uno, el rey vive y sin nombre muere, los reinos salen de la guerra y logran la unificación.
La guerra en ese entonces era la forma de vida predominante. Se escribieron muchos tratados de guerra durante este periodo, esto sigue siendo una especie de “Biblia de la guerra” hasta la fecha. La Guerra de los Estados, como fue denominado este periodo, fue también de gran pensamiento clásico, se le conoce también como el periodo de las cien escuelas; en este periodo se desarrollo el confucionismo, el taoísmo y el legalismo y se escribieron varios textos poéticos memorables para China. Esta guerra también contribuyó a reformas en la economía y mejoró la agricultura.
Todos los señores de cada reino creían que estaban destinados a unir a todos bajo el mismo cielo, pero el rey de Qin era el más ambicioso de todos, se le considera históricamente como un tirano brutal, hay muchísimas historias de intentos de asesinatos al rey de Qin.
Este film nos muestra temas como el orgullo, el respeto, la traición y el honor, que son cosas que los occidentales dejamos de lado, pero para los orientales lo es todo.
Al inicio de la película nos dice que la gente muere por amor y por honor, pero que también mata por ellos, esto me parece genial, ya que vemos en toda la película como los personajes mueren o matan por pasiones tan puras como lo son el amor y el honor.
En esta película todo es belleza, los escenarios son extraordinarios, los movimientos de los personajes excelsos, los vestuarios te remontan a otra época y a otra lugar, hasta la forma de hablar de los personajes es hermosa, hasta cuando hay una muerte se ve belleza, en cada momento se ve el respeto a la vida, aun cuando se mata.
Otro tema tratado en el film es el deseo de venganza, que siempre existe en el ser humano, y vemos reflejado claramente en Sin nombre, toda su vida la dedicó a prepararse para el momento de su venganza.
Creo que los occidentales tenemos dos caminos a elegir por el hecho de que no estamos acostumbrados a ver películas de este tipo, 1.- decir que es una jalada y cerrarnos a la belleza que este film nos muestra, o 2.- disfrutar mucho más de una belleza a la que no estamos acostumbrados y nos deslumbra mucho más que a alguien que está acostumbrado a eso.
Otro tema es el amor que vemos en Nieve y Espada Rota, cuando Nieve se encaja la espada que atraviesa a Espada Rota y se quedan juntos, muertos, atravesados por la misma espada, unidos para siempre, es una de las escenas más hermosas que he visto en toda mi vida.
La dirección de esta película es maravillosa, la cual corre por parte de Zhang Yimou, el cual hace una película que no es sólo una película de acción o de artes marciales, es toda una leyenda de la antigua China, lo curioso de esta historia de “venganza” es que el objetivo es acabar con la violencia, el corazón es mucho más importante que la espada.
El vestuario que diseñó Emi Wada es impresionante y maravilloso, es como ver escenografía viva, como ver al paisaje moverse, todos se convierten en parte de un todo en esta película, y además tomando en cuenta que la ropa era tan ligera como ropa de ballet para que los actores pudieran realizar las coreografías.
Esta película me remontó a una época y a un lugar, casi desconocidos y nuevos para mí, la dirección es fantástica, nos muestra una película de artes marciales diferente, las actuaciones hacen llorar de belleza y los paisajes y escenarios ni se diga, es lo más bello que he visto fuera de un sueño.
Yo calificó esta película como Hermosa, Pura y excesivamente limpia.
Este film trata acerca de cómo un héroe sin nombre logra derrotar a los tres peores enemigos del rey de Qin, uno de los siete reinos pertenecientes a China hacia el final del periodo de guerras por la supremacía, entre 481 y 221 a.C. El rey de Qin estaba obsesionado por convertirse en el líder más grande todos los imperios, pero tenía tres grandes enemigos que obstaculizaban su camino: Espada Rota, Nieve y Cielo. Cuando sin nombre derrota a los tres guerreros, lleva sus armas al rey y le cuenta como logró derrotarlos, a Cielo lo derrotó siendo más habilidoso que él, y Nieve y a Espada Rota se eliminaron ellos mismos por celos, pero es no es lo que ocurrió de verdad, el rey tiene una versión y finalmente existe la verdadera versión, en la que Cielo está recuperándose de una herida provocada por sin nombre, y Nieve y Espada Rota siguen su camino hacia la muerte juntos y amándose por siempre.
La verdadera misión de Sin nombre era vengarse, pero después Espada Rota cambia su visión y transforma su misión en la de darle un mensaje al rey, no debe matarlo, porque vale más el bienestar de muchos que la venganza de uno, el rey vive y sin nombre muere, los reinos salen de la guerra y logran la unificación.
La guerra en ese entonces era la forma de vida predominante. Se escribieron muchos tratados de guerra durante este periodo, esto sigue siendo una especie de “Biblia de la guerra” hasta la fecha. La Guerra de los Estados, como fue denominado este periodo, fue también de gran pensamiento clásico, se le conoce también como el periodo de las cien escuelas; en este periodo se desarrollo el confucionismo, el taoísmo y el legalismo y se escribieron varios textos poéticos memorables para China. Esta guerra también contribuyó a reformas en la economía y mejoró la agricultura.
Todos los señores de cada reino creían que estaban destinados a unir a todos bajo el mismo cielo, pero el rey de Qin era el más ambicioso de todos, se le considera históricamente como un tirano brutal, hay muchísimas historias de intentos de asesinatos al rey de Qin.
Este film nos muestra temas como el orgullo, el respeto, la traición y el honor, que son cosas que los occidentales dejamos de lado, pero para los orientales lo es todo.
Al inicio de la película nos dice que la gente muere por amor y por honor, pero que también mata por ellos, esto me parece genial, ya que vemos en toda la película como los personajes mueren o matan por pasiones tan puras como lo son el amor y el honor.
En esta película todo es belleza, los escenarios son extraordinarios, los movimientos de los personajes excelsos, los vestuarios te remontan a otra época y a otra lugar, hasta la forma de hablar de los personajes es hermosa, hasta cuando hay una muerte se ve belleza, en cada momento se ve el respeto a la vida, aun cuando se mata.
Otro tema tratado en el film es el deseo de venganza, que siempre existe en el ser humano, y vemos reflejado claramente en Sin nombre, toda su vida la dedicó a prepararse para el momento de su venganza.
Creo que los occidentales tenemos dos caminos a elegir por el hecho de que no estamos acostumbrados a ver películas de este tipo, 1.- decir que es una jalada y cerrarnos a la belleza que este film nos muestra, o 2.- disfrutar mucho más de una belleza a la que no estamos acostumbrados y nos deslumbra mucho más que a alguien que está acostumbrado a eso.
Otro tema es el amor que vemos en Nieve y Espada Rota, cuando Nieve se encaja la espada que atraviesa a Espada Rota y se quedan juntos, muertos, atravesados por la misma espada, unidos para siempre, es una de las escenas más hermosas que he visto en toda mi vida.
La dirección de esta película es maravillosa, la cual corre por parte de Zhang Yimou, el cual hace una película que no es sólo una película de acción o de artes marciales, es toda una leyenda de la antigua China, lo curioso de esta historia de “venganza” es que el objetivo es acabar con la violencia, el corazón es mucho más importante que la espada.
El vestuario que diseñó Emi Wada es impresionante y maravilloso, es como ver escenografía viva, como ver al paisaje moverse, todos se convierten en parte de un todo en esta película, y además tomando en cuenta que la ropa era tan ligera como ropa de ballet para que los actores pudieran realizar las coreografías.
Esta película me remontó a una época y a un lugar, casi desconocidos y nuevos para mí, la dirección es fantástica, nos muestra una película de artes marciales diferente, las actuaciones hacen llorar de belleza y los paisajes y escenarios ni se diga, es lo más bello que he visto fuera de un sueño.
Yo calificó esta película como Hermosa, Pura y excesivamente limpia.
Tarea de Manya Loría.
Manya Loría
Apreciación cinematográfica:
“El laberinto del fauno”
· Productor: Guillermo del Toro.
· Director: Guillermo del Toro.
· Guionista: Guillermo del Toro.
· Actores: Ivana Baquero, Sergi López, Maribel Verdú, Alex ANGULO, Ariadna Gil, etc.
· Director de fotografía: Guillermo Navarro, me pareció muy interesante ya que la óptica de esta película es sensacional, la iluminación, los encuadres, en general como se ve la película da un efecto muy intenso en cada parte de la película, vemos la magia cuando nos la quiere mostrar, y la realidad tan cruda que propone el director. En todo momento tenemos un ambiente muy logrado para mi punto de vista.
· Música: Javier Navarrete, creo que la música de esta película es maravillosa, nos envuelve en una atmósfera de magia y fantasía en un mundo de sufrimiento, creo que el manejo de la música logra que el espectador se involucre con los personajes y los ambientes.
· Efectos, maquillaje y animatronics: DDT FX, una de los elementos más geniales de esta película me parece que es el manejo de los efectos visuales; la animación y el maquillaje trabajan en conjunto para darnos un efecto maravilloso en las heridas que se dan a lo largo de la película, haciéndolas ver reales. La animación de las criaturas mágicas, por otro lado, nos muestra a unos seres que no son las típicas criaturas de cuentos de hadas, pero que nos meten a un mundo de fantasía, donde todo puede ser real.
· Actor no actor: Iñigo Garcés, con el personaje de un joven guerrillero; este hombre llamó mi atención especialmente por la forma en que escapaba, ya que se cuidó el aspecto del realismo en cada parte de la película, no sé si él es actor, pero sus movimientos eran de un hombre verdaderamente desesperado.
· Personajes no humanos: El fauno, Doug Jones; en este film existen muchos personajes no humanos, como lo son todas las seres mágicos, pero, a mí, en especial me gustó el fauno porque está dotado de un realismo y una imponencia mágicos.
· Actor secundario: Maribel Verdú, con el personaje de Mercedes; creo que este personaje me cautivó desde que lo vi aparecer en la pantalla, es una mujer fuerte, infiltrada en la casa del general para poder enviar información y medicinas a los guerrilleros que están escondidos en el bosque; su desenvolvimiento en toda la película te lleva a sentir desde un punto de vista distinto todo el conflicto.
· Actor de personalidad: ninguno.
· Actor de personalidad múltiple: Maribel Verdú; creo que esta mujer es muy polifacética, ya que al comparar su actuación en “Y tu mamá también” con esta, además de cambiar el género del film, cambia totalmente la creación de cada personaje.
· Actor especializado: Ninguno.
Este film trata acerca de una niña llamada Ofelia que se traslada a vivir a la casa de su padrastro, un cruel capitán que es padre del hermano de Ofelia que está por nacer; al llegar a su nuevo hogar, Ofelia descubre un laberinto, donde conoce a un fauno, que le dice que es una princesa y que tendrá que superar tres pruebas antes de la luna llena para poder volver a su reino, al lado de sus padres.
Está historia nos muestra el contraste entre la horrible realidad de la guerra civil española de 1944, donde el capitán Vidal intenta acabar con los últimos vestigios de la resistencia republicana, y la fantasía de una niña de 13 años que vive apasionantes aventuras, en un mundo ajeno, donde tiene sus propios problemas.
Trata temas como la inocencia, que la vemos claramente en Ofelia, que no ve la guerra, sino sus consecuencias, las cuales son su traslado a la casa del capitán, el estado convaleciente de su madre por el embarazo, los malos tratos del capitán, las privaciones, las pláticas de su madre; por eso Ofelia entra en un mundo de fantasía maravilloso, en el que se le revela la verdad, ella no pertenece ahí, ella es una princesa y debe volver a su reino, y al lado de hadas va cumpliendo las misiones que se le asignan.
La guerra es otro tema, en 1944, el ejército franquista intenta acabar con los republicanos, los cuales a su vez, buscan terminar con los franquistas y recuperar España; se desata una sangrienta guerra civil donde no existen buenos ni malos, sólo bandos que buscan defender sus intereses. El maquis, también conocido como la guerrilla, fue el conjunto de movimientos guerrilleros antifranquistas de resistencia en España que comenzó durante la Guerra Civil. El casi inmediato estallido de la Segunda Guerra Mundial sorprendió a gran parte de los excombatientes republicanos en territorio francés; muchos de ellos se incorporaron a la Resistencia francesa. A partir de 1944, con los ejércitos alemanes en retirada, muchos de estos guerrilleros reorientaron su lucha antifascista hacia España. Pese al fracaso de la invasión del valle de Arán en ese año, algunas columnas consiguieron progresar hacia el interior y enlazar con las partidas que habían permanecido en el monte desde 1939.
Trata la lealtad en muchos aspectos, hacia una causa, ya que ya sean los guerrilleros o el ejército dan su vida por lograr el cometido de su alianza; hacia el oficio, lo vemos por parte del doctor, que no le interesa arriesgar su vida por cumplir con su deber, le da atención médica a los guerrilleros en las noches, y su detonante es cuando decide aplicar la eutanasia con uno de los guerrilleros que es torturado hasta el grado de implorar la muerte; la lealtad a una creencia, que la vemos en Ofelia cuando finalmente decide no derramar la sangre de su pequeño hermano, y prefiere arriesgar su vida a la del pequeño.
Nos muestra la crueldad y egoísmo del ser humano de diferentes formas en la mayoría de los personajes, Vidal es el claro ejemplo de crueldad pura, el hacer daño es para él algo normal, de rutina, asesina sin miramientos y trata con dureza hasta a su propia esposa, y en cada acto realizado por él vemos como disfruta el matar, le humillar, el lastimar, es una crueldad totalmente conciente y disfrutada; en Carmen, la madre de Ofelia, vemos como, sin querer dañar a Ofelia, le cuenta siempre de un mundo horrible, donde nunca tendrá lo que ella quiera, donde nunca será feliz; Ofelia es un ser inocente que sin quererlo llega a preocupar mucho a su madre y a hacerla sentir desdichada porque por ser una niña es irresponsable.
Está película me parece maravillosa en muchos sentidos, es de las películas más completas que he visto, el guión y la dirección son sencillamente geniales, las actuaciones memorables, las imágenes perfectas, la historia conmovedora, y la música nos involucra en un mundo totalmente ajeno al nuestro.
Me parece que este film tiene una carga histórica manejada excepcionalmente que en contraste con la fantasía nos abre un mundo de posibilidades de reflexión y análisis.
Lo que más me gusta de esta película es que aunque todo esté muy claro, al final no podemos tener la certeza de lo que ocurre realmente, ya que nos deja un final abierto en el que todo puede ser parte de la ilusión de una niña que sufre, que quiere escapar de la terrible realidad que le tocó vivir, o puede ser que todo eso haya ocurrido de verdad, y Ofelia haya tenido que vivir todo eso para poder volver al mundo maravilloso del que venía.
Yo calificaría esta película como excepcional.
“The shinning”
· Productor: Stanley Kubrick.
· Director: Stanley Kubrick.
· Guinista: Stanley Kubrick con la historia original de Stephen King.
· Actores: Jack Nicholson, Shelley Duvall, Danny Lloyd, Scatman Crothers, Barry Nelson, etc.
· Música: Béla Bartók, conducida por Herbert von Karajan; la música de está película es maravillosa porque nos da un ambiente de terror a cada momento, en la intensidad justa, a veces nos hace brincar del asiento y a veces nos mantiene en una paranoia irresistible de que algo terrible está a punto de pasar.
· Fotografía desde helicóptero: Macgillivray Freeman films; las tomas de los paisajes son geniales, nos muestran una belleza imponente que contrasta mágicamente con la música, y nos dan al mismo tiempo una sensación de aislamiento y alejamiento de la sociedad escalofriantes.
· Director de arte: Les Tomkins; es maravillosa la forma en que este film nos transporta a un lugar desierto, donde realmente vemos un aislamiento con toda esa nieve alrededor, que nos da una sensación de frío visual y sensorial, y dentro del hotel vemos imágenes que nos crean confusión, la forma de las puertas de los cuartos, los mosaicos del piso, la organización del lugar.
· Actor no actor: Lisa y Lois Burns, las cuales interpretan los personajes de las gemelas asesinadas, salen unos cuantos segundos en el film y llegaron a producirme una sensación de terror más grande cuando aun no están destazadas que cuando las vemos regadas por el pasillo, totalmente ensangrentadas.
· Personajes no humanos: ninguno.
· Actor secundario: Danny Lloyd con el personaje de Danny; a la edad de siete años vemos a un actor nato haciendo una actuación excepcional de un niño con poderes premonitorios, que habla con su dedo; es un pequeño cautivador, te envuelve en su esencia extraña y oscura, hasta que te atrapa en su aterrador mundo de miedo e inocencia compartidos, una de las mejores actuaciones infantiles que he visto en mi vida.
· Actor de personalidad: ninguno.
· Actor de personalidad múltiple: Jack Nicholson en el personaje de Jack Torrance; es impresionante ver a esta hombre hacer personajes tan cómicos como el que interpreta en “As good as it gets” o en films de acción como “Infiltrados”, es uno de mis actores favoritos, no sólo por camaleónico sino por sus maravillosas interpretaciones de cualquier personaje que se le asigne.
· Actor especializado: ninguno.
Este film trata acerca de cómo Jack Torrance y su familia se trasladan al hotel Overlook, situado en un hermoso paraje, lo alto de las montañas de Colorado, para darle mantenimiento y cuidado durante el invierno en el cual el hotel permanece vacío, Jack acepta este empleo porque están pasando por una crisis económica y al ser Jack un escritor, ve esto como la oportunidad perfecta para acabar su libro; la nieve bloquea la carretera y rodea al hotel (que además está situado en medio de la nada), los medios de comunicación quedan inservibles y ellos quedan aterradoramente atrapados e incomunicados en medio de la nada.
En medio del aislamiento, el padre de familia y encargado de cuidar el hotel, Jack, comienza a experimentar visiones y pensamientos que no son normales, ve personas antaño muertas que lo aterrorizan de diferentes formas, mientras que Wendy, su esposa, está aterrorizada con el comportamiento extraño y agresivo totalmente nuevo en Jack; Danny, su hijo, recorre el hotel tranquilamente hasta que visiones horrendas empiezan a atormentarlo también.
El tema principal del film es el proceso de enloquecimiento de Jack Torrance que lo lleva a convertirse en un psicópata e intentar asesinar a su aterrorizada familia.
Esta película nos muestra como el aislamiento puede llevar a la locura, como Jack va desarrollando una conducta trastornada, que se manifiesta en agresividad, ausencias, visiones y lo más impactante para mí: el escribir un libro que contiene solo una frase de lo cual él no es conciente hasta que en un momento de cordura lee las páginas que ha escrito y descubre que todas dicen: “No por mucho madrugar amanece más temprano” (después de investigar descubrí que en cada país es una frase diferente).
Nos habla de poderes psíquicos sobrenaturales en el personaje de Danny, un niño retraído bastante extraño que habla con su dedo, Tony, por el cual vemos manifestados sus poderes de premonición “el resplandor”, el cual, Hallorann, el cocinero del hotel, posee también, y le explica a Danny que su abuela decidió nombrarlo el resplandor porque siempre veía un brillo antes de que le ocurriera alguna manifestación del poder, esto crea un lazo muy fuerte entre Hallorann y Danny, siendo “el resplandor” su único medio de comunicación con algún ser vivo fuera del hotel.
Nos muestra el terror de que una persona en la que confías plenamente como es la pareja o el padre, intente matarte a sangre fría, vemos la histeria de Wendy (con la maravillosa, aunque realmente sufrida actuación de Shelley Duvall, que fue criticada severamente por el director bajo la teoría de que el nerviosismo y tensión que esto le produjera le haría hacer una mejor actuación) que intenta proteger a su pequeño hijo y a si misma de la locura descontrolada de su marido, escondiéndose en cualquier lugar que se lo permitiera, hasta que llega al baño donde ya no encuentra escapatoria, sólo la ventana; vemos el terror del pequeño Danny al ver a su padre corriendo con un hacha detrás de él, intentando huir a toda costa del espantoso fin que le esperaba por parte de las manos de una de las personas que le dio la vida, corriendo a través de un laberinto gigantesco donde sus huellas se marcan en la nieve… escalofriante.
Nos habla también de espíritus que reviven terribles acontecimientos; en el hotel Overlook ya se vivió el terror una vez, un hombre enloquecido “escarmentó” a su esposa ahogándola en la tina y a sus dos hijas gemelas descuartizándolas, ahora él habla con Jack y lo aconseja, Jack toma alcohol (regresando a su oscuro pasado de alcohólico) y es convencido por el “Fantasma” de seguir sus pasos. Hay una escena en la película en la que la mujer ahogada se le aparece a Jack y lo aterroriza al convertirse en sus brazos en un cadáver putrefacto. Pero las visiones no están reservadas para Jack, Danny puede ver a las gemelas asesinadas, las cuales le insisten que vaya a jugar con ellas, hasta que Danny mira horrorizado sus cuerpos descuartizados.
Esta película está considerada la película maldita de Stanley Kubrick, ya que el mismo sometió a los actores a una tensión sobrehumana, y al incendio del set de decorados del hotel Overlook, lo cual hizo que se pospusiera el rodaje varias semanas, llevando de 17 semanas que se tenían planeadas a un total de 27 semanas de rodaje.
Este film es mi película de terror favorita por su maravillosa dirección, fotografía, actuaciones, música e historia; nos mete a una atmósfera de terror total, en la cual nos cautivamos por un niño indefenso y sumamente frágil, nos estresamos con una mujer histérica y nos aterrorizamos con un hombre totalmente demente; una película totalmente lograda que reúne mis dos características favoritas del terror: te hace saltar de tu asiento y te deja sin dormir toda la noche.
Yo calificaría esta película como escalofriantemente y aterrorizantemente maravillosa.
“How to make an american quilt”
· Productor: Sarah Pillsbury y Midge Sanford.
· Director: Jocelyn Moorhouse.
· Guionista: Jane Anderson con la historia original de Whitney Otto.
· Actores: Winona Rider, Anne Brancroft, Ellen Burstyn, Kate Nelligan, Alfre Woodard, Cate Capshaw, etc.
· Director de arte: Ed Verreaux; el manejo de las imágenes, a pesar de ser bastante convencionales, es muy bueno, a partir de escenarios que nos remontan a diferentes épocas podemos involucrarnos con los personajes e identificarnos con ellos, después de todo, nuestras vidas no son tan diferentes.
· Script: Leslie Pak; esta mujer hace un manejo maravilloso del guión, adaptando junto con Jane Anderson la maravillosa novela de Whitney Otto, y llevándonos a situaciones geniales con el maravilloso manejo de los diálogos.
· Encargado de locaciones: Los lugares donde se desarrolla la película son convencionales, como ya mencione, pero tienen esa magia que te transporta a la vida de cada personaje, perfecto involucrarte y decir “Yo podría haber estado ahí”, son personajes tan comunes como la vida misma, en lugares tan comunes como los que pisamos a diario.
· Actor no actor: Kaelynn y Sara Craddick con el personaje de la pequeña Finn, esta pequeña me cautivó y me metió en el mundo de soledad que la niña vivía.
· Personajes no humanos: El cuervo, hay una parte de la historia en la que una chica sigue a un cuervo, y este animal se vuelve el foco de atención por un momento, pero la base de todos los recuerdos de la chica.
· Actor secundario: Samantha Mathis, con el personaje de Sophia Darling joven, este es mi personaje favorito del film ya que logro involucrarme e identificarme tanto en su historia que en momentos yo sufría o reía a la par que ella.
· Actor de personalidad: Winona Rider, no es que se haya encasillado en un personaje, sino que su estructura física y su talante le dan el tipo de ciertos personajes de chicas jóvenes con desórdenes de personalidad, como podemos ver en esta película, en “Girl, interrumped”, en “Edward Scissorhands”, “Little Women”, etc.
· Actor de personalidad múltiple: Alfre Woodard, ya que vemos una mujer fuerte y melancólica en este film y la vemos haciendo un personaje más cómico en “Desperate Housewives”.
· Actor especializado: ninguno.
Este film trata de una mujer joven llamada Finn que va a visitar a su abuela y tía abuela en lo que termina su tesis, toma esto como pretexto para alejarse de su prometido, el cual la tiene un poco harta; lo maravilloso de esta situación es que en la casa de su abuela hay un grupo de costura conformado por mujeres ancianas las cuales deciden hacer una colcha para Finn marcando el fin de su soltería. Con el pretexto de la colcha cada una de estas maravillosas mujeres va contando su vida en una síntesis de colores, y va dando una explicación implícita de porque cada una es como es, dándole pistas a Finn acerca de que camino debe seguir, si enamorarse de una vez por todas del sexy chico que la pretende desde que llegó a casa de su abuela o salvar el amor que había con su novio.
Esta película trata el tema del amor en cada una de las mujeres que pertenecen al club de costura, en Finn, y en su madre; nos muestra en algunos casos, un amor desprendido de todo, como es el caso de la madre de Marianna, que lo deja todo por su niña; nos muestra un enamoramiento maravilloso en el caso de Sophia, una felicidad absoluta hasta que empiezan los problemas; un amor de hermanas por parte de la abuela y la tía abuela de Finn, que después de un rencor indescriptible y una traición desgarradora, se perdonan (Aunque no del todo) y pueden vivir juntas; en el caso de la madre de Finn, vemos un amor a sí misma por medio de vicios y codependencias, un amor hacia la comodidad; y en Finn vemos el descubrimiento del amor, que no importa el futuro, sino el presente.
Trata el tema de la nostalgia por el pasado, una añoranza inmensa por recuperar, o tal vez, solo rememorar el ayer, “Todo tiempo pasado fue mejor”, vemos en cada una de las mujeres el anhelo de la juventud, pero como remembranza, porque volver a pasar por todo lo que vivieron sería demasiado duro, el claro ejemplo es Sophia, que está amargada por los sucesos que le tocaron vivir, pero es la más feliz recordando los buenos momentos.
Trata el contraste entre la juventud y la vejez.
Nos habla por medio del simbolismo de la colcha, de tejes genealogías, de preservar historias, de conservar el pasado.
Está película nos muestra un mundo lleno de altibajos donde las cosas no salen bien, pero al finalmente siempre hay una luz al final del camino, la vida está llena de sorpresas, y a veces, las cosas malas, traen cosas buenas colgando, como Finn descubre después de perder su tesis, el mundo tiene muchas cosas que ofrecernos.
Este film es uno de mis favoritos por la remembranza del pasado, la historia es increíblemente cautivadora, te hace reír de felicidad y de angustia, te hace llorar de tristeza, de enojo y de alegría, es imposible no identificarse con alguno de los personajes, te enamoras de ellos y vives lo que ellos, como a mi me pasó con Sophia. Las situaciones tan cotidianas te hacen rememorar tu propia vida, y ver que el pasado quedó atrás pero las vivencias nunca se olvidan.
La directora es la misma que hizo la última versión de “Mujercitas”, en la que ya había trabajado con Winona Rider, y esto da el antecedente y la garantía de su talento para hacer películas de mujeres para mujeres que pueden cautivar a los hombres, nos muestra una visión Light de un mundo terrible.
Yo calificaría este film como cautivador.
Apreciación cinematográfica:
“El laberinto del fauno”
· Productor: Guillermo del Toro.
· Director: Guillermo del Toro.
· Guionista: Guillermo del Toro.
· Actores: Ivana Baquero, Sergi López, Maribel Verdú, Alex ANGULO, Ariadna Gil, etc.
· Director de fotografía: Guillermo Navarro, me pareció muy interesante ya que la óptica de esta película es sensacional, la iluminación, los encuadres, en general como se ve la película da un efecto muy intenso en cada parte de la película, vemos la magia cuando nos la quiere mostrar, y la realidad tan cruda que propone el director. En todo momento tenemos un ambiente muy logrado para mi punto de vista.
· Música: Javier Navarrete, creo que la música de esta película es maravillosa, nos envuelve en una atmósfera de magia y fantasía en un mundo de sufrimiento, creo que el manejo de la música logra que el espectador se involucre con los personajes y los ambientes.
· Efectos, maquillaje y animatronics: DDT FX, una de los elementos más geniales de esta película me parece que es el manejo de los efectos visuales; la animación y el maquillaje trabajan en conjunto para darnos un efecto maravilloso en las heridas que se dan a lo largo de la película, haciéndolas ver reales. La animación de las criaturas mágicas, por otro lado, nos muestra a unos seres que no son las típicas criaturas de cuentos de hadas, pero que nos meten a un mundo de fantasía, donde todo puede ser real.
· Actor no actor: Iñigo Garcés, con el personaje de un joven guerrillero; este hombre llamó mi atención especialmente por la forma en que escapaba, ya que se cuidó el aspecto del realismo en cada parte de la película, no sé si él es actor, pero sus movimientos eran de un hombre verdaderamente desesperado.
· Personajes no humanos: El fauno, Doug Jones; en este film existen muchos personajes no humanos, como lo son todas las seres mágicos, pero, a mí, en especial me gustó el fauno porque está dotado de un realismo y una imponencia mágicos.
· Actor secundario: Maribel Verdú, con el personaje de Mercedes; creo que este personaje me cautivó desde que lo vi aparecer en la pantalla, es una mujer fuerte, infiltrada en la casa del general para poder enviar información y medicinas a los guerrilleros que están escondidos en el bosque; su desenvolvimiento en toda la película te lleva a sentir desde un punto de vista distinto todo el conflicto.
· Actor de personalidad: ninguno.
· Actor de personalidad múltiple: Maribel Verdú; creo que esta mujer es muy polifacética, ya que al comparar su actuación en “Y tu mamá también” con esta, además de cambiar el género del film, cambia totalmente la creación de cada personaje.
· Actor especializado: Ninguno.
Este film trata acerca de una niña llamada Ofelia que se traslada a vivir a la casa de su padrastro, un cruel capitán que es padre del hermano de Ofelia que está por nacer; al llegar a su nuevo hogar, Ofelia descubre un laberinto, donde conoce a un fauno, que le dice que es una princesa y que tendrá que superar tres pruebas antes de la luna llena para poder volver a su reino, al lado de sus padres.
Está historia nos muestra el contraste entre la horrible realidad de la guerra civil española de 1944, donde el capitán Vidal intenta acabar con los últimos vestigios de la resistencia republicana, y la fantasía de una niña de 13 años que vive apasionantes aventuras, en un mundo ajeno, donde tiene sus propios problemas.
Trata temas como la inocencia, que la vemos claramente en Ofelia, que no ve la guerra, sino sus consecuencias, las cuales son su traslado a la casa del capitán, el estado convaleciente de su madre por el embarazo, los malos tratos del capitán, las privaciones, las pláticas de su madre; por eso Ofelia entra en un mundo de fantasía maravilloso, en el que se le revela la verdad, ella no pertenece ahí, ella es una princesa y debe volver a su reino, y al lado de hadas va cumpliendo las misiones que se le asignan.
La guerra es otro tema, en 1944, el ejército franquista intenta acabar con los republicanos, los cuales a su vez, buscan terminar con los franquistas y recuperar España; se desata una sangrienta guerra civil donde no existen buenos ni malos, sólo bandos que buscan defender sus intereses. El maquis, también conocido como la guerrilla, fue el conjunto de movimientos guerrilleros antifranquistas de resistencia en España que comenzó durante la Guerra Civil. El casi inmediato estallido de la Segunda Guerra Mundial sorprendió a gran parte de los excombatientes republicanos en territorio francés; muchos de ellos se incorporaron a la Resistencia francesa. A partir de 1944, con los ejércitos alemanes en retirada, muchos de estos guerrilleros reorientaron su lucha antifascista hacia España. Pese al fracaso de la invasión del valle de Arán en ese año, algunas columnas consiguieron progresar hacia el interior y enlazar con las partidas que habían permanecido en el monte desde 1939.
Trata la lealtad en muchos aspectos, hacia una causa, ya que ya sean los guerrilleros o el ejército dan su vida por lograr el cometido de su alianza; hacia el oficio, lo vemos por parte del doctor, que no le interesa arriesgar su vida por cumplir con su deber, le da atención médica a los guerrilleros en las noches, y su detonante es cuando decide aplicar la eutanasia con uno de los guerrilleros que es torturado hasta el grado de implorar la muerte; la lealtad a una creencia, que la vemos en Ofelia cuando finalmente decide no derramar la sangre de su pequeño hermano, y prefiere arriesgar su vida a la del pequeño.
Nos muestra la crueldad y egoísmo del ser humano de diferentes formas en la mayoría de los personajes, Vidal es el claro ejemplo de crueldad pura, el hacer daño es para él algo normal, de rutina, asesina sin miramientos y trata con dureza hasta a su propia esposa, y en cada acto realizado por él vemos como disfruta el matar, le humillar, el lastimar, es una crueldad totalmente conciente y disfrutada; en Carmen, la madre de Ofelia, vemos como, sin querer dañar a Ofelia, le cuenta siempre de un mundo horrible, donde nunca tendrá lo que ella quiera, donde nunca será feliz; Ofelia es un ser inocente que sin quererlo llega a preocupar mucho a su madre y a hacerla sentir desdichada porque por ser una niña es irresponsable.
Está película me parece maravillosa en muchos sentidos, es de las películas más completas que he visto, el guión y la dirección son sencillamente geniales, las actuaciones memorables, las imágenes perfectas, la historia conmovedora, y la música nos involucra en un mundo totalmente ajeno al nuestro.
Me parece que este film tiene una carga histórica manejada excepcionalmente que en contraste con la fantasía nos abre un mundo de posibilidades de reflexión y análisis.
Lo que más me gusta de esta película es que aunque todo esté muy claro, al final no podemos tener la certeza de lo que ocurre realmente, ya que nos deja un final abierto en el que todo puede ser parte de la ilusión de una niña que sufre, que quiere escapar de la terrible realidad que le tocó vivir, o puede ser que todo eso haya ocurrido de verdad, y Ofelia haya tenido que vivir todo eso para poder volver al mundo maravilloso del que venía.
Yo calificaría esta película como excepcional.
“The shinning”
· Productor: Stanley Kubrick.
· Director: Stanley Kubrick.
· Guinista: Stanley Kubrick con la historia original de Stephen King.
· Actores: Jack Nicholson, Shelley Duvall, Danny Lloyd, Scatman Crothers, Barry Nelson, etc.
· Música: Béla Bartók, conducida por Herbert von Karajan; la música de está película es maravillosa porque nos da un ambiente de terror a cada momento, en la intensidad justa, a veces nos hace brincar del asiento y a veces nos mantiene en una paranoia irresistible de que algo terrible está a punto de pasar.
· Fotografía desde helicóptero: Macgillivray Freeman films; las tomas de los paisajes son geniales, nos muestran una belleza imponente que contrasta mágicamente con la música, y nos dan al mismo tiempo una sensación de aislamiento y alejamiento de la sociedad escalofriantes.
· Director de arte: Les Tomkins; es maravillosa la forma en que este film nos transporta a un lugar desierto, donde realmente vemos un aislamiento con toda esa nieve alrededor, que nos da una sensación de frío visual y sensorial, y dentro del hotel vemos imágenes que nos crean confusión, la forma de las puertas de los cuartos, los mosaicos del piso, la organización del lugar.
· Actor no actor: Lisa y Lois Burns, las cuales interpretan los personajes de las gemelas asesinadas, salen unos cuantos segundos en el film y llegaron a producirme una sensación de terror más grande cuando aun no están destazadas que cuando las vemos regadas por el pasillo, totalmente ensangrentadas.
· Personajes no humanos: ninguno.
· Actor secundario: Danny Lloyd con el personaje de Danny; a la edad de siete años vemos a un actor nato haciendo una actuación excepcional de un niño con poderes premonitorios, que habla con su dedo; es un pequeño cautivador, te envuelve en su esencia extraña y oscura, hasta que te atrapa en su aterrador mundo de miedo e inocencia compartidos, una de las mejores actuaciones infantiles que he visto en mi vida.
· Actor de personalidad: ninguno.
· Actor de personalidad múltiple: Jack Nicholson en el personaje de Jack Torrance; es impresionante ver a esta hombre hacer personajes tan cómicos como el que interpreta en “As good as it gets” o en films de acción como “Infiltrados”, es uno de mis actores favoritos, no sólo por camaleónico sino por sus maravillosas interpretaciones de cualquier personaje que se le asigne.
· Actor especializado: ninguno.
Este film trata acerca de cómo Jack Torrance y su familia se trasladan al hotel Overlook, situado en un hermoso paraje, lo alto de las montañas de Colorado, para darle mantenimiento y cuidado durante el invierno en el cual el hotel permanece vacío, Jack acepta este empleo porque están pasando por una crisis económica y al ser Jack un escritor, ve esto como la oportunidad perfecta para acabar su libro; la nieve bloquea la carretera y rodea al hotel (que además está situado en medio de la nada), los medios de comunicación quedan inservibles y ellos quedan aterradoramente atrapados e incomunicados en medio de la nada.
En medio del aislamiento, el padre de familia y encargado de cuidar el hotel, Jack, comienza a experimentar visiones y pensamientos que no son normales, ve personas antaño muertas que lo aterrorizan de diferentes formas, mientras que Wendy, su esposa, está aterrorizada con el comportamiento extraño y agresivo totalmente nuevo en Jack; Danny, su hijo, recorre el hotel tranquilamente hasta que visiones horrendas empiezan a atormentarlo también.
El tema principal del film es el proceso de enloquecimiento de Jack Torrance que lo lleva a convertirse en un psicópata e intentar asesinar a su aterrorizada familia.
Esta película nos muestra como el aislamiento puede llevar a la locura, como Jack va desarrollando una conducta trastornada, que se manifiesta en agresividad, ausencias, visiones y lo más impactante para mí: el escribir un libro que contiene solo una frase de lo cual él no es conciente hasta que en un momento de cordura lee las páginas que ha escrito y descubre que todas dicen: “No por mucho madrugar amanece más temprano” (después de investigar descubrí que en cada país es una frase diferente).
Nos habla de poderes psíquicos sobrenaturales en el personaje de Danny, un niño retraído bastante extraño que habla con su dedo, Tony, por el cual vemos manifestados sus poderes de premonición “el resplandor”, el cual, Hallorann, el cocinero del hotel, posee también, y le explica a Danny que su abuela decidió nombrarlo el resplandor porque siempre veía un brillo antes de que le ocurriera alguna manifestación del poder, esto crea un lazo muy fuerte entre Hallorann y Danny, siendo “el resplandor” su único medio de comunicación con algún ser vivo fuera del hotel.
Nos muestra el terror de que una persona en la que confías plenamente como es la pareja o el padre, intente matarte a sangre fría, vemos la histeria de Wendy (con la maravillosa, aunque realmente sufrida actuación de Shelley Duvall, que fue criticada severamente por el director bajo la teoría de que el nerviosismo y tensión que esto le produjera le haría hacer una mejor actuación) que intenta proteger a su pequeño hijo y a si misma de la locura descontrolada de su marido, escondiéndose en cualquier lugar que se lo permitiera, hasta que llega al baño donde ya no encuentra escapatoria, sólo la ventana; vemos el terror del pequeño Danny al ver a su padre corriendo con un hacha detrás de él, intentando huir a toda costa del espantoso fin que le esperaba por parte de las manos de una de las personas que le dio la vida, corriendo a través de un laberinto gigantesco donde sus huellas se marcan en la nieve… escalofriante.
Nos habla también de espíritus que reviven terribles acontecimientos; en el hotel Overlook ya se vivió el terror una vez, un hombre enloquecido “escarmentó” a su esposa ahogándola en la tina y a sus dos hijas gemelas descuartizándolas, ahora él habla con Jack y lo aconseja, Jack toma alcohol (regresando a su oscuro pasado de alcohólico) y es convencido por el “Fantasma” de seguir sus pasos. Hay una escena en la película en la que la mujer ahogada se le aparece a Jack y lo aterroriza al convertirse en sus brazos en un cadáver putrefacto. Pero las visiones no están reservadas para Jack, Danny puede ver a las gemelas asesinadas, las cuales le insisten que vaya a jugar con ellas, hasta que Danny mira horrorizado sus cuerpos descuartizados.
Esta película está considerada la película maldita de Stanley Kubrick, ya que el mismo sometió a los actores a una tensión sobrehumana, y al incendio del set de decorados del hotel Overlook, lo cual hizo que se pospusiera el rodaje varias semanas, llevando de 17 semanas que se tenían planeadas a un total de 27 semanas de rodaje.
Este film es mi película de terror favorita por su maravillosa dirección, fotografía, actuaciones, música e historia; nos mete a una atmósfera de terror total, en la cual nos cautivamos por un niño indefenso y sumamente frágil, nos estresamos con una mujer histérica y nos aterrorizamos con un hombre totalmente demente; una película totalmente lograda que reúne mis dos características favoritas del terror: te hace saltar de tu asiento y te deja sin dormir toda la noche.
Yo calificaría esta película como escalofriantemente y aterrorizantemente maravillosa.
“How to make an american quilt”
· Productor: Sarah Pillsbury y Midge Sanford.
· Director: Jocelyn Moorhouse.
· Guionista: Jane Anderson con la historia original de Whitney Otto.
· Actores: Winona Rider, Anne Brancroft, Ellen Burstyn, Kate Nelligan, Alfre Woodard, Cate Capshaw, etc.
· Director de arte: Ed Verreaux; el manejo de las imágenes, a pesar de ser bastante convencionales, es muy bueno, a partir de escenarios que nos remontan a diferentes épocas podemos involucrarnos con los personajes e identificarnos con ellos, después de todo, nuestras vidas no son tan diferentes.
· Script: Leslie Pak; esta mujer hace un manejo maravilloso del guión, adaptando junto con Jane Anderson la maravillosa novela de Whitney Otto, y llevándonos a situaciones geniales con el maravilloso manejo de los diálogos.
· Encargado de locaciones: Los lugares donde se desarrolla la película son convencionales, como ya mencione, pero tienen esa magia que te transporta a la vida de cada personaje, perfecto involucrarte y decir “Yo podría haber estado ahí”, son personajes tan comunes como la vida misma, en lugares tan comunes como los que pisamos a diario.
· Actor no actor: Kaelynn y Sara Craddick con el personaje de la pequeña Finn, esta pequeña me cautivó y me metió en el mundo de soledad que la niña vivía.
· Personajes no humanos: El cuervo, hay una parte de la historia en la que una chica sigue a un cuervo, y este animal se vuelve el foco de atención por un momento, pero la base de todos los recuerdos de la chica.
· Actor secundario: Samantha Mathis, con el personaje de Sophia Darling joven, este es mi personaje favorito del film ya que logro involucrarme e identificarme tanto en su historia que en momentos yo sufría o reía a la par que ella.
· Actor de personalidad: Winona Rider, no es que se haya encasillado en un personaje, sino que su estructura física y su talante le dan el tipo de ciertos personajes de chicas jóvenes con desórdenes de personalidad, como podemos ver en esta película, en “Girl, interrumped”, en “Edward Scissorhands”, “Little Women”, etc.
· Actor de personalidad múltiple: Alfre Woodard, ya que vemos una mujer fuerte y melancólica en este film y la vemos haciendo un personaje más cómico en “Desperate Housewives”.
· Actor especializado: ninguno.
Este film trata de una mujer joven llamada Finn que va a visitar a su abuela y tía abuela en lo que termina su tesis, toma esto como pretexto para alejarse de su prometido, el cual la tiene un poco harta; lo maravilloso de esta situación es que en la casa de su abuela hay un grupo de costura conformado por mujeres ancianas las cuales deciden hacer una colcha para Finn marcando el fin de su soltería. Con el pretexto de la colcha cada una de estas maravillosas mujeres va contando su vida en una síntesis de colores, y va dando una explicación implícita de porque cada una es como es, dándole pistas a Finn acerca de que camino debe seguir, si enamorarse de una vez por todas del sexy chico que la pretende desde que llegó a casa de su abuela o salvar el amor que había con su novio.
Esta película trata el tema del amor en cada una de las mujeres que pertenecen al club de costura, en Finn, y en su madre; nos muestra en algunos casos, un amor desprendido de todo, como es el caso de la madre de Marianna, que lo deja todo por su niña; nos muestra un enamoramiento maravilloso en el caso de Sophia, una felicidad absoluta hasta que empiezan los problemas; un amor de hermanas por parte de la abuela y la tía abuela de Finn, que después de un rencor indescriptible y una traición desgarradora, se perdonan (Aunque no del todo) y pueden vivir juntas; en el caso de la madre de Finn, vemos un amor a sí misma por medio de vicios y codependencias, un amor hacia la comodidad; y en Finn vemos el descubrimiento del amor, que no importa el futuro, sino el presente.
Trata el tema de la nostalgia por el pasado, una añoranza inmensa por recuperar, o tal vez, solo rememorar el ayer, “Todo tiempo pasado fue mejor”, vemos en cada una de las mujeres el anhelo de la juventud, pero como remembranza, porque volver a pasar por todo lo que vivieron sería demasiado duro, el claro ejemplo es Sophia, que está amargada por los sucesos que le tocaron vivir, pero es la más feliz recordando los buenos momentos.
Trata el contraste entre la juventud y la vejez.
Nos habla por medio del simbolismo de la colcha, de tejes genealogías, de preservar historias, de conservar el pasado.
Está película nos muestra un mundo lleno de altibajos donde las cosas no salen bien, pero al finalmente siempre hay una luz al final del camino, la vida está llena de sorpresas, y a veces, las cosas malas, traen cosas buenas colgando, como Finn descubre después de perder su tesis, el mundo tiene muchas cosas que ofrecernos.
Este film es uno de mis favoritos por la remembranza del pasado, la historia es increíblemente cautivadora, te hace reír de felicidad y de angustia, te hace llorar de tristeza, de enojo y de alegría, es imposible no identificarse con alguno de los personajes, te enamoras de ellos y vives lo que ellos, como a mi me pasó con Sophia. Las situaciones tan cotidianas te hacen rememorar tu propia vida, y ver que el pasado quedó atrás pero las vivencias nunca se olvidan.
La directora es la misma que hizo la última versión de “Mujercitas”, en la que ya había trabajado con Winona Rider, y esto da el antecedente y la garantía de su talento para hacer películas de mujeres para mujeres que pueden cautivar a los hombres, nos muestra una visión Light de un mundo terrible.
Yo calificaría este film como cautivador.
domingo, 6 de abril de 2008
7a Clase
I. Tipos de público
a) el infantil. Es aquel que se identifica con los personajes a nivel visceral y sin afectos de análisis. El que ve a un héroe y se compra el disfraz respectivo.
b) el informado. Es aquel que pertenece a un grupo de fanas que investiga todo lo relacionado con el film a nivel argumento. El que sabe el nombre de los actores y sus carreras, el que sigue las sagas con pasión y se envuelve en el mundo que presenta el director sin cuestionar nada de los elementos técnicos, ni la calidad de sus realizadores y mucho menos el guión dramático.
c) el iniciado. Es aquel que sabe el lenguaje cinematográfico y realiza un análisis estructurado de los filmes. Es el alumno de escuelas de cine o profesores y teóricos expertos en la materia. Los críticos de cine están en esta lista.
d) el social. Es aquel teórico de la comunicación que realiza el análisis del discurso de los filmes con base en la hermenéutica, con el fin de reinterpretarlo e inferir de éste un discurso para darle un carácter sociológico.
II. PARA PODER VER EL FILM (LOS CÓDIGOS SUB-FÍLMICOS )
Los códigos subfílmicos, también llamados códigos perceptivos, son convenciones que se suponen previamente adquiridos por el espectador que va al cine, sistemas que rigen el reconocimiento de las formas y de las figuras en la vida cotidiana. Es posible entender ese proceso en dos fases:
la visión, referida a la percepción de elementos básicos, como la luz o el color y,
la visualidad, actividad a través de la cual son discernibles construcciones más complejas, como los objetos, los cuales, entre otras cosas, permanecen idénticos a lo largo de varios "actos de visión".
Enfoques de la percepción visual
Antes de ver cine, simplemente se debe ser capaz de ver. La visión pasa por un trabajo de codificación, o más propiamente, de semiotización (proceso de interpretar los signos de la vida social).
Las teorías del fenómeno visual se dividen en dos enfoques. Un enfoque analítico, el cual sostiene que la visión se produce cuando el cerebro aprende a analizar correctamente los impulsos que provienen de los ojos a través del análisis de datos visuales que proceden de la estimulación luminosa y de otros datos sensoriales no visuales que derivan de su relación con el entorno.
Un enfoque sintético, en las que la visión se comporta como un filtro único (e innatamente adquirido) de información, capaz de manejar variables complejas. De acuerdo con esto, no "vemos" el mundo como es, pero, a través de los dispositivos orgánicos que poseemos, extraemos de él la información pertinente.
La visión
Un primer nivel de consideración de los códigos perceptivos se refiere a la simple visión, es decir, a la percepción de los elementos básicos de lo visible: la luminosidad, el color, los bordes visuales, la interacción entre la luminosidad de un objeto y dichos bordes visuales, y las manifestaciones que se derivan de la variación en el tiempo de los fenómenos luminosos.
Lo visual
Lo visual, en este sentido, no se limita a la pura percepción de la luz, sino que incluye tanto la representación visual del espacio y como la percepción del tiempo.
III. ASPECTOS TEÓRICOS Y PRÁCTICOS DE LA ESCRITURA DEL GUIÓN CINEMATOGRÁFICO
Elementos para la construcción de un guiónEn la base de todo método de construcción del guión se ubica una terna de elementos fundamentales: el personaje, la acción, y el conflicto, los cuales se entrelazan en sus definiciones, y constituyen la base de la estructura dramática.
a) El personajeLas exploraciones de la construcción del personaje del filme de ficción se sitúan en un eje con dos polos:
· una visión esencialista del personaje que lo constituye en recipiente de atributos o cualidades
· una visión dinámica del personaje que lo entiende como un cierto conjunto de actividades, de transformaciones unificadas en una representación, generalmente antropomórfica, que cobra sentido y provee significaciones en la medida que representa un hacer.
Para el teórico estadounidense Lajos Egri, el diseño de la biografía del personaje es exhaustivo. Egri apuesta a que un escritor debe conocer a su personaje, como para en enlistar todas y cada una de las cualidades relevantes que lo configuran en el plano físico, psicológico y social y que conforman (lo que el autor llama la tridimensionalidad del personaje).
Su compatriota Dwight Swain prefieren una calificación limitada: la impresión dominante, el punto de vista, la actitud dominante, los intereses y lo que el autor denomina el potencial de clímax, todos están sujetas a las acciones posibles y la biografía no va mucho más allá del plano de la manifestación dietética (desarrollo narrativo de los hechos).
Syd Field , el popular manualista estadounidense, subordina la construcción biográfica del personaje a que “el personaje es lo que hace”.
Los otros aspectos presentes en los manuales teóricos que podemos tomar en cuenta tienen que ver con la vinculación del personaje con la acción dramática. Motivación, intención y objetivo; condición, aspiración y realización; condiciones sociales y fuerza de voluntad. Todos apuntan a la construcción de la acción verosímil. El personaje debe tener de cierta autonomía con relación al guión, ser coherente, y conservar una identidad con sus transformaciones menores; debe estar caracterizado por los rasgos distintivos que conforman sus diálogos y sus acciones y que lo diferencian orquestadamente del resto de los personajes; debe, finalmente, hacerse de una fuerza de voluntad tal (de un potencial de clímax) que sea capaz de llevar la acción hasta sus últimas consecuencia. La acción El término de acción dramática es una cualidad de la narración cuya aparición parece intuitivamente indudable. En los manuales se apela a la intuición del escritor, al sentido común que decidirá cuando hay acción y con qué intensidad ésta se presenta. El conflicto El conflicto es una oposición de fuerzas contrarias, de voluntades y obstáculos; su intensidad, su equilibrio, sus posibilidades de permanencia durante el desarrollo total de la obra y, sobre todo, la simbiosis entre dos fuerzas antagónicas, con esa latentote posibilidad de integrar una unidad de contrarios, como lo maneja Lajos Egri. Los modelos de construcción dramática del guión Una vez revisados los elementos en juego para la construcción de un guión, es necesario tomar en cuenta que todo autor propone un método de construcción que, pasando por las diversas etapas del diseño (construcción de personajes, sinopsis, scaletta, etc.) culmina con la escritura del guión. El Paradigma de Syd Field Junto con las del escritor español Gutiérrez Espada, las ideas del norteamericano Syd Field son quizás las que más se han popularizado entre los profesores de guión. Field, propone un sencillo esquema de trabajo que descansa sobre su llamado paradigma estructural, en la que encajan los guiones de cualquier género. Para Field los primeros pasos de escritura de un guión van de la idea al sujeto, en un proceso de búsqueda dentro de la estructura dramática, entendida como "un arreglo lineal de incidentes, episodios y acontecimientos relacionados entre sí, que desemboca en una resolución dramática”. En su primera versión, el paradigma divide al guión en tres actos: Acto I o presentación, Acto II o confrontación y Acto III o resolución del conflicto principal. Un punto argumental es un acontecimiento que cambia radicalmente el sentido de la acción. Field preve dos de ellas, una al final del Primer Acto y otra hacia el final del Segundo Acto. Lo dicho se resume en la figura: El Tratamiento de Swain Otro autor norteamericano cuyo pragmatismo lo coloca entre los bestsellers es Dwight Swain. Su libro Film Scriptwriting, formula una metodología que se puede resumir en cinco pasos:
· Paso 1. En primer lugar, el escritor debe ocuparse del anclaje de la acción en el pasado que antecede el filme.
· Paso 2. En segundo término, procede a establecer los elementos fundamentales de la historia, a saber:
· a. Los personajes, para cuyo propósito, el autor recomienda: 1) establecer el personaje tempranamente y 2) establecer el carácter del personaje.
· b. Las situaciones.
c. Los escenarios de la acción.
d. Los tonos y atmósferas.
· Paso 3. En tercer lugar, establece el comienzo o apertura del film. Para ello es indispensable diseñar:
a. El gancho (the hook). Un incidente o acción que provoque la suficiente curiosidad en el espectador como para que éste permanezca interesado en el desarrollo de la historia.
b. El compromiso (the commitment) del personaje principal en relación con el logro de su objetivo.
· Paso 4. Seguidamente, entre el comienzo y el final del tratamiento, las crestas (peaks) de la acción, puntos que marcan las confrontaciones del personaje principal en su lucha por alcanzar el objetivo. Dichas confrontaciones se planifican:
a. Evitando lo predecible.
b. Acentuando, entre dos soluciones posibles para una confrontación del personaje, la solución negativa (la cual, según Swain, siempre resulta ser la más creíble).
c. Espaciando las crisis.
· Paso 5. Por último, resolver las situaciones pendientes. Tal resolución se lleva a cabo de dos maneras:
a. Liberando las tensiones creadas por dispositivos mecánicos o externos. La regla básica consiste en traicionar la anticipación previsible del espectador.
b. Dando salida a las tensiones latentes en los personajes
La metodología de Antoine Cucca. El escritor francés Antoine Cucca propone en su libro L'écriture du scénario. Como para otros el inicio del guión debe cumplir con el requisito de ser visual, emocional, creíble y universal. Cucca analiza las posibilidades de la acción de los personajes. Dispone las sucesivas acciones que conformarán el argumento, cuidándose de distinguir entre las acciones de base (fundamentos esenciales de la historia), que hacen avanzar la acción, y las acciones complementarias. La última fase en la construcción del argumento está constituida por la elaboración de las situaciones. Las estructura de las situaciones comporta la clásica división en tres momentos dramáticos y que Cucca denomina premisa (o conjunto de condiciones de los personajes al comenzar la situación); desarrollo (de estas condiciones en busca de modificación) y resolución. El modelo de Lajos Egri El punto de partida de la metodología, en su texto titulado The Art of Dramatic Writing, lo constituye lo que podríamos denominar la proposición ideológica del texto que el escritor construye de manera particular. Esta premisa es lo que el autor quiere decir con su obra y debe ser formulada como una proposición. Anunciada de tal manera que contenga en sí misma al personaje principal (el héroe), al conflicto principal y al desenlace de la obra.
Un ejemplo: una proposición como: "La drogadicción conduce a la destrucción", es una premisa en el sentido de Egri, ya que su sujeto presupone la existencia de un personaje adicto a alguna droga, inmerso en un conflicto con relación a esta condición dominante, y actor de un drama cuyo desenlace es inevitablemente la autodestrucción. Egri proporciona una buena colección de ejemplos: "El gran amor desafía la muerte" (Romeo y Julieta"), "La ambición desmedida conduce a la autodestrucción" (Macbeth) y algunos otros.
La premisa es para Egri una sinopsis en miniatura. Uno podría pensar la premisa como una suerte de hipótesis cuya veracidad la obra se encarga de probar. Egri sustenta su sistema en este hallazgo básico para el escritor: la premisa "claramente definida" (clear-cut premise) une así, el tema escogido por el escritor y los elementos básicos para la construcción del drama:
El segundo paso en la construcción de la estructura dramática, lo constituye el diseño del personaje y del ambiente.
Consideraciones:
* La autonomía del personaje está relacionada con la esfera de intereses propia del personaje, es decir, con sus carencias esenciales. El personaje será fiel a su búsqueda (con una fidelidad que le es específica) lo cual es también un modo de asegurar su consistencia.
* La fuerza de la voluntad de un personaje no es más que un síntoma de la profundidad o de la esencialidad de su falta. El empeño persecutorio de un policía no nos habla más que de su potencia reparadora. Idénticamente, la intensidad de una obsesión amorosa de la necesidad ser de amado, etc.
* En términos globales, la orquestación demandará una repartición de faltas entre los personajes, faltas que resultarán ser de naturaleza diferente e incluso contrastante (el que tiene dinero no tiene amor, el que tiene amor es impotente, la de gran corazón no es bella, etc.). De esta manera se asegura la circulación de una variedad de objetos de valor que serán intercambiados en el relato.
A la pregunta "¿Qué pasa?" se le podrá responder siempre afirmativa o negativamente, siempre que se identifiquen sujeto y objeto con claridad.
Otros aspectos centrales de la acción dramática a considerar son los que remiten las preguntas: ¿Qué caracteriza la acción importante? ¿Cómo se mide la intensidad de ésta? ¿Qué diferencia dos acciones en la misma estructura dramática? ¿Qué complejidad manifiesta la estructura el guión y su vínculo con la tención emocional provoca en el espectador?, etc., todo ello para aproximarnos a la lectura del guión dramático a analizar.
a) el infantil. Es aquel que se identifica con los personajes a nivel visceral y sin afectos de análisis. El que ve a un héroe y se compra el disfraz respectivo.
b) el informado. Es aquel que pertenece a un grupo de fanas que investiga todo lo relacionado con el film a nivel argumento. El que sabe el nombre de los actores y sus carreras, el que sigue las sagas con pasión y se envuelve en el mundo que presenta el director sin cuestionar nada de los elementos técnicos, ni la calidad de sus realizadores y mucho menos el guión dramático.
c) el iniciado. Es aquel que sabe el lenguaje cinematográfico y realiza un análisis estructurado de los filmes. Es el alumno de escuelas de cine o profesores y teóricos expertos en la materia. Los críticos de cine están en esta lista.
d) el social. Es aquel teórico de la comunicación que realiza el análisis del discurso de los filmes con base en la hermenéutica, con el fin de reinterpretarlo e inferir de éste un discurso para darle un carácter sociológico.
II. PARA PODER VER EL FILM (LOS CÓDIGOS SUB-FÍLMICOS )
Los códigos subfílmicos, también llamados códigos perceptivos, son convenciones que se suponen previamente adquiridos por el espectador que va al cine, sistemas que rigen el reconocimiento de las formas y de las figuras en la vida cotidiana. Es posible entender ese proceso en dos fases:
la visión, referida a la percepción de elementos básicos, como la luz o el color y,
la visualidad, actividad a través de la cual son discernibles construcciones más complejas, como los objetos, los cuales, entre otras cosas, permanecen idénticos a lo largo de varios "actos de visión".
Enfoques de la percepción visual
Antes de ver cine, simplemente se debe ser capaz de ver. La visión pasa por un trabajo de codificación, o más propiamente, de semiotización (proceso de interpretar los signos de la vida social).
Las teorías del fenómeno visual se dividen en dos enfoques. Un enfoque analítico, el cual sostiene que la visión se produce cuando el cerebro aprende a analizar correctamente los impulsos que provienen de los ojos a través del análisis de datos visuales que proceden de la estimulación luminosa y de otros datos sensoriales no visuales que derivan de su relación con el entorno.
Un enfoque sintético, en las que la visión se comporta como un filtro único (e innatamente adquirido) de información, capaz de manejar variables complejas. De acuerdo con esto, no "vemos" el mundo como es, pero, a través de los dispositivos orgánicos que poseemos, extraemos de él la información pertinente.
La visión
Un primer nivel de consideración de los códigos perceptivos se refiere a la simple visión, es decir, a la percepción de los elementos básicos de lo visible: la luminosidad, el color, los bordes visuales, la interacción entre la luminosidad de un objeto y dichos bordes visuales, y las manifestaciones que se derivan de la variación en el tiempo de los fenómenos luminosos.
Lo visual
Lo visual, en este sentido, no se limita a la pura percepción de la luz, sino que incluye tanto la representación visual del espacio y como la percepción del tiempo.
III. ASPECTOS TEÓRICOS Y PRÁCTICOS DE LA ESCRITURA DEL GUIÓN CINEMATOGRÁFICO
Elementos para la construcción de un guiónEn la base de todo método de construcción del guión se ubica una terna de elementos fundamentales: el personaje, la acción, y el conflicto, los cuales se entrelazan en sus definiciones, y constituyen la base de la estructura dramática.
a) El personajeLas exploraciones de la construcción del personaje del filme de ficción se sitúan en un eje con dos polos:
· una visión esencialista del personaje que lo constituye en recipiente de atributos o cualidades
· una visión dinámica del personaje que lo entiende como un cierto conjunto de actividades, de transformaciones unificadas en una representación, generalmente antropomórfica, que cobra sentido y provee significaciones en la medida que representa un hacer.
Para el teórico estadounidense Lajos Egri, el diseño de la biografía del personaje es exhaustivo. Egri apuesta a que un escritor debe conocer a su personaje, como para en enlistar todas y cada una de las cualidades relevantes que lo configuran en el plano físico, psicológico y social y que conforman (lo que el autor llama la tridimensionalidad del personaje).
Su compatriota Dwight Swain prefieren una calificación limitada: la impresión dominante, el punto de vista, la actitud dominante, los intereses y lo que el autor denomina el potencial de clímax, todos están sujetas a las acciones posibles y la biografía no va mucho más allá del plano de la manifestación dietética (desarrollo narrativo de los hechos).
Syd Field , el popular manualista estadounidense, subordina la construcción biográfica del personaje a que “el personaje es lo que hace”.
Los otros aspectos presentes en los manuales teóricos que podemos tomar en cuenta tienen que ver con la vinculación del personaje con la acción dramática. Motivación, intención y objetivo; condición, aspiración y realización; condiciones sociales y fuerza de voluntad. Todos apuntan a la construcción de la acción verosímil. El personaje debe tener de cierta autonomía con relación al guión, ser coherente, y conservar una identidad con sus transformaciones menores; debe estar caracterizado por los rasgos distintivos que conforman sus diálogos y sus acciones y que lo diferencian orquestadamente del resto de los personajes; debe, finalmente, hacerse de una fuerza de voluntad tal (de un potencial de clímax) que sea capaz de llevar la acción hasta sus últimas consecuencia. La acción El término de acción dramática es una cualidad de la narración cuya aparición parece intuitivamente indudable. En los manuales se apela a la intuición del escritor, al sentido común que decidirá cuando hay acción y con qué intensidad ésta se presenta. El conflicto El conflicto es una oposición de fuerzas contrarias, de voluntades y obstáculos; su intensidad, su equilibrio, sus posibilidades de permanencia durante el desarrollo total de la obra y, sobre todo, la simbiosis entre dos fuerzas antagónicas, con esa latentote posibilidad de integrar una unidad de contrarios, como lo maneja Lajos Egri. Los modelos de construcción dramática del guión Una vez revisados los elementos en juego para la construcción de un guión, es necesario tomar en cuenta que todo autor propone un método de construcción que, pasando por las diversas etapas del diseño (construcción de personajes, sinopsis, scaletta, etc.) culmina con la escritura del guión. El Paradigma de Syd Field Junto con las del escritor español Gutiérrez Espada, las ideas del norteamericano Syd Field son quizás las que más se han popularizado entre los profesores de guión. Field, propone un sencillo esquema de trabajo que descansa sobre su llamado paradigma estructural, en la que encajan los guiones de cualquier género. Para Field los primeros pasos de escritura de un guión van de la idea al sujeto, en un proceso de búsqueda dentro de la estructura dramática, entendida como "un arreglo lineal de incidentes, episodios y acontecimientos relacionados entre sí, que desemboca en una resolución dramática”. En su primera versión, el paradigma divide al guión en tres actos: Acto I o presentación, Acto II o confrontación y Acto III o resolución del conflicto principal. Un punto argumental es un acontecimiento que cambia radicalmente el sentido de la acción. Field preve dos de ellas, una al final del Primer Acto y otra hacia el final del Segundo Acto. Lo dicho se resume en la figura: El Tratamiento de Swain Otro autor norteamericano cuyo pragmatismo lo coloca entre los bestsellers es Dwight Swain. Su libro Film Scriptwriting, formula una metodología que se puede resumir en cinco pasos:
· Paso 1. En primer lugar, el escritor debe ocuparse del anclaje de la acción en el pasado que antecede el filme.
· Paso 2. En segundo término, procede a establecer los elementos fundamentales de la historia, a saber:
· a. Los personajes, para cuyo propósito, el autor recomienda: 1) establecer el personaje tempranamente y 2) establecer el carácter del personaje.
· b. Las situaciones.
c. Los escenarios de la acción.
d. Los tonos y atmósferas.
· Paso 3. En tercer lugar, establece el comienzo o apertura del film. Para ello es indispensable diseñar:
a. El gancho (the hook). Un incidente o acción que provoque la suficiente curiosidad en el espectador como para que éste permanezca interesado en el desarrollo de la historia.
b. El compromiso (the commitment) del personaje principal en relación con el logro de su objetivo.
· Paso 4. Seguidamente, entre el comienzo y el final del tratamiento, las crestas (peaks) de la acción, puntos que marcan las confrontaciones del personaje principal en su lucha por alcanzar el objetivo. Dichas confrontaciones se planifican:
a. Evitando lo predecible.
b. Acentuando, entre dos soluciones posibles para una confrontación del personaje, la solución negativa (la cual, según Swain, siempre resulta ser la más creíble).
c. Espaciando las crisis.
· Paso 5. Por último, resolver las situaciones pendientes. Tal resolución se lleva a cabo de dos maneras:
a. Liberando las tensiones creadas por dispositivos mecánicos o externos. La regla básica consiste en traicionar la anticipación previsible del espectador.
b. Dando salida a las tensiones latentes en los personajes
La metodología de Antoine Cucca. El escritor francés Antoine Cucca propone en su libro L'écriture du scénario. Como para otros el inicio del guión debe cumplir con el requisito de ser visual, emocional, creíble y universal. Cucca analiza las posibilidades de la acción de los personajes. Dispone las sucesivas acciones que conformarán el argumento, cuidándose de distinguir entre las acciones de base (fundamentos esenciales de la historia), que hacen avanzar la acción, y las acciones complementarias. La última fase en la construcción del argumento está constituida por la elaboración de las situaciones. Las estructura de las situaciones comporta la clásica división en tres momentos dramáticos y que Cucca denomina premisa (o conjunto de condiciones de los personajes al comenzar la situación); desarrollo (de estas condiciones en busca de modificación) y resolución. El modelo de Lajos Egri El punto de partida de la metodología, en su texto titulado The Art of Dramatic Writing, lo constituye lo que podríamos denominar la proposición ideológica del texto que el escritor construye de manera particular. Esta premisa es lo que el autor quiere decir con su obra y debe ser formulada como una proposición. Anunciada de tal manera que contenga en sí misma al personaje principal (el héroe), al conflicto principal y al desenlace de la obra.
Un ejemplo: una proposición como: "La drogadicción conduce a la destrucción", es una premisa en el sentido de Egri, ya que su sujeto presupone la existencia de un personaje adicto a alguna droga, inmerso en un conflicto con relación a esta condición dominante, y actor de un drama cuyo desenlace es inevitablemente la autodestrucción. Egri proporciona una buena colección de ejemplos: "El gran amor desafía la muerte" (Romeo y Julieta"), "La ambición desmedida conduce a la autodestrucción" (Macbeth) y algunos otros.
La premisa es para Egri una sinopsis en miniatura. Uno podría pensar la premisa como una suerte de hipótesis cuya veracidad la obra se encarga de probar. Egri sustenta su sistema en este hallazgo básico para el escritor: la premisa "claramente definida" (clear-cut premise) une así, el tema escogido por el escritor y los elementos básicos para la construcción del drama:
El segundo paso en la construcción de la estructura dramática, lo constituye el diseño del personaje y del ambiente.
Consideraciones:
* La autonomía del personaje está relacionada con la esfera de intereses propia del personaje, es decir, con sus carencias esenciales. El personaje será fiel a su búsqueda (con una fidelidad que le es específica) lo cual es también un modo de asegurar su consistencia.
* La fuerza de la voluntad de un personaje no es más que un síntoma de la profundidad o de la esencialidad de su falta. El empeño persecutorio de un policía no nos habla más que de su potencia reparadora. Idénticamente, la intensidad de una obsesión amorosa de la necesidad ser de amado, etc.
* En términos globales, la orquestación demandará una repartición de faltas entre los personajes, faltas que resultarán ser de naturaleza diferente e incluso contrastante (el que tiene dinero no tiene amor, el que tiene amor es impotente, la de gran corazón no es bella, etc.). De esta manera se asegura la circulación de una variedad de objetos de valor que serán intercambiados en el relato.
A la pregunta "¿Qué pasa?" se le podrá responder siempre afirmativa o negativamente, siempre que se identifiquen sujeto y objeto con claridad.
Otros aspectos centrales de la acción dramática a considerar son los que remiten las preguntas: ¿Qué caracteriza la acción importante? ¿Cómo se mide la intensidad de ésta? ¿Qué diferencia dos acciones en la misma estructura dramática? ¿Qué complejidad manifiesta la estructura el guión y su vínculo con la tención emocional provoca en el espectador?, etc., todo ello para aproximarnos a la lectura del guión dramático a analizar.
Tarea de Dito.
Harry Potter and the Goblet of Fire:
Dirigida por: Mike Newell.
Producida por: Chris Colombus.
Guinistas: Steve Kloves (screenplay) y JK Rowling (novela)
Actores: Danniel Radcliffe, Emma Watson, Rupert Grint, Michael Gambon, Tom Felton, Jason Isaacs, Timonthy Spall, Allan Rickman, Maggie Smith, Robert Pattinson, Katie Leung, Robbie Coltrane, Gary Oldman, Ralph Fiennes.
Yo pienso, que para una pelicula de este tipo la persona mas importante dentro la producción, es el director, ¿Por qué? Pues porque el director siempre es el que tiene la vision de las cosas al leer el libro, el director lleva el libro a la realidad a travez de la pantalla y eso es una gran responsabilidad, porque tiene que hacer que los que no lo hayan leido lo entiendan a la perfección y por supuesto dejar satisfechos a los fans que si lo leyeron, es muy desagradable ver una adaptación cinematografica fallida, de un buen libro. Entonces, el director es la parte mas importante, porque tiene la vision y ya teniendo la visión, puede dictarles a todos los demas como quiere las cosas, en este caso yo se que Mike Newell fue muy perfeccionista en cuestiones de vestuario y escenografía, porque aunque su vision de las cosas es difrente a los directores de las demás películas, tenia que seguir la linea de la vision de los otros, entonces en una película de este tipo es muy importante mantener esos aspectos escenográficos y que la manera en que tu ves la adaptación sea no solo la del director, sino tambien la tuya misma.
Bueno en esta película hay muchisimos extras, pero escogí esta de Harry Potter porque a la hora de hacer los castings para nuevos personajes, salieron 3 personas que no son actores con técnica: un rumano, una francesa y una Inglesa de ascendencia Oriental, ellos interpretan personajes de suma importancia en el desarrollo tanto de este capitulo de la saga como en la historia general, es riesgoso, pienso yo, que meter personas no actores a una película de esta importancia (porque aunque algunos no lo vean asi es de importancia) aunque pues, hicieron un buen papel, al menos yo quede satisfecho, Hay personajes no humanos como el dragón por ejemplo, el dragón es parte fundamental de esta película, es una de las escenas de accion mas entretenidas, el dragón es un robot, que obviamente con ayuda de la animación cobró vida, otro personaje no humano es Nagini, la Serpiente de Lord Voldemort, no es nada muy fuera de lo común, incluso puede llegar a pasar desapercibida pues solo sale unos segundos y al principio, la camara la sigue con un paneo y cuando esta desaparece, es como si no existiera mas.
En esta película puedo decir que no hay muchos actores de personalidad, la mayoria son de personalidad múltiple como: Daniel, Maggie Smith, Michael Gambon, Allan Rickman, todos ellos son multifacéticos y a mi ver muy buenos actores, de los demas no puedo decir pues no los he llegado a ver en otras películas. Si yo tuviera que escoger un personaje de esta película, definitivamente seria Harry Potter, y no solo porque soy fan o porque son (o bueno, solia ser) muy como el tanto fisica como mentalmente, su psicología es la de un chavo que crecío sin amor paternal ni maternal, que a partir de los 11 años vive con un miedo impresionante, pues su vida corre peligro porque hay un maniaco allá afuera en el mundo mágico que lo quiere matar y si a eso le sumamos todo lo que ya le paso en la esucela de magia, que no tiene muchos amigos y que es un heroe, seria muy interesante hacerlo.
El tema de esta película es: La valentía, porque bueno, Harry se enfrenta a varios peligros a los que el no tenia planeado enfrentarse y aun asi acepta el reto, y pues se enfrenta a uno de los retos mas grandes que pdo vivir: ver regresar a Voldemort y ver como el mata a uno de sus amigos y aun así, luchar contra el.
Est película maneja subtemas como: la amistad, el amor y el desamor, la lealtad etc. Que son varios de los subtemas que se tocan en durante toda la saga.
December Boys:
Dirigida por: Rod Hardy
Producida por:
Guinistas: Michael Noonan (novela), Marc Rosemberg (screenplay)
Actores: Danniel Radcliffe, Lee Cormie, Christian Byers, James Fraser, Jack Thompson, Teresa Palmer, Sullivan Stapleton, Victoria Hill.
En esta película, la persona mas impotante para que saliera bien, es el escenógrafo, en la novela, según investigue, describen un paisaje de playa virgen en Australia completamente paradisiaco, aun asi el escenógrafo no logró encontrar una locación que tuviera esta descripción, pero se hizo lo que se pudo pues el paisaje es hermoso hay una parte que es como una zona rocosa, que es un lugar perfecto para estar tirado asoleándose sin que nadie te moleste, debo decir que en mi opinión el escenógrafo hizo un buen trabajo para la película, sin embargo no excelente, le faltó, pudieron haber pasado muchas cosas por las cuales no se logró lo que se describia en el libro, inclusoel director pudo haber tenido parte de la culpa, pero para saber eso si esta cañon pues tendríamos que vivir en sus mentes.
Esta película cuenta con varios personajes y pocos extras, es para dar un efecto mas intimo yo supongo, en realidad los extras que identifico son: 2 monjas y varios de los niños del orfanato. Dudo mucho que los tres niños principales (Daniel Radcliffe no entra en esta categoría porque ya no es un niño) tengan una técnica definida, por eso yo llamaría a ellos tres actores no actores, me llamó mucho la atención un personaje en special, un pez gato que no recuerd su nombre, pero símboliza la felicidad entera de uno de los personajes, un antiguo pescador que su razón de vida es cazar este pez que era el mas grande de todo el lugar y a parte de todo era un pez muy popular, me llama la atención porque nos hace ver una realidad: todos tenemos una razón que nos hace seguir vivos, por eso cuando este pescador de el lugar ve al pez muerto, se nota como se devasta, esto me llama la atención porque el pez por obvias razones no es actor, En esta película hay varios actores muy multifacéticos como Daniel Radcliffe, este personaje es demasiado diferente a Harry Potter, esta también el que sale de Tio Vernon en Harry Potter, que tambien, su personaje en esta película es de bueno y conzco varias de sus películas donde sale de maldito como por ejemplo Harry Potter.
De los otros no puedo emitir un juicio porque no los he visto en otras películas, de todas maneras puedo decir que me gusto mucho la actuación de los niños, es increible ver como unos niños pueden proyectarte muy bien que son huérfanos cuando en realidad no lo son se ve la inocencia en la pantalla a la hora que te dan el discurso que por cierto es un discurso triste, pues se trata de niños huérfanos que desean ser adoptados y pues obviamente es triste ver esa realidad. De esta película a mi me gustaría interpretar a “fearless” que es como (en la película) le dicen los niños, este hombre es un hombre joven que esta casado con una mujer joven de origen francés que no puede tener hijos, uno de los niños piensa que como tiene una motocicleta, es el hombre que aparece en la feria haciendo saltos mortales, y el no lo niega, las razones son obvias, quería parecer un héroe por primera vez en su vida pues al parecer el era el culpable de que su mujer no pudiera tener hijos, entonces, este personaje es un personaje que significaría todo un reto pues es un hombre pobre con una carga muy pesada a nivel psicológico pues se siente culpable de todo lo que pasa a asu alrededor y la llegada de los huérfanos es como una bendición muy grande para el, es por eso que me gustaría vivirlo y estudiarlo.
El tema principal de esta película es: la amistad, toda la película te describen como es la amistad de estos niños antes de ir a este lugar paradisiaco y como se ve en peligro a cada dia que pasan en aquel lugar, es una historia que tambien habla y te pone en claro la importancia de la familia y porque valorarla pues este discurso drámatico te muestra que no todo el mundo tiene el privilegio y el placer de tener una familia a quien amar y con quienes sentirse protegido.
Pirates of the caribbean: At world’s end.
Ditigida por: Jerry Buckinheimer.
Producida por:
Guionistas:
Actores: Johnny Depp, Orlando Bloom, Keira Knightley, Goeffrey Rush.
Esta película, seria muy difícil de lograr sin el técnico de efectos especiales, hay tantos y tan espectaculares, si en Harry Potter hay cosas que en la vida real no se pueden lograr, en esta película es IMPOSIBLE que algo asi suceda incluso mas imposible que la mágia, gran parte del crédito es para Jerry que hizo un excelente trabajo como director, pero definitivamente no se podría llegar a eso sin este técnico de efectos especiales, es todo un dedicado trabajo el hacer eso pues la verdad es dificilísimo lograr semejantes efectos tanto por computadora como efectos de cámara que tambien hay demaciados.
En esta película hay tantos personajes tan variados, esta desde el pirata loco, hasta el despiadado capitán de barco que se cree el dueño de los ocho mares aunque haya siete, extras hay muchos, todos con una importancia pues son la tripulación de uno o más barcos y tan solo caer en la alberca gigante en la que se flmo la película es todo un honor, estos extras incluso y a mi ver son parte muy importante de los efectos especiales, pues si no fuera asi, (recordemos que en estas películas los héroes son invencibles) no caería nadie muerto al mar. A mi ver hay muy buenos actores en esta película: Johnny Depp que en lo personal es mi actor favorito, es tan multifacético, es el típico y de los pocos que: personaje que le pongas personaje que hace y hace bien, lo mejor que tiene Johnny depp esque siempre pone algo de su cosecha para cada uno de sus personajes desde un pequeño y minimo movimiento, hasta toda la personalidad, como en este caso del ahora legendario Jack Sparrow, personaje que a mi ver marco su vida y su carrera actoral, como el esta Goeffrey Rush, quien tambien es extraordinario actor de mil caras que siempre que lo vez hace un papel diferente al igual que Keira Knightley, con su particular gesto de quijada salida, puede tambien hacer que cualquiera de sus personajes se adapte a su figura, no siempre sale radiante como varias de las actrices Hollywoodenses y eso es un excelente Merito, al contrario de estos actores tan multifacéticos esta el catalogado: Guapisimo Orlando Bloom, que no con menos talento que los otros siempre se le ve igual, a excepción de en “El señor de los anillos” que hace un elfo intuitivo con visión y carácter, de ahí en fuera auque sus personajes hasta ahora hechos son muy diferentes entre si, siempre es el típico chavo noble que al final se queda con la princesa del cuento. Y ahora vamos con los no menos importantes actores no humanos, como el monito amigo del Capitan Barbosa, que ha causado sensación porque es como la pareja cominca ideal de Depp en esta película es extraordinario aunque por supuesto no se lograría sin efectos especiales a computadora.
De esta Pelicula me encantaría tener el papel de Jack Sparrow, el hombre, es todo un personaje épico lleno de intrigas, enigmas, chistes buenos, y una actitud postrual que mata de risa a cualquiera y hace compemento con su simpatía; cabe mensionar que el legendario pirata es una creación 90% de Johnny Depp, Disney le dio esa grandiosa oportunidad al actor que por supuesto y todos podemos ver no desaprovecho, por tanto es un reto para cualquiera ponerse en los zapatos del pirata pues se necesita mucho entrenamiento en todos los sentidos: desde lingüístico hasta físico.
El tema de esta película es difícil de definir, tiene muchas cosas y cualquiera de ellas podría ser el tema principal por ejemplo el amor, la lealtad, la valentía, que al mismo tiempo podrían ser todos subtemas de la misma. Esa es la desventaja mas grande de la película pues por lo menos para mi el tema no esta calro, pero el mensaje si: el mensaje es: siempre lucha por lo que quieras y nunca te rindas, no importa lo que venga. Mientras tanto el tema lo dejo de tarea.
En conclusión: las tres a mi ver son muy buenas películas, son películas que dejan mensaje, que tienen un trabajo previo del personaje dos de ellas éxitos en taquilla y una de ellas la gente la vio por morbo, a confesar que yo tambien, pero me enamore de la película y se convirtió en una de mis favoritas, en cualquiera de ellas habría yo matado por actuar y tienen tantos matices, problematicas, personajes diferentes, efectos especiales y lo mas importante: un mensaje que cualquiera desearía recibir de algún ser querido.
Dirigida por: Mike Newell.
Producida por: Chris Colombus.
Guinistas: Steve Kloves (screenplay) y JK Rowling (novela)
Actores: Danniel Radcliffe, Emma Watson, Rupert Grint, Michael Gambon, Tom Felton, Jason Isaacs, Timonthy Spall, Allan Rickman, Maggie Smith, Robert Pattinson, Katie Leung, Robbie Coltrane, Gary Oldman, Ralph Fiennes.
Yo pienso, que para una pelicula de este tipo la persona mas importante dentro la producción, es el director, ¿Por qué? Pues porque el director siempre es el que tiene la vision de las cosas al leer el libro, el director lleva el libro a la realidad a travez de la pantalla y eso es una gran responsabilidad, porque tiene que hacer que los que no lo hayan leido lo entiendan a la perfección y por supuesto dejar satisfechos a los fans que si lo leyeron, es muy desagradable ver una adaptación cinematografica fallida, de un buen libro. Entonces, el director es la parte mas importante, porque tiene la vision y ya teniendo la visión, puede dictarles a todos los demas como quiere las cosas, en este caso yo se que Mike Newell fue muy perfeccionista en cuestiones de vestuario y escenografía, porque aunque su vision de las cosas es difrente a los directores de las demás películas, tenia que seguir la linea de la vision de los otros, entonces en una película de este tipo es muy importante mantener esos aspectos escenográficos y que la manera en que tu ves la adaptación sea no solo la del director, sino tambien la tuya misma.
Bueno en esta película hay muchisimos extras, pero escogí esta de Harry Potter porque a la hora de hacer los castings para nuevos personajes, salieron 3 personas que no son actores con técnica: un rumano, una francesa y una Inglesa de ascendencia Oriental, ellos interpretan personajes de suma importancia en el desarrollo tanto de este capitulo de la saga como en la historia general, es riesgoso, pienso yo, que meter personas no actores a una película de esta importancia (porque aunque algunos no lo vean asi es de importancia) aunque pues, hicieron un buen papel, al menos yo quede satisfecho, Hay personajes no humanos como el dragón por ejemplo, el dragón es parte fundamental de esta película, es una de las escenas de accion mas entretenidas, el dragón es un robot, que obviamente con ayuda de la animación cobró vida, otro personaje no humano es Nagini, la Serpiente de Lord Voldemort, no es nada muy fuera de lo común, incluso puede llegar a pasar desapercibida pues solo sale unos segundos y al principio, la camara la sigue con un paneo y cuando esta desaparece, es como si no existiera mas.
En esta película puedo decir que no hay muchos actores de personalidad, la mayoria son de personalidad múltiple como: Daniel, Maggie Smith, Michael Gambon, Allan Rickman, todos ellos son multifacéticos y a mi ver muy buenos actores, de los demas no puedo decir pues no los he llegado a ver en otras películas. Si yo tuviera que escoger un personaje de esta película, definitivamente seria Harry Potter, y no solo porque soy fan o porque son (o bueno, solia ser) muy como el tanto fisica como mentalmente, su psicología es la de un chavo que crecío sin amor paternal ni maternal, que a partir de los 11 años vive con un miedo impresionante, pues su vida corre peligro porque hay un maniaco allá afuera en el mundo mágico que lo quiere matar y si a eso le sumamos todo lo que ya le paso en la esucela de magia, que no tiene muchos amigos y que es un heroe, seria muy interesante hacerlo.
El tema de esta película es: La valentía, porque bueno, Harry se enfrenta a varios peligros a los que el no tenia planeado enfrentarse y aun asi acepta el reto, y pues se enfrenta a uno de los retos mas grandes que pdo vivir: ver regresar a Voldemort y ver como el mata a uno de sus amigos y aun así, luchar contra el.
Est película maneja subtemas como: la amistad, el amor y el desamor, la lealtad etc. Que son varios de los subtemas que se tocan en durante toda la saga.
December Boys:
Dirigida por: Rod Hardy
Producida por:
Guinistas: Michael Noonan (novela), Marc Rosemberg (screenplay)
Actores: Danniel Radcliffe, Lee Cormie, Christian Byers, James Fraser, Jack Thompson, Teresa Palmer, Sullivan Stapleton, Victoria Hill.
En esta película, la persona mas impotante para que saliera bien, es el escenógrafo, en la novela, según investigue, describen un paisaje de playa virgen en Australia completamente paradisiaco, aun asi el escenógrafo no logró encontrar una locación que tuviera esta descripción, pero se hizo lo que se pudo pues el paisaje es hermoso hay una parte que es como una zona rocosa, que es un lugar perfecto para estar tirado asoleándose sin que nadie te moleste, debo decir que en mi opinión el escenógrafo hizo un buen trabajo para la película, sin embargo no excelente, le faltó, pudieron haber pasado muchas cosas por las cuales no se logró lo que se describia en el libro, inclusoel director pudo haber tenido parte de la culpa, pero para saber eso si esta cañon pues tendríamos que vivir en sus mentes.
Esta película cuenta con varios personajes y pocos extras, es para dar un efecto mas intimo yo supongo, en realidad los extras que identifico son: 2 monjas y varios de los niños del orfanato. Dudo mucho que los tres niños principales (Daniel Radcliffe no entra en esta categoría porque ya no es un niño) tengan una técnica definida, por eso yo llamaría a ellos tres actores no actores, me llamó mucho la atención un personaje en special, un pez gato que no recuerd su nombre, pero símboliza la felicidad entera de uno de los personajes, un antiguo pescador que su razón de vida es cazar este pez que era el mas grande de todo el lugar y a parte de todo era un pez muy popular, me llama la atención porque nos hace ver una realidad: todos tenemos una razón que nos hace seguir vivos, por eso cuando este pescador de el lugar ve al pez muerto, se nota como se devasta, esto me llama la atención porque el pez por obvias razones no es actor, En esta película hay varios actores muy multifacéticos como Daniel Radcliffe, este personaje es demasiado diferente a Harry Potter, esta también el que sale de Tio Vernon en Harry Potter, que tambien, su personaje en esta película es de bueno y conzco varias de sus películas donde sale de maldito como por ejemplo Harry Potter.
De los otros no puedo emitir un juicio porque no los he visto en otras películas, de todas maneras puedo decir que me gusto mucho la actuación de los niños, es increible ver como unos niños pueden proyectarte muy bien que son huérfanos cuando en realidad no lo son se ve la inocencia en la pantalla a la hora que te dan el discurso que por cierto es un discurso triste, pues se trata de niños huérfanos que desean ser adoptados y pues obviamente es triste ver esa realidad. De esta película a mi me gustaría interpretar a “fearless” que es como (en la película) le dicen los niños, este hombre es un hombre joven que esta casado con una mujer joven de origen francés que no puede tener hijos, uno de los niños piensa que como tiene una motocicleta, es el hombre que aparece en la feria haciendo saltos mortales, y el no lo niega, las razones son obvias, quería parecer un héroe por primera vez en su vida pues al parecer el era el culpable de que su mujer no pudiera tener hijos, entonces, este personaje es un personaje que significaría todo un reto pues es un hombre pobre con una carga muy pesada a nivel psicológico pues se siente culpable de todo lo que pasa a asu alrededor y la llegada de los huérfanos es como una bendición muy grande para el, es por eso que me gustaría vivirlo y estudiarlo.
El tema principal de esta película es: la amistad, toda la película te describen como es la amistad de estos niños antes de ir a este lugar paradisiaco y como se ve en peligro a cada dia que pasan en aquel lugar, es una historia que tambien habla y te pone en claro la importancia de la familia y porque valorarla pues este discurso drámatico te muestra que no todo el mundo tiene el privilegio y el placer de tener una familia a quien amar y con quienes sentirse protegido.
Pirates of the caribbean: At world’s end.
Ditigida por: Jerry Buckinheimer.
Producida por:
Guionistas:
Actores: Johnny Depp, Orlando Bloom, Keira Knightley, Goeffrey Rush.
Esta película, seria muy difícil de lograr sin el técnico de efectos especiales, hay tantos y tan espectaculares, si en Harry Potter hay cosas que en la vida real no se pueden lograr, en esta película es IMPOSIBLE que algo asi suceda incluso mas imposible que la mágia, gran parte del crédito es para Jerry que hizo un excelente trabajo como director, pero definitivamente no se podría llegar a eso sin este técnico de efectos especiales, es todo un dedicado trabajo el hacer eso pues la verdad es dificilísimo lograr semejantes efectos tanto por computadora como efectos de cámara que tambien hay demaciados.
En esta película hay tantos personajes tan variados, esta desde el pirata loco, hasta el despiadado capitán de barco que se cree el dueño de los ocho mares aunque haya siete, extras hay muchos, todos con una importancia pues son la tripulación de uno o más barcos y tan solo caer en la alberca gigante en la que se flmo la película es todo un honor, estos extras incluso y a mi ver son parte muy importante de los efectos especiales, pues si no fuera asi, (recordemos que en estas películas los héroes son invencibles) no caería nadie muerto al mar. A mi ver hay muy buenos actores en esta película: Johnny Depp que en lo personal es mi actor favorito, es tan multifacético, es el típico y de los pocos que: personaje que le pongas personaje que hace y hace bien, lo mejor que tiene Johnny depp esque siempre pone algo de su cosecha para cada uno de sus personajes desde un pequeño y minimo movimiento, hasta toda la personalidad, como en este caso del ahora legendario Jack Sparrow, personaje que a mi ver marco su vida y su carrera actoral, como el esta Goeffrey Rush, quien tambien es extraordinario actor de mil caras que siempre que lo vez hace un papel diferente al igual que Keira Knightley, con su particular gesto de quijada salida, puede tambien hacer que cualquiera de sus personajes se adapte a su figura, no siempre sale radiante como varias de las actrices Hollywoodenses y eso es un excelente Merito, al contrario de estos actores tan multifacéticos esta el catalogado: Guapisimo Orlando Bloom, que no con menos talento que los otros siempre se le ve igual, a excepción de en “El señor de los anillos” que hace un elfo intuitivo con visión y carácter, de ahí en fuera auque sus personajes hasta ahora hechos son muy diferentes entre si, siempre es el típico chavo noble que al final se queda con la princesa del cuento. Y ahora vamos con los no menos importantes actores no humanos, como el monito amigo del Capitan Barbosa, que ha causado sensación porque es como la pareja cominca ideal de Depp en esta película es extraordinario aunque por supuesto no se lograría sin efectos especiales a computadora.
De esta Pelicula me encantaría tener el papel de Jack Sparrow, el hombre, es todo un personaje épico lleno de intrigas, enigmas, chistes buenos, y una actitud postrual que mata de risa a cualquiera y hace compemento con su simpatía; cabe mensionar que el legendario pirata es una creación 90% de Johnny Depp, Disney le dio esa grandiosa oportunidad al actor que por supuesto y todos podemos ver no desaprovecho, por tanto es un reto para cualquiera ponerse en los zapatos del pirata pues se necesita mucho entrenamiento en todos los sentidos: desde lingüístico hasta físico.
El tema de esta película es difícil de definir, tiene muchas cosas y cualquiera de ellas podría ser el tema principal por ejemplo el amor, la lealtad, la valentía, que al mismo tiempo podrían ser todos subtemas de la misma. Esa es la desventaja mas grande de la película pues por lo menos para mi el tema no esta calro, pero el mensaje si: el mensaje es: siempre lucha por lo que quieras y nunca te rindas, no importa lo que venga. Mientras tanto el tema lo dejo de tarea.
En conclusión: las tres a mi ver son muy buenas películas, son películas que dejan mensaje, que tienen un trabajo previo del personaje dos de ellas éxitos en taquilla y una de ellas la gente la vio por morbo, a confesar que yo tambien, pero me enamore de la película y se convirtió en una de mis favoritas, en cualquiera de ellas habría yo matado por actuar y tienen tantos matices, problematicas, personajes diferentes, efectos especiales y lo mas importante: un mensaje que cualquiera desearía recibir de algún ser querido.
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