Quien pinto la Gioconda?: Leonardo da Vinci
¿Quien escribió el principito?: Antoine de Saint- Exupery
¿Quien fue el pintor del mural del palacio nacional?: Diego Rivera
¿Cuantas veces ha participado México en las olimpiadas?: 84 veces
¿Nombre del fotógrafo que gano el premio nacional de periodismo :Geovanny Verdezoto
¿En que lugar se dio el expresionismo? en Alemania
¿Nombre de la exp. de ranas en el centro: Aranarte
¿Nombre del director de como agua para chocolate: Alfonso araud
3 directores mexicanos: Alejandro Gonzáles iñarritu, Guillermo del toro, Alfonso puaron
Los primeros 20 minutos de la película me hicieron sospechar que la iba a odiar. Una familia compuesta por un gay suicida, un abuelo drogadicto e hipersexualizado, una madre neurótica, un padre obsesivo, un hijo medio autista y una obesa niña superficial, encerrados en un ambiente opresivo... no pintaba bien la cosa.
Pero por suerte, la cinta despliega sus alas rápidamente, los personajes se suben a una vieja camioneta (que es casi un personaje más) y, , inician un viaje de familia en donde pasaran cosas del niño que no puede volar por que es daltónico y a todos les grita de cosas pero ahí estuvieron con el la familia siento que el motor que los impulsaba era olive y pues cuando la camioneta ya no servia , cuando el abuelo murió que todos estuvieron juntos , en lo del trabajo en el concurso de la niña la verdad me pareció demasiado interesante y aunque de verdad no es una película wowwww si te deja un gran mensaje el de la familia .
Lo bueno de esta historia, en todo caso, es que este viaje es liviano, entretenido, lleno de eventos y accidentes que, de no haber mediado un sólido cable a tierra, bien podría haber descalabrado la película llevándola hacia una comedia barata. Pero no, se mantiene en sus cabales, no olvida la esencia de sus personajes y llega con todo éxito a su merecido final. Que aunque todas las familias tenemos problemas y de verdad son casas de locos hahahah. Y conforme a luces siento que las que mas se utilizaron fueron las naturales y las artificiales y una que otra luz difusa como cuando estaban en el cuarto de hospital combinada con la natural , sobre sus tiempos fílmicos siento que tubo condensación cuando muere el abuelo también , tiempo psicológico en los planos largos con escasa acción al momento de estar en la sala de espera del hospital , elipsis cuando suprimen la muerte del abuelo o también cuando salen del hotel y ya se ven sentados en el hospital otra elipsis es cuando están en el concurso y pasan todas las concursantes que había antes y ya llega olive.
Los travellings que tiene deep focus shot que es cuando se encuentra el tío y el niño en el mar y ven el lugar donde es el concurso y el tío le propone que ya deben de entrar .
Travelling vertical cuando la niña esta recogiendo sus cosas para irse y la cuando recoge algo la cámara sube y baja con ella.
Travelling pararelo cuando están adentro de la combi y se ven las caras de los personajes las micro acciones que hace cada una de ellos.
Crane shot: cuando se ve una toma desde arriba que es tomada de grúa.
De ritmo analítico cuando están empujando a la combi todos se ve el esfuerzo que hace cada uno de ellos y su actividad
In crescendo cuando cada vez mas breves y se muestra como hay una tensión dramática y cuando hay planos mas largos la relajación como cuando aceptaron a la niña en el concurso cuando habían llegado tarde .
Escala
Médium shot el grupo de personas que es la familia e interesa ver las acciones que hace cada uno de ellos que lo vemos en toda la película cada quien tienen algo determinado por lo que sufre o pasa.
Full shot en un momento cuando la niña la olvidan en la gasolinera cuando regresan y se para casi toma todo el encuadre
Close up cuando enfocan casi toda la atención en la cara de la niña frente al espejo cuando se mira para a ver si es fea o no .
Ángulos
Cuando la niña se ve al espejo eye leve shot
Top shot cuando el abuelo se despide de la niña y le dice que ella tienen belleza interior y por fuera.
Iluminación masas cuando se encuentran dentro del concurso .
Y los colores que utilizan mas son los psicológico el papa siempre de azul y es una perona mu tajante y fría la mama con colores intermedios el abuelos con colores oscuros el niño igual la única que tenia colores mas alegres era la niña rojo amarillo por eso digo que es como una clave en a película que es la niña el centro de atención mas enfocado a la familiapor que es lo que los une .
Alejandra magaña
lunes, 18 de agosto de 2008
domingo, 17 de agosto de 2008
comentario y respuestas de cine 2do semestre
Holaaa!!....
acabo de aceptar la entrada al blog asi que lo siento por tardarme pro aqui vaa ...
de la pelicula "little miss sunshine", el guion me parecio bueno, esta sencillo, pero me gusta la idea de la crítica hacia lo superficial que son ese tipo de concursos, me parecio que la forma en la que lo presentan esta bastante clara al igual que el mesaje. Los personajes son interesantes; el papa que es el creador de un programa de como triunfar en 9 pasos, obsesionado con no ser un fracasado y tratando de dar consejos a su familia para no serlo, los cuales a fin de cuentas repercuten en el, y su programa fracasa, al igual que todas las aspiraciones de los integrantes de la familia, pero al final aprende a manejarlo y creo que cuando lo vemos ya "curado" es cuando sube a apoyar a su hija en el concurso;la madre que es la guia de toda la casa; el abuelo que es un drogadicto el cual ayuda a Olive con su rutina; el hermano, un intelectual incomprendido, cuya unica aspiracion y motivo de vida es ser aviador, en el cual también vemos un cambio al final después de darse cuenta de que es daltónico; el tio que es un gay depresivo y suicida, y por último Olive la protagonista, que apesar de no cumplir con las caracteristicas de las demás competidoras o de una niña miss sunshine, sueña con ganar el concurso. En ella recae el cambio de los demas personajes, ya que es devido a ella y su concurso que se hace el viaje en el cual la familia atraviesa una crisis.
La pelicula me parece buena, la forma en la que estan grabadas ciertas escenas es lo escencial de la pelicula, un ejemplo seria la pelea que vemos casi al principio de la pelicula los diferentes movimientos y posiciones de cámara; y también las tomas en las que vemos como suben uno por uno a la camioneta despues de empujarla.
Apesar de estas y otras tomas la pelicula es sencilla y concreta, a mi humilde punto de vista es una buena pelicula.
LAS RESPUESTAS AL EXAMEN DE CULTURA GENERAL.
¿quien pinto la Gioconda?: leonardo da vinci
quien escribio el principito?: Antoine de Saint- Exupery
quien fue el pintor del mural del palacio nacional?: Diego Rivera
cuantas veces ha participado mexico en las olimpiadas?: 84 veces
nombre del fotografo que gano el premio nacional de periodismo :Geovanny Verdezoto
En que lugar se dio el expresionismo? en Alemania
Nombre de la expo de ranas en el centro: aranarte
nomvre del director de como agua para chocoalte: alfonso araud
3 directores mexicanos: Alejandro gonzales iñarritu, guillermo del toro, alfonzo cuaron
acabo de aceptar la entrada al blog asi que lo siento por tardarme pro aqui vaa ...
de la pelicula "little miss sunshine", el guion me parecio bueno, esta sencillo, pero me gusta la idea de la crítica hacia lo superficial que son ese tipo de concursos, me parecio que la forma en la que lo presentan esta bastante clara al igual que el mesaje. Los personajes son interesantes; el papa que es el creador de un programa de como triunfar en 9 pasos, obsesionado con no ser un fracasado y tratando de dar consejos a su familia para no serlo, los cuales a fin de cuentas repercuten en el, y su programa fracasa, al igual que todas las aspiraciones de los integrantes de la familia, pero al final aprende a manejarlo y creo que cuando lo vemos ya "curado" es cuando sube a apoyar a su hija en el concurso;la madre que es la guia de toda la casa; el abuelo que es un drogadicto el cual ayuda a Olive con su rutina; el hermano, un intelectual incomprendido, cuya unica aspiracion y motivo de vida es ser aviador, en el cual también vemos un cambio al final después de darse cuenta de que es daltónico; el tio que es un gay depresivo y suicida, y por último Olive la protagonista, que apesar de no cumplir con las caracteristicas de las demás competidoras o de una niña miss sunshine, sueña con ganar el concurso. En ella recae el cambio de los demas personajes, ya que es devido a ella y su concurso que se hace el viaje en el cual la familia atraviesa una crisis.
La pelicula me parece buena, la forma en la que estan grabadas ciertas escenas es lo escencial de la pelicula, un ejemplo seria la pelea que vemos casi al principio de la pelicula los diferentes movimientos y posiciones de cámara; y también las tomas en las que vemos como suben uno por uno a la camioneta despues de empujarla.
Apesar de estas y otras tomas la pelicula es sencilla y concreta, a mi humilde punto de vista es una buena pelicula.
LAS RESPUESTAS AL EXAMEN DE CULTURA GENERAL.
¿quien pinto la Gioconda?: leonardo da vinci
quien escribio el principito?: Antoine de Saint- Exupery
quien fue el pintor del mural del palacio nacional?: Diego Rivera
cuantas veces ha participado mexico en las olimpiadas?: 84 veces
nombre del fotografo que gano el premio nacional de periodismo :Geovanny Verdezoto
En que lugar se dio el expresionismo? en Alemania
Nombre de la expo de ranas en el centro: aranarte
nomvre del director de como agua para chocoalte: alfonso araud
3 directores mexicanos: Alejandro gonzales iñarritu, guillermo del toro, alfonzo cuaron
NO ES CEGUERA SE LLAMA HUEVA!!! :$
Perdon por la tardaza o por la falta de compromiso con la clase... pero aqui esta
respuestas del examen de indiorancia!!!
La Gioconda: Leonardo da Vinci
Escritor del principito: Antoine de Saint-Exupéry
Mural de Palacio nacional: Diego Rivera
Premio nacional de foto periodismo: Geovanny Verdezoto fotografo colombiano.
Olimpiadas de mexico: PENDIENTE, NO LO HE ENCONTRADO
Nobre de exposicion de las ranas del centro: aRANArte,
Ultimo disco de luismiguel: Disco de Duetos
Pais en el que se dio el expresionismo: Alemania
Director de "Como agua para chocolate": Alfonso ARAU
Directores mexicanos: Gillermo del Toro y Alejandro González Iñárritu.
despues de que haya avanzado la ignorancia..... mi opinion sobre "little miss sunchine"
Con el poco conocimiento con el que me considero para dar un comentario sobre este Discurso, puedo decir que tiene un guion y una trama muy sencilla, bastante entendible y dijerible.
La composicion de la familia en donde: el abuelo es drogadicto, el padre creó un curso sobre cómo tener éxito y no ser un fracasado(acomplejando un poco su persona), la madre que hace de "intermediarioa” de todos, el tío (hermano de la madre) que se recupera de un intento de suicidio al ser abandonado por su novio, el hijo adolescente que lee a Nietzsche y se niega a hablar hasta que no sea piloto, y la hija pequeña Olive, con Lentes enromes y un poco llenita que quiere ganar un concurso de belleza. Una familia que aparenta ser funcional pero cae en una serie de problemas principalemente generados por el padre y su complejo de ser un perdedor.
En cuanto a las tomas, planos etc.. pues cada vez es mas sencillo (aunque no es nada facil) descubrir las diferencias entre un panning y un traveling, y sobre todo la importancia de cada uno de ellos, lo mismo con los planos, el por que se le da mas importancia a un "close up" o a una toma Americana (3/4 shoot) y sobre todo la toma que mas ocupan en la pelicula es el medium shot teniendo en el cuadro a la familia, sobre todo cuando en todo el trayecto de la camioneta.
respuestas del examen de indiorancia!!!
La Gioconda: Leonardo da Vinci
Escritor del principito: Antoine de Saint-Exupéry
Mural de Palacio nacional: Diego Rivera
Premio nacional de foto periodismo: Geovanny Verdezoto fotografo colombiano.
Olimpiadas de mexico: PENDIENTE, NO LO HE ENCONTRADO
Nobre de exposicion de las ranas del centro: aRANArte,
Ultimo disco de luismiguel: Disco de Duetos
Pais en el que se dio el expresionismo: Alemania
Director de "Como agua para chocolate": Alfonso ARAU
Directores mexicanos: Gillermo del Toro y Alejandro González Iñárritu.
despues de que haya avanzado la ignorancia..... mi opinion sobre "little miss sunchine"
Con el poco conocimiento con el que me considero para dar un comentario sobre este Discurso, puedo decir que tiene un guion y una trama muy sencilla, bastante entendible y dijerible.
La composicion de la familia en donde: el abuelo es drogadicto, el padre creó un curso sobre cómo tener éxito y no ser un fracasado(acomplejando un poco su persona), la madre que hace de "intermediarioa” de todos, el tío (hermano de la madre) que se recupera de un intento de suicidio al ser abandonado por su novio, el hijo adolescente que lee a Nietzsche y se niega a hablar hasta que no sea piloto, y la hija pequeña Olive, con Lentes enromes y un poco llenita que quiere ganar un concurso de belleza. Una familia que aparenta ser funcional pero cae en una serie de problemas principalemente generados por el padre y su complejo de ser un perdedor.
En cuanto a las tomas, planos etc.. pues cada vez es mas sencillo (aunque no es nada facil) descubrir las diferencias entre un panning y un traveling, y sobre todo la importancia de cada uno de ellos, lo mismo con los planos, el por que se le da mas importancia a un "close up" o a una toma Americana (3/4 shoot) y sobre todo la toma que mas ocupan en la pelicula es el medium shot teniendo en el cuadro a la familia, sobre todo cuando en todo el trayecto de la camioneta.
Ceguera
ciao, chicos de SegundoSemestreDeApreciaciónCinematográfica!
que hay?
no veo nada de comentarios de Little Miss Sunshine!
no veo nada de las respuestas del test de Cultura General!
no veo nada..o me uedo ciega o me quedo sin alumnos.
ustedes ven alguna otra posibilidad?
vida, belleza y decisión para ustedes!
sea!
que hay?
no veo nada de comentarios de Little Miss Sunshine!
no veo nada de las respuestas del test de Cultura General!
no veo nada..o me uedo ciega o me quedo sin alumnos.
ustedes ven alguna otra posibilidad?
vida, belleza y decisión para ustedes!
sea!
4a clase. El sonido, composición de imagen y estructura dramática.
4a Clase
1. El sonido
La banda sonora de un film está compuesta, esencialmente, con cuatro grandes tipos de sonidos:
La palabra. El uso más frecuente es el diálogo, articulado por la presencia física de unos intérpretes que hablan.
Pero tampoco hay que olvidar otras aplicaciones como la "voz en off", discurso en tercera persona y sin presencia del narrador en la imagen que, sobre todo, se usa en la estructura temporal del "flash back".
La palabra es también presente en las letras de los musicales.
La música. Con frecuencia aparece como complemento de las imágenes.
Excepto en los musicales o en biografías de compositores donde la música es protagonista.
La música de contexto es cuando se oye la música de un aparato musical que aparece o se escucha en una escena.
Los ruidos. Acompañan a las imágenes.
El silencio. La pausa o la ausencia de sonidos condiciona una determinada situación, con frecuencia de angustia. El silencio es usado dramáticamente.
El sonido real es el constituido por todos los sonidos producidos por aquellos objetos y personas que forman parte de la acción que contemplamos en la pantalla. El sonido real puede ser:
a) sincrónico: a la vez que vemos una imagen oímos los sonidos que produce.
b) asincrónico: el sonido que escuchamos no corresponde a la imagen que vemos, pero corresponde a objetos o personas de la narración o descripción, presentes en la escena pero fuera del campo de la cámara.
El sonido subjetivo, es decir, tal como se escucha por uno de los personajes de la narración. También lo es una música, ruido o palabra presentes en el recuerdo o en la imaginación de un sujeto.
El sonido expresivo es cuando todos los ruidos, palabras o música son producidos por elementos que no pertenecen propiamente a la realidad que se describe o narra. Puede ser: en superposición con el sonido real, formando con éste una especie de contrapunto orquestal. Y en substitución del sonido real, no escuchándose nada del sonido real y sí del expresivo.
La música suele usarse:
en substitución de un sonido real: disparos, explosiones, pasos..., acompañados por una música que substituye al sonido real. La música en este caso tiene el mismo ritmo que el sonido substituido.
en substitución de un sonido pensado, recordado por un personaje.
como continuación de un grito o de un ruido:
para subrayar estados psicológicos de los personajes.
como "leit-motiv": se repite un mismo tema musical siempre que aparece el mismo personaje, que hay una progresión psicológica...
como ambiente de fondo.
2. La composición de la imagen
Es la armónica distribución de los objetos dentro del cuadro.
El encuadre es el espacio delimitado por el rectángulo que se interpone entre el ojo humano y los objetos o personajes que quieren ser captados con la cámara. Sus finalidades son:
a) descriptiva: se pretende presentar la realidad con una visión objetiva, introducirnos en el mundo en el que se desarrolla la acción. Los encuadres descriptivos buscan planos largos y movimientos apropiados.
b) narrativa: se quiere dar los elementos necesarios para que se entienda objetivamente la acción. Son encuadres funcionales y su duración ha de ser la estrictamente necesaria.
c)expresiva: se busca introducir más al espectador en el mundo de lo narrado o hacerle entender el punto de vista del director. Son encuadres más subjetivos. Es preciso que se subordinen a la narración del film.
d)simbólica: se busca introducir dentro del encuadre unos elementos que subrayen, expliquen, den profundidad psicológica, etc., a la acción, personajes o objetos presentados.
La finalidad que ha de conseguir la composición de la imagen en un encuadre es que la mirada del espectador encuentre con rapidez y precisión el objeto importante, y comprenda de forma suficiente el significado. La composición ha de establecer, pues, un centro de atención.
Lo que llama más la atención en un encuadre es:
las figuras u objetos en movimiento, o con un movimiento más rápido que los otros.
las figuras u objetos que vemos en una perspectiva favorable.
lo que es más cercano a la cámara.
lo que está iluminado.
alguna cosa oscura rodeada de una gran claridad.
Otra finalidad importante de la composición es el equilibrio de líneas, superficies, volúmenes y espacio en torno al centro de atención, excepto que, por razones dramáticas, expresivas o simbólicas, interese el desequilibrio.
Formas más usuales de composición del encuadre:
En triángulo: se emplazan las figuras de tal manera que formen un triángulo con vértice en el margen superior y con base sobre el inferior.
En triángulo doble: las figuras forman dos triángulos cuyos vértices coinciden en un punto y las bases se apoyan sobre los márgenes laterales.
En diagonal: las figuras se colocan a un lado o al otro de la diagonal del rectángulo.
Con resultantes de línea quebrada o curva.
Medios utilizados para la composición:
Las líneas, superficies, volúmenes de los objetos encuadrados.
la división de una recta, de una superficie o un volumen en partes iguales carece de interés.
la división en partes desiguales atrae la atención, huye de la monotonía.
las líneas y planos horizontales producen un efecto de calma.
las verticales producen un efecto de estrechamiento que cohibe.
3. La estructura narrativa de un fílm
La trayectoria de la acción que sigue la continuidad narrativa a lo largo de la acción fílmica debe ser fluida. El paso de un conjunto de encuadres a otro lo debe marcar la acción.
El inicio: Es preciso que contenga tensión emotiva, carácter visual, dinamismo, para que capte la atención. También, debe presentar el conflicto, los personajes que intervienen, sus problemas y lo que constituirá el nucleo de atención de todo el desarrollo argumental.
El desarrollo: Para que una idea esté bien desarrollada es preciso que contenga calidad emotiva, diversas líneas de fuerza convergentes y unidad narrativa.
El desenlace: El "clímax" es el momento culminante de la narración y el desenlace la consecuencia lógica de todo lo anterior.
1. El sonido
La banda sonora de un film está compuesta, esencialmente, con cuatro grandes tipos de sonidos:
La palabra. El uso más frecuente es el diálogo, articulado por la presencia física de unos intérpretes que hablan.
Pero tampoco hay que olvidar otras aplicaciones como la "voz en off", discurso en tercera persona y sin presencia del narrador en la imagen que, sobre todo, se usa en la estructura temporal del "flash back".
La palabra es también presente en las letras de los musicales.
La música. Con frecuencia aparece como complemento de las imágenes.
Excepto en los musicales o en biografías de compositores donde la música es protagonista.
La música de contexto es cuando se oye la música de un aparato musical que aparece o se escucha en una escena.
Los ruidos. Acompañan a las imágenes.
El silencio. La pausa o la ausencia de sonidos condiciona una determinada situación, con frecuencia de angustia. El silencio es usado dramáticamente.
El sonido real es el constituido por todos los sonidos producidos por aquellos objetos y personas que forman parte de la acción que contemplamos en la pantalla. El sonido real puede ser:
a) sincrónico: a la vez que vemos una imagen oímos los sonidos que produce.
b) asincrónico: el sonido que escuchamos no corresponde a la imagen que vemos, pero corresponde a objetos o personas de la narración o descripción, presentes en la escena pero fuera del campo de la cámara.
El sonido subjetivo, es decir, tal como se escucha por uno de los personajes de la narración. También lo es una música, ruido o palabra presentes en el recuerdo o en la imaginación de un sujeto.
El sonido expresivo es cuando todos los ruidos, palabras o música son producidos por elementos que no pertenecen propiamente a la realidad que se describe o narra. Puede ser: en superposición con el sonido real, formando con éste una especie de contrapunto orquestal. Y en substitución del sonido real, no escuchándose nada del sonido real y sí del expresivo.
La música suele usarse:
en substitución de un sonido real: disparos, explosiones, pasos..., acompañados por una música que substituye al sonido real. La música en este caso tiene el mismo ritmo que el sonido substituido.
en substitución de un sonido pensado, recordado por un personaje.
como continuación de un grito o de un ruido:
para subrayar estados psicológicos de los personajes.
como "leit-motiv": se repite un mismo tema musical siempre que aparece el mismo personaje, que hay una progresión psicológica...
como ambiente de fondo.
2. La composición de la imagen
Es la armónica distribución de los objetos dentro del cuadro.
El encuadre es el espacio delimitado por el rectángulo que se interpone entre el ojo humano y los objetos o personajes que quieren ser captados con la cámara. Sus finalidades son:
a) descriptiva: se pretende presentar la realidad con una visión objetiva, introducirnos en el mundo en el que se desarrolla la acción. Los encuadres descriptivos buscan planos largos y movimientos apropiados.
b) narrativa: se quiere dar los elementos necesarios para que se entienda objetivamente la acción. Son encuadres funcionales y su duración ha de ser la estrictamente necesaria.
c)expresiva: se busca introducir más al espectador en el mundo de lo narrado o hacerle entender el punto de vista del director. Son encuadres más subjetivos. Es preciso que se subordinen a la narración del film.
d)simbólica: se busca introducir dentro del encuadre unos elementos que subrayen, expliquen, den profundidad psicológica, etc., a la acción, personajes o objetos presentados.
La finalidad que ha de conseguir la composición de la imagen en un encuadre es que la mirada del espectador encuentre con rapidez y precisión el objeto importante, y comprenda de forma suficiente el significado. La composición ha de establecer, pues, un centro de atención.
Lo que llama más la atención en un encuadre es:
las figuras u objetos en movimiento, o con un movimiento más rápido que los otros.
las figuras u objetos que vemos en una perspectiva favorable.
lo que es más cercano a la cámara.
lo que está iluminado.
alguna cosa oscura rodeada de una gran claridad.
Otra finalidad importante de la composición es el equilibrio de líneas, superficies, volúmenes y espacio en torno al centro de atención, excepto que, por razones dramáticas, expresivas o simbólicas, interese el desequilibrio.
Formas más usuales de composición del encuadre:
En triángulo: se emplazan las figuras de tal manera que formen un triángulo con vértice en el margen superior y con base sobre el inferior.
En triángulo doble: las figuras forman dos triángulos cuyos vértices coinciden en un punto y las bases se apoyan sobre los márgenes laterales.
En diagonal: las figuras se colocan a un lado o al otro de la diagonal del rectángulo.
Con resultantes de línea quebrada o curva.
Medios utilizados para la composición:
Las líneas, superficies, volúmenes de los objetos encuadrados.
la división de una recta, de una superficie o un volumen en partes iguales carece de interés.
la división en partes desiguales atrae la atención, huye de la monotonía.
las líneas y planos horizontales producen un efecto de calma.
las verticales producen un efecto de estrechamiento que cohibe.
3. La estructura narrativa de un fílm
La trayectoria de la acción que sigue la continuidad narrativa a lo largo de la acción fílmica debe ser fluida. El paso de un conjunto de encuadres a otro lo debe marcar la acción.
El inicio: Es preciso que contenga tensión emotiva, carácter visual, dinamismo, para que capte la atención. También, debe presentar el conflicto, los personajes que intervienen, sus problemas y lo que constituirá el nucleo de atención de todo el desarrollo argumental.
El desarrollo: Para que una idea esté bien desarrollada es preciso que contenga calidad emotiva, diversas líneas de fuerza convergentes y unidad narrativa.
El desenlace: El "clímax" es el momento culminante de la narración y el desenlace la consecuencia lógica de todo lo anterior.
domingo, 10 de agosto de 2008
3a clase
3a clase de AC
I. La escala
Los esenciales: La escala, el ángulo y la iluminación.
Los integrales: El color, el sonido...
Al encuadre se le llama comúnmente plano. El plano es el conjunto de imágenes que constituyen una misma toma. La planificación es la relación de distancia y tamaño entre la cámara y el motivo.
Si tomamos la figura humana como medida, según ocupe una mayor o menor escala en la pantalla, el plano se llama:
Pan Shot o extreme long shot (Gran plano general), muestra un gran escenario o una multitud. La persona no está o bien queda diluida en el entorno, lejana, perdida, pequeña, masificada. Tiene un valor descriptivo y puede adquirir un valor dramático cuando se pretende destacar la soledad o la pequeñez del hombre enfrente del medio.
Long shot. (Plano general) muestra un escenario amplio en el cual se incorpora la persona, y ocupa entre una 1/3 y una 1/4 parte del encuadre. Tiene un valor descriptivo.
Medium shot (Plano de conjunto), abraza un pequeño grupo de personas o un ambiente determinado. Interesa la acción y la situación de los personajes.
Full shot (plano figura), cuando los límites superior e inferior del cuadro casi coinciden con la cabeza y los pies de la figura humana. Tiene un valor narrativo pero comienza a potenciar el valor expresivo o dramático.
Three quarte shot (Plano americano) (o 3/4). Los límites inferior y superior de la pantalla coinciden con la cabeza y las rodillas de la persona. Tiene un valor narrativo y dramático.
Medium long shot (Plano medio largo). Presenta la figura humana cortada por la cintura, de medio cuerpo para arriba. También hay el plano medio corto (el busto) y el plano medio largo (de la pantorrilla para arriba). Tiene un valor expresivo y dramático, pero también narrativo.
Medium close Shot. (plano medio corto) presenta la figura humana cuya línea inferior se encuentra bajo las axilas.
Close Up. (Primer plano). El rostro entero de la persona. Tiene un valor expresivo, psicológico y dramático. cuando la cabeza llena el encuadre.
Semi close up. Muestra una parte del rostro o del cuerpo. Potencia los valores del primer plano, aunque que también puede ser meramente descriptivo.
Plano corto. encuadre de una persona desde encima de las cejas hasta la mitad de la barbilla.
Extreme close-up shot (plano detalle). Muestra un objeto o una parte de un objeto. Puede tener un valor descriptivo, narrativo, simbólico o dramático
Over the sholder shot. Plano sobre el hombro: cuando se toma a dos personas en diálogo, una de espaldas (desde el cogote), y otra de frente que abarca dos tercios de la pantalla.
Sequence shot (Plano secuencia): es una forma de filmar, en el que en una toma única se hacen todos los cambios y movimientos de cámara necesarios. No suelen hacerse muy largas por la dificultad de rodaje que entrañan.
Point of view shot o plano subjetivo o punto de vista: cuando la cámara sustituye la mirada de un personaje.
Loosely framer o encuandre suelto
La profundidad de campo es el espacio entre el primer término y el último que se enfocan en un mismo encuadre. Se utiliza como elemento de gran valor dramático y psicológico.
Los objetivos gran angular tienen una gran profundidad de campo y sacan los fondos enfocados, al revés de los teleobjetivos que tienen poca profundidad y por eso sacan fondos desenfocados.
La escena es una serie de planos que forman parte de una misma acción o también ambiente dentro de un espacio y de un tiempo concretos.
La secuencia es una serie de escenas que forman parte de una misma unidad narrativa.
El plano-secuencia es un plano de mucha duración que se convierte por si misma en una secuencia; es una secuencia que se rueda en un solo plano, en una única toma y que conserva las unidades espaciales y temporales.
II. Los ángulos
Al tomar vistas con una cámara, normalmente el eje óptico (línea imaginaria que une el centro del encuadre con el centro del objetivo) de la cámara coincide con la línea recta que va desde nuestro punto de vista hasta el horizonte. Pero en lugar de eso, puede formar diversos ángulos con respecto a él y entonces la cámara adopta diversas posiciones o ángulos. La angulación es la diferencia que hay entre el nivel de la toma y el motivo que se filma.
Eye level shot o Normal. El nivel de la toma coincide con el centro geométrico del objetivo o bien con la mirada de la figura humana. La cámara está situada a la altura de los ojos de los personajes, independientemente de su postura.
High angle (Picado). Cámara inclinada hacia el suelo. Sirve para describir un paisaje o un grupo de personajes, expresa la inferioridad o la humillación de un sujeto, o la impresión de pesadez, ruina, fatalidad... El eje óptico puede llegar a ser totalmente perpendicular al eje horizontal, mirando la cámara hacia abajo ("vista de pájaro").
Low angle (Contrapicado). Cámara inclinada hacia arriba. Físicamente alarga los personajes, crea una visión deformada; expresa exaltación de superioridad, de triunfo... El eje óptico puede llegar a ser totalmente perpendicular al eje horizontal, mirando la cámara hacia arriba ("vista de gusano").
Tiltls (Inclinado). Si la cámara está inclinada, entonces la angulación también lo está y el plano que se obtiene también.
Bird´s eye shot o toma de pájaro
Top shot: toma desde arriba.
Hand-heal shot: toma con cámara portátil.
Ángulo imposible. Se consigue por medio de efectos, trucajes, manipulación del decorado... (una imagen tomada desde dentro de una nevera abierta, p.ej.) La subjetiva es cuando el visor de la cámara se identifica con el punto de vista de uno de los personajes creando una sensación de perspectiva subjetiva o mediatizada.
La perspectiva favorable: Un buen encuadre es aquel en el que todos los elementos necesarios en el momento de la descripción o narración cinematográfica muestran sus formas en mejores condiciones de visibilidad. En el rostro humano, la perspectiva favorable no es ni la posición frontal ni la de perfil a la cámara, sino la posición de 3/4.
III. La luz
Hay tres elementos que condicionan la iluminación fílmica: el movimiento de los actores y objetos delante de la cámara, la sucesión de un plano a otro y la continuidad de luz entre ambos, y la rapidez de la sucesión de los planos que exige a la luz el papel de dar a conocer con precisión lo que sucede e interesa más de cada plano.
Clase de luz:
Natural. Proporcionada por la misma luminosidad del día.
Artificial. Proporcionada por la iluminación artificial.
La luz difusa se obtiene por medio de difusores y no produce sombras, distribuyéndose de forma uniforme. Imita o refuerza efectos naturales de la luz ambiente.
La luz directa produce sombras en los objetos y sombras proyectadas por éstos. Se consigue el modelado de los volúmenes de los objetos produciendo sombras convenientemente estudiadas en su superficie, el dibujo de los contornos de los objetos con haces de luz directa que caen desde arriba y en dirección contraria al ángulo de la cámara, y el contraluz situando la cámara encarada hacia los haces luminosos.
Estilos de iluminación:
De manchas. Consiste en distribuir por las superficies y perfiles del decorado, escasamente iluminado con una débil luz difusa, todo un conjunto de manchas luminosas.
De zonas. Consiste en crear una serie escalonada de zonas de luz de mayor a menor luminosidad. Este sistema centra la atención, ayuda a expresar la distancia, y crea un ambiente.
De masas. Imita el efecto natural de la luz. No es preciso que el motivo esté constantemente iluminado.
IV. El tono y el color
El diferente grado de luz que un objeto absorbe o rechaza dará como resultado en la imagen unos valores de tono que irán desde el blanco al negro, pasando por una serie de grises. Toda la gama de tonos posibles constituye la escala de tonos.
La mirada se dirige a lo más iluminado, al tono más claro antes que a las zonas más oscuras.
Al contrario, si se da un encuadre de gran calidad, lo primero que atraerá la mirada será un objeto oscuro.
Usos del color en el cine:
El color pictórico. Intenta evocar el colorido de los cuadros e incluso su composición.
El color histórico. Intenta recrear la atmósfera cromática de una época.
El color simbólico. Se usan los colores en determinados planos para sugerir y subrayar efectos determinados.
El color psicológico. Cada color produce un efecto anímico diferente. Los colores fríos (verde, azul, violeta) deprimen y los cálidos (rojo, naranja, amarillo) exaltan.
El color y la perspectiva: los colores cálidos dan impresión de proximidad, y los fríos de lejanía. También influye el valor de la intensidad tonal de cada color: los valores altos, iluminados, sugieren grandiosidad, lejanía, vacío... Los valores bajos, poco iluminados, sugieren aproximación.
Los fondos iluminados y claros intensifican los colores, dan ambiente de alegría y los objetos tienen más importancia en su conjunto. Los fondos oscuros debilitan los colores, entristecen los objetos que se difuminan y pierden importancia en el conjunto.
El color sirve para centrar la atención, favorecer el ritmo en la narración y en el montaje, y expresar con más fuerza ciertos momentos.
I. La escala
Los esenciales: La escala, el ángulo y la iluminación.
Los integrales: El color, el sonido...
Al encuadre se le llama comúnmente plano. El plano es el conjunto de imágenes que constituyen una misma toma. La planificación es la relación de distancia y tamaño entre la cámara y el motivo.
Si tomamos la figura humana como medida, según ocupe una mayor o menor escala en la pantalla, el plano se llama:
Pan Shot o extreme long shot (Gran plano general), muestra un gran escenario o una multitud. La persona no está o bien queda diluida en el entorno, lejana, perdida, pequeña, masificada. Tiene un valor descriptivo y puede adquirir un valor dramático cuando se pretende destacar la soledad o la pequeñez del hombre enfrente del medio.
Long shot. (Plano general) muestra un escenario amplio en el cual se incorpora la persona, y ocupa entre una 1/3 y una 1/4 parte del encuadre. Tiene un valor descriptivo.
Medium shot (Plano de conjunto), abraza un pequeño grupo de personas o un ambiente determinado. Interesa la acción y la situación de los personajes.
Full shot (plano figura), cuando los límites superior e inferior del cuadro casi coinciden con la cabeza y los pies de la figura humana. Tiene un valor narrativo pero comienza a potenciar el valor expresivo o dramático.
Three quarte shot (Plano americano) (o 3/4). Los límites inferior y superior de la pantalla coinciden con la cabeza y las rodillas de la persona. Tiene un valor narrativo y dramático.
Medium long shot (Plano medio largo). Presenta la figura humana cortada por la cintura, de medio cuerpo para arriba. También hay el plano medio corto (el busto) y el plano medio largo (de la pantorrilla para arriba). Tiene un valor expresivo y dramático, pero también narrativo.
Medium close Shot. (plano medio corto) presenta la figura humana cuya línea inferior se encuentra bajo las axilas.
Close Up. (Primer plano). El rostro entero de la persona. Tiene un valor expresivo, psicológico y dramático. cuando la cabeza llena el encuadre.
Semi close up. Muestra una parte del rostro o del cuerpo. Potencia los valores del primer plano, aunque que también puede ser meramente descriptivo.
Plano corto. encuadre de una persona desde encima de las cejas hasta la mitad de la barbilla.
Extreme close-up shot (plano detalle). Muestra un objeto o una parte de un objeto. Puede tener un valor descriptivo, narrativo, simbólico o dramático
Over the sholder shot. Plano sobre el hombro: cuando se toma a dos personas en diálogo, una de espaldas (desde el cogote), y otra de frente que abarca dos tercios de la pantalla.
Sequence shot (Plano secuencia): es una forma de filmar, en el que en una toma única se hacen todos los cambios y movimientos de cámara necesarios. No suelen hacerse muy largas por la dificultad de rodaje que entrañan.
Point of view shot o plano subjetivo o punto de vista: cuando la cámara sustituye la mirada de un personaje.
Loosely framer o encuandre suelto
La profundidad de campo es el espacio entre el primer término y el último que se enfocan en un mismo encuadre. Se utiliza como elemento de gran valor dramático y psicológico.
Los objetivos gran angular tienen una gran profundidad de campo y sacan los fondos enfocados, al revés de los teleobjetivos que tienen poca profundidad y por eso sacan fondos desenfocados.
La escena es una serie de planos que forman parte de una misma acción o también ambiente dentro de un espacio y de un tiempo concretos.
La secuencia es una serie de escenas que forman parte de una misma unidad narrativa.
El plano-secuencia es un plano de mucha duración que se convierte por si misma en una secuencia; es una secuencia que se rueda en un solo plano, en una única toma y que conserva las unidades espaciales y temporales.
II. Los ángulos
Al tomar vistas con una cámara, normalmente el eje óptico (línea imaginaria que une el centro del encuadre con el centro del objetivo) de la cámara coincide con la línea recta que va desde nuestro punto de vista hasta el horizonte. Pero en lugar de eso, puede formar diversos ángulos con respecto a él y entonces la cámara adopta diversas posiciones o ángulos. La angulación es la diferencia que hay entre el nivel de la toma y el motivo que se filma.
Eye level shot o Normal. El nivel de la toma coincide con el centro geométrico del objetivo o bien con la mirada de la figura humana. La cámara está situada a la altura de los ojos de los personajes, independientemente de su postura.
High angle (Picado). Cámara inclinada hacia el suelo. Sirve para describir un paisaje o un grupo de personajes, expresa la inferioridad o la humillación de un sujeto, o la impresión de pesadez, ruina, fatalidad... El eje óptico puede llegar a ser totalmente perpendicular al eje horizontal, mirando la cámara hacia abajo ("vista de pájaro").
Low angle (Contrapicado). Cámara inclinada hacia arriba. Físicamente alarga los personajes, crea una visión deformada; expresa exaltación de superioridad, de triunfo... El eje óptico puede llegar a ser totalmente perpendicular al eje horizontal, mirando la cámara hacia arriba ("vista de gusano").
Tiltls (Inclinado). Si la cámara está inclinada, entonces la angulación también lo está y el plano que se obtiene también.
Bird´s eye shot o toma de pájaro
Top shot: toma desde arriba.
Hand-heal shot: toma con cámara portátil.
Ángulo imposible. Se consigue por medio de efectos, trucajes, manipulación del decorado... (una imagen tomada desde dentro de una nevera abierta, p.ej.) La subjetiva es cuando el visor de la cámara se identifica con el punto de vista de uno de los personajes creando una sensación de perspectiva subjetiva o mediatizada.
La perspectiva favorable: Un buen encuadre es aquel en el que todos los elementos necesarios en el momento de la descripción o narración cinematográfica muestran sus formas en mejores condiciones de visibilidad. En el rostro humano, la perspectiva favorable no es ni la posición frontal ni la de perfil a la cámara, sino la posición de 3/4.
III. La luz
Hay tres elementos que condicionan la iluminación fílmica: el movimiento de los actores y objetos delante de la cámara, la sucesión de un plano a otro y la continuidad de luz entre ambos, y la rapidez de la sucesión de los planos que exige a la luz el papel de dar a conocer con precisión lo que sucede e interesa más de cada plano.
Clase de luz:
Natural. Proporcionada por la misma luminosidad del día.
Artificial. Proporcionada por la iluminación artificial.
La luz difusa se obtiene por medio de difusores y no produce sombras, distribuyéndose de forma uniforme. Imita o refuerza efectos naturales de la luz ambiente.
La luz directa produce sombras en los objetos y sombras proyectadas por éstos. Se consigue el modelado de los volúmenes de los objetos produciendo sombras convenientemente estudiadas en su superficie, el dibujo de los contornos de los objetos con haces de luz directa que caen desde arriba y en dirección contraria al ángulo de la cámara, y el contraluz situando la cámara encarada hacia los haces luminosos.
Estilos de iluminación:
De manchas. Consiste en distribuir por las superficies y perfiles del decorado, escasamente iluminado con una débil luz difusa, todo un conjunto de manchas luminosas.
De zonas. Consiste en crear una serie escalonada de zonas de luz de mayor a menor luminosidad. Este sistema centra la atención, ayuda a expresar la distancia, y crea un ambiente.
De masas. Imita el efecto natural de la luz. No es preciso que el motivo esté constantemente iluminado.
IV. El tono y el color
El diferente grado de luz que un objeto absorbe o rechaza dará como resultado en la imagen unos valores de tono que irán desde el blanco al negro, pasando por una serie de grises. Toda la gama de tonos posibles constituye la escala de tonos.
La mirada se dirige a lo más iluminado, al tono más claro antes que a las zonas más oscuras.
Al contrario, si se da un encuadre de gran calidad, lo primero que atraerá la mirada será un objeto oscuro.
Usos del color en el cine:
El color pictórico. Intenta evocar el colorido de los cuadros e incluso su composición.
El color histórico. Intenta recrear la atmósfera cromática de una época.
El color simbólico. Se usan los colores en determinados planos para sugerir y subrayar efectos determinados.
El color psicológico. Cada color produce un efecto anímico diferente. Los colores fríos (verde, azul, violeta) deprimen y los cálidos (rojo, naranja, amarillo) exaltan.
El color y la perspectiva: los colores cálidos dan impresión de proximidad, y los fríos de lejanía. También influye el valor de la intensidad tonal de cada color: los valores altos, iluminados, sugieren grandiosidad, lejanía, vacío... Los valores bajos, poco iluminados, sugieren aproximación.
Los fondos iluminados y claros intensifican los colores, dan ambiente de alegría y los objetos tienen más importancia en su conjunto. Los fondos oscuros debilitan los colores, entristecen los objetos que se difuminan y pierden importancia en el conjunto.
El color sirve para centrar la atención, favorecer el ritmo en la narración y en el montaje, y expresar con más fuerza ciertos momentos.
domingo, 3 de agosto de 2008
2a clase. Lenguaje cinematográfico. Aumentado y corregido!
International Actors Institute
Apreciación Cinematográfica
2ª clase
Objetivo: Localizar y argumentar de manera crítica los elementos estéticos y de realización de un discurso cinematográfico.
1. Conceptos básicos del lenguaje cinematográfico I
a) El espacio fílmico
El espacio fílmico
Al montar los diversos fragmentos de película que componen una escena se crea un espacio y un ambiente nuevos que surgen de la imagen y que capta el espectador, que tiene la impresión que los fragmentos reunidos constituyen una acción unitaria.
Dos tipos de espacio:
i. el geográfico, que se utiliza para situar la acción en cualquier punto de la geografía.
ii. el dramático, que se utiliza para localizar y ambientar la psicología de los personajes y situaciones. Es un recurso muy usado para subrayar ideas o sentimientos.
Ejercicio
Un joven avanza de derecha a izquierda.
Una mujer va de izquierda a derecha.
Se encuentran y se dan la mano. El joven señala con la mano cualquier cosa.
Un gran edificio blanco con una escalera.
Ambos suben la escalera.
Cada fragmento fue filmado en lugares diferentes, pero el montaje creó un espacio nuevo inexistente en la realidad pero que para el espectador resulta real.
b) El tiempo fílmico
El tiempo en el cine es diferente al tiempo real. Es un tiempo variable, no necesariamente lineal, que incluso se puede acelerar o invertir.
Las formas de utilización del tiempo fílmico son:
Adecuación: Igualdad entre el tiempo de acción y el de proyección.
Condensación: Mucha acción en poco tiempo.
Distensión: Alargamiento subjetivo de la duración objetiva de una acción.
Continuidad: El tiempo de la realidad fluye en la misma dirección que el fílmico.
Simultaneidad: Se alternan dos tiempos vitales en donde la acción pasa de uno al otro.
Flash back: Salto atrás en el tiempo. Se retrocede a épocas anteriores. El recuerdo de alguien suele ser el procedimiento más habitual.
Tiempo psicológico: Una serie de planos largos con escasa acción puede aumentar la impresión de duración del film. Al contrario sucede con planos de corta duración y donde pasan cosas de gran interés. (Mientras que el primer caso caracteriza a los films psicológicos, el segundo hace referencia a los films de acción.)
Elipsis: Supresión de los elementos tanto narrativos como descriptivos de una historia, de tal manera que a pesar de estar suprimidos se dan los datos suficientes para poderlos suponer como sucedidos o existentes.
Recursos para representar el pasado: virajes de color o de color a blanco y negro, dobles pantallas, sobreimpresiones...
Recursos para representar el paso del tiempo: las hojas de un calendario van cayendo, un reloj, una vela o un cigarrillo que se van consumiendo, los cambios de luz natural, los cambios de estaciones del año, la evolución física de una persona, las sobreimpresiones...
c) El movimiento
En los films aparecen dos tipos de movimientos:
El movimiento dentro del encuadre, en el que la cámara queda inmóvil mientras los personajes se mueven dentro del cuadro. También se puede obtener por fragmentos, por medio del montaje (se hacen tomas de la acción desde ángulos diferentes y después se montan dando continuidad dramática a la acción). los movimientos de rotación se suelen realizar alrededor de tres ejes, perpendiculares entre sí, que pasan por el centro de la cámara, siendo uno de ellos el eje óptico.
Según la cámara se apoye en uno de los ejes tendremos un movimiento diferente:
Pan shot o Panorámica horizontal, de derecha a izquierda o al revés.
Panorámica vertical, ascendente o descendente.
Panorámica oblicua, combinación de las dos anteriores.
Panorámica circular, en un ángulo de 360 grados.
El movimiento de la cámara se obtiene a partir de su propia rotación sin que se desplace, con desplazamiento o combinando ambos procedimientos.
El pan shot movimiento de balanceo. Las panorámicas tienen diferentes usos: el descriptivo (nos da a conocer el escenario), el dramático (presentación de los diversos elementos de la acción) y del subjetivo (en función de los personajes u objetos que se desplazan).
En los movimientos de translación la cámara puede tener diversos movimientos o travellings, que se pueden realizar físicamente (desplazando la cámara) u ópticamente (por medio del "zoom"):
Close focus shot o Travelling de profundidad de aproximación, donde la cámara se traslada de un plano lejano a otro más cercano. Suele tener una función psicológica y dramática (iniciar un "flash back").
Deep focus shot o Travelling de profundidad de alejamiento, donde la cámara se aleja de un motivo encuadrado desde muy cercano. Tiene una función descriptiva, dramática (finalizar un "flash back").
Downward motion o upward motion o Travelling vertical: la cámara sube o baja acompañando al sujeto.
Travelling paralelo: la cámara acompaña el motivo lateralmente.
Travelling circular: describe 360 grados alrededor del motivo.
Travelling divergente: modifica la perspectiva del espectador distorsionando la relación entre cámara y motivo.
Crane shot (Grúa): se utiliza el eje vertical y puede conseguir toda clase de combinaciones de movimientos.
Otros movimientos: slow motion o cámara lenta o fast motion o cámara rápida (cambiando la velocidad de las tomas fotográficas), reverse motion o marcha atrás de las figuras, frezee frame o imagen congeada...
El movimiento también tiene diversas funciones: descriptivas (acompañamiento del motivo en movimiento, creación de un movimiento ilusorio en un objeto estático, descripción de un espacio o de una acción con sentido dramático unívoco) y dramáticas (definición de las relaciones espaciales entre dos elementos de la acción, relieve dramático de un personaje o de un objeto importante, expresión subjetiva del punto de vista de un personaje, expresión de la tensión mental de un personaje).
d) El ritmo
Es la impresión dinámica dada por la duración de los planos, las intensidades dramáticas y, en último caso, por efecto del montaje. Sin embargo, el ritmo del cine es ritmo visual de la imagen, ritmo auditivo del sonido y ritmo narrativo de la acción.
El ritmo se crea:
Con la duración material y psicológica de los planos. Según cual sea la duración de los planos, el film tendrá un ritmo u otro. Motivos cercanos piden el cambio rápido del plano, porque se capta rápidamente lo que contienen; el contrario pasa con planos que presentan motivos lejanos.
Planos de duración más larga crean un ritmo lento. Se pueden obtener efectos de aburrimiento, monotonía, miseria material o moral de un personaje, ambientes contemplativos...
Planos de corta duración crean un ritmo rápido. Se pueden obtener efectos de impresión de gran actividad, agilidad, de esfuerzo, de ambiente de tragedia fatal, de choque violento...
Por lo que respecta a la escala, la capacidad de asimilación del espectador hace que los planos generales hayan de tener una duración más larga que no los primeros planos.
El ritmo de un film también está supeditado a la dinámica del movimiento, tanto por parte de la cámara como de los elementos representados.
No obstante, normalmente en un film el ritmo varía en función del tema o del dramatismo de las escenas. El equilibrio en la duración de los planos se ha de mantener con una cierta lógica en cada secuencia, pero no forzosamente a lo largo de todo el film.
Con los elementos visuales encuadrados. La combinación de los diversos planos pueden acelerar o retardar el ritmo.
Una sucesión de primeros planos produce un ritmo de gran tensión dramática.
Una sucesión de planos generales con imágenes amplias y luminosas dan una sensación de optimismo, al contrario que si se trata de imágenes con grandes sombras que producen tristeza.
Un paso de plano general a otro de más cerrado puede producir una aceleración del acontecimiento gracias al aumento de tensión que ocasiona.
Lo contrario, de planos cortos a largos, puede producir tanto un efecto de hundimiento como el de calma.
Los movimientos de cámara colaboran en crear dentro de un plano un movimiento, que quizá la misma escena no tiene.
La composición interna de las líneas del encuadre puede provocar una modalidad propia en el ritmo del montaje.
Otro recurso de ritmo será basado en los elementos de la banda sonora.
Clases de ritmo:
Analítico: Planos cortos y muy numerosos; es un ritmo rápido que se traduce en dinamismo, dramatismo, actividad, esfuerzo...
Sintético: Planos largos y poco numerosos; resulta un ritmo lento, puede expresar sensualidad, monotonía, poesía...
"In crescendo": Planos cada vez más breves (tensión, dramatismo); planos cada vez más largos (relajación, serenidad).
Arrítmico: Los planos son breves o largos, sin tonalidad especial. A veces cambian repentinamente aportando sorpresa.
Apreciación Cinematográfica
2ª clase
Objetivo: Localizar y argumentar de manera crítica los elementos estéticos y de realización de un discurso cinematográfico.
1. Conceptos básicos del lenguaje cinematográfico I
a) El espacio fílmico
El espacio fílmico
Al montar los diversos fragmentos de película que componen una escena se crea un espacio y un ambiente nuevos que surgen de la imagen y que capta el espectador, que tiene la impresión que los fragmentos reunidos constituyen una acción unitaria.
Dos tipos de espacio:
i. el geográfico, que se utiliza para situar la acción en cualquier punto de la geografía.
ii. el dramático, que se utiliza para localizar y ambientar la psicología de los personajes y situaciones. Es un recurso muy usado para subrayar ideas o sentimientos.
Ejercicio
Un joven avanza de derecha a izquierda.
Una mujer va de izquierda a derecha.
Se encuentran y se dan la mano. El joven señala con la mano cualquier cosa.
Un gran edificio blanco con una escalera.
Ambos suben la escalera.
Cada fragmento fue filmado en lugares diferentes, pero el montaje creó un espacio nuevo inexistente en la realidad pero que para el espectador resulta real.
b) El tiempo fílmico
El tiempo en el cine es diferente al tiempo real. Es un tiempo variable, no necesariamente lineal, que incluso se puede acelerar o invertir.
Las formas de utilización del tiempo fílmico son:
Adecuación: Igualdad entre el tiempo de acción y el de proyección.
Condensación: Mucha acción en poco tiempo.
Distensión: Alargamiento subjetivo de la duración objetiva de una acción.
Continuidad: El tiempo de la realidad fluye en la misma dirección que el fílmico.
Simultaneidad: Se alternan dos tiempos vitales en donde la acción pasa de uno al otro.
Flash back: Salto atrás en el tiempo. Se retrocede a épocas anteriores. El recuerdo de alguien suele ser el procedimiento más habitual.
Tiempo psicológico: Una serie de planos largos con escasa acción puede aumentar la impresión de duración del film. Al contrario sucede con planos de corta duración y donde pasan cosas de gran interés. (Mientras que el primer caso caracteriza a los films psicológicos, el segundo hace referencia a los films de acción.)
Elipsis: Supresión de los elementos tanto narrativos como descriptivos de una historia, de tal manera que a pesar de estar suprimidos se dan los datos suficientes para poderlos suponer como sucedidos o existentes.
Recursos para representar el pasado: virajes de color o de color a blanco y negro, dobles pantallas, sobreimpresiones...
Recursos para representar el paso del tiempo: las hojas de un calendario van cayendo, un reloj, una vela o un cigarrillo que se van consumiendo, los cambios de luz natural, los cambios de estaciones del año, la evolución física de una persona, las sobreimpresiones...
c) El movimiento
En los films aparecen dos tipos de movimientos:
El movimiento dentro del encuadre, en el que la cámara queda inmóvil mientras los personajes se mueven dentro del cuadro. También se puede obtener por fragmentos, por medio del montaje (se hacen tomas de la acción desde ángulos diferentes y después se montan dando continuidad dramática a la acción). los movimientos de rotación se suelen realizar alrededor de tres ejes, perpendiculares entre sí, que pasan por el centro de la cámara, siendo uno de ellos el eje óptico.
Según la cámara se apoye en uno de los ejes tendremos un movimiento diferente:
Pan shot o Panorámica horizontal, de derecha a izquierda o al revés.
Panorámica vertical, ascendente o descendente.
Panorámica oblicua, combinación de las dos anteriores.
Panorámica circular, en un ángulo de 360 grados.
El movimiento de la cámara se obtiene a partir de su propia rotación sin que se desplace, con desplazamiento o combinando ambos procedimientos.
El pan shot movimiento de balanceo. Las panorámicas tienen diferentes usos: el descriptivo (nos da a conocer el escenario), el dramático (presentación de los diversos elementos de la acción) y del subjetivo (en función de los personajes u objetos que se desplazan).
En los movimientos de translación la cámara puede tener diversos movimientos o travellings, que se pueden realizar físicamente (desplazando la cámara) u ópticamente (por medio del "zoom"):
Close focus shot o Travelling de profundidad de aproximación, donde la cámara se traslada de un plano lejano a otro más cercano. Suele tener una función psicológica y dramática (iniciar un "flash back").
Deep focus shot o Travelling de profundidad de alejamiento, donde la cámara se aleja de un motivo encuadrado desde muy cercano. Tiene una función descriptiva, dramática (finalizar un "flash back").
Downward motion o upward motion o Travelling vertical: la cámara sube o baja acompañando al sujeto.
Travelling paralelo: la cámara acompaña el motivo lateralmente.
Travelling circular: describe 360 grados alrededor del motivo.
Travelling divergente: modifica la perspectiva del espectador distorsionando la relación entre cámara y motivo.
Crane shot (Grúa): se utiliza el eje vertical y puede conseguir toda clase de combinaciones de movimientos.
Otros movimientos: slow motion o cámara lenta o fast motion o cámara rápida (cambiando la velocidad de las tomas fotográficas), reverse motion o marcha atrás de las figuras, frezee frame o imagen congeada...
El movimiento también tiene diversas funciones: descriptivas (acompañamiento del motivo en movimiento, creación de un movimiento ilusorio en un objeto estático, descripción de un espacio o de una acción con sentido dramático unívoco) y dramáticas (definición de las relaciones espaciales entre dos elementos de la acción, relieve dramático de un personaje o de un objeto importante, expresión subjetiva del punto de vista de un personaje, expresión de la tensión mental de un personaje).
d) El ritmo
Es la impresión dinámica dada por la duración de los planos, las intensidades dramáticas y, en último caso, por efecto del montaje. Sin embargo, el ritmo del cine es ritmo visual de la imagen, ritmo auditivo del sonido y ritmo narrativo de la acción.
El ritmo se crea:
Con la duración material y psicológica de los planos. Según cual sea la duración de los planos, el film tendrá un ritmo u otro. Motivos cercanos piden el cambio rápido del plano, porque se capta rápidamente lo que contienen; el contrario pasa con planos que presentan motivos lejanos.
Planos de duración más larga crean un ritmo lento. Se pueden obtener efectos de aburrimiento, monotonía, miseria material o moral de un personaje, ambientes contemplativos...
Planos de corta duración crean un ritmo rápido. Se pueden obtener efectos de impresión de gran actividad, agilidad, de esfuerzo, de ambiente de tragedia fatal, de choque violento...
Por lo que respecta a la escala, la capacidad de asimilación del espectador hace que los planos generales hayan de tener una duración más larga que no los primeros planos.
El ritmo de un film también está supeditado a la dinámica del movimiento, tanto por parte de la cámara como de los elementos representados.
No obstante, normalmente en un film el ritmo varía en función del tema o del dramatismo de las escenas. El equilibrio en la duración de los planos se ha de mantener con una cierta lógica en cada secuencia, pero no forzosamente a lo largo de todo el film.
Con los elementos visuales encuadrados. La combinación de los diversos planos pueden acelerar o retardar el ritmo.
Una sucesión de primeros planos produce un ritmo de gran tensión dramática.
Una sucesión de planos generales con imágenes amplias y luminosas dan una sensación de optimismo, al contrario que si se trata de imágenes con grandes sombras que producen tristeza.
Un paso de plano general a otro de más cerrado puede producir una aceleración del acontecimiento gracias al aumento de tensión que ocasiona.
Lo contrario, de planos cortos a largos, puede producir tanto un efecto de hundimiento como el de calma.
Los movimientos de cámara colaboran en crear dentro de un plano un movimiento, que quizá la misma escena no tiene.
La composición interna de las líneas del encuadre puede provocar una modalidad propia en el ritmo del montaje.
Otro recurso de ritmo será basado en los elementos de la banda sonora.
Clases de ritmo:
Analítico: Planos cortos y muy numerosos; es un ritmo rápido que se traduce en dinamismo, dramatismo, actividad, esfuerzo...
Sintético: Planos largos y poco numerosos; resulta un ritmo lento, puede expresar sensualidad, monotonía, poesía...
"In crescendo": Planos cada vez más breves (tensión, dramatismo); planos cada vez más largos (relajación, serenidad).
Arrítmico: Los planos son breves o largos, sin tonalidad especial. A veces cambian repentinamente aportando sorpresa.
Retornamosssssssssssssssss!
ciao, actores!
regresamos tal cual al stress y la vida galante de nuestro campus...
acaso no sienten una emoción densa y pegajosa al respecto?
si no...equilbraremos esta danza tan bien como podamos.
trabajos y comentarios acá para compartirlos con todo INAI!
vida, belleza y harta convicción para ustedes!
sea!
Cyrana
martes, 24 de junio de 2008
a true story. césar chao.
A True Store
-Una Historia Real-
Tras haber visto este cortometraje en la infinitamente grande red del internet, me resulta complicado tratar de saber si David Michan y Kart Hall han tenido alguna profundidad en el arte del cine –en este caso cortometraje- lo que si, es que no hay más nombres durante el cast, al final del film.
De bajo presupuesto, el par de jóvenes en la materia, nos presentan un breve argumento plantado sobre tres sets, así como una historia determinante que aborda la inexistencia de un ser.
Quizás alguien, más de una ves, ha pensado: que me trague la tierra. Y son estas palabras las que en este trailer se abordan, el hecho de que dejes de existir, existiendo.
Como alguna ves legendizaron a Jim Morrison, que vivía en África bajo otro ritmo de vida.
Me hace recordar el muy buen trama que estelariza Gael García y Natalia Verbeke en “Don’t with the i”. En el cual hay una escena de suicidio y una consecuencia parecida.
Aunque si bien, cayó mas peso sobre la idea de ser famoso, durante 15 min, que lo antes mencionado, lo cual me hace pensar que incoherentemente, el cortometraje, de cualquier forma no se ha hecho ver en toda “América”, como ellos llaman a su país al referirse a la zona de publico objetivo.
Fuera de este par de ideas, me parece el montaje demasiado trillado y repetitivo sobre lo que se ha venido haciendo dentro de la industria, quizás el modelo de fragmentación, en el cual, el principio lo mandan atrás y viceversa con el final.
Odio la manera con la que abordan el mismo morbo que mencionan durante la entrevista el cual, lo único que resulta como consecuencia es el lucro, cosa en la cual no soy partidirario a la hora de usar el cine, de otra manera si hubieran terminado como producto televisivo, lo apoyaría, pero el cine funge como el séptimo arte, y como arte se merece el respeto de: no lucro.
El guión me pareció divertido en su primera parte, aunque nada fuera de lo común, con lo que lo clasifico como normal, ni malo, no bueno, y aplaudo la manera de sobre llevar la cámara, ya que bien dirigida, con tomas en su mayoría estáticas, hacen sentir a uno como espectador entretenido con el corto hasta el final a sus diez minutos de duración.
Sin mas ni mas, un trabajo meramente amateur. Quiere decir que esta es otra categoría por de bajo del rango de cinco estrellas.
Chao.
-Una Historia Real-
Tras haber visto este cortometraje en la infinitamente grande red del internet, me resulta complicado tratar de saber si David Michan y Kart Hall han tenido alguna profundidad en el arte del cine –en este caso cortometraje- lo que si, es que no hay más nombres durante el cast, al final del film.
De bajo presupuesto, el par de jóvenes en la materia, nos presentan un breve argumento plantado sobre tres sets, así como una historia determinante que aborda la inexistencia de un ser.
Quizás alguien, más de una ves, ha pensado: que me trague la tierra. Y son estas palabras las que en este trailer se abordan, el hecho de que dejes de existir, existiendo.
Como alguna ves legendizaron a Jim Morrison, que vivía en África bajo otro ritmo de vida.
Me hace recordar el muy buen trama que estelariza Gael García y Natalia Verbeke en “Don’t with the i”. En el cual hay una escena de suicidio y una consecuencia parecida.
Aunque si bien, cayó mas peso sobre la idea de ser famoso, durante 15 min, que lo antes mencionado, lo cual me hace pensar que incoherentemente, el cortometraje, de cualquier forma no se ha hecho ver en toda “América”, como ellos llaman a su país al referirse a la zona de publico objetivo.
Fuera de este par de ideas, me parece el montaje demasiado trillado y repetitivo sobre lo que se ha venido haciendo dentro de la industria, quizás el modelo de fragmentación, en el cual, el principio lo mandan atrás y viceversa con el final.
Odio la manera con la que abordan el mismo morbo que mencionan durante la entrevista el cual, lo único que resulta como consecuencia es el lucro, cosa en la cual no soy partidirario a la hora de usar el cine, de otra manera si hubieran terminado como producto televisivo, lo apoyaría, pero el cine funge como el séptimo arte, y como arte se merece el respeto de: no lucro.
El guión me pareció divertido en su primera parte, aunque nada fuera de lo común, con lo que lo clasifico como normal, ni malo, no bueno, y aplaudo la manera de sobre llevar la cámara, ya que bien dirigida, con tomas en su mayoría estáticas, hacen sentir a uno como espectador entretenido con el corto hasta el final a sus diez minutos de duración.
Sin mas ni mas, un trabajo meramente amateur. Quiere decir que esta es otra categoría por de bajo del rango de cinco estrellas.
Chao.
Efter brylluppet. César Chao.
Efter brylluppet
-Después de la Boda-
Siendo Susanne Bier la directora, este film presenta aun característicos del movimiento de 1995: Dogma 95, el cual enfoca toda la energía en la producción (rodaje) de la película, más que en la post producción (edición).
Es este drama, el que fue nominado como mejor película de habla extranjera durante el siguiente año de su creación: 2006, y siendo la tercer película dirigida por la directora, tras éxitos como: “A corazón abierto” o “Brødre” en 2002 y 2004, respectivamente, fue a manera personal, muy lejos de mi agrado, pues hay cabos sueltos dentro de la vida de los personajes, adoptando papeles protagonistas por cuatro lados distintos.
Por un lado esta Anna, la hija y procreadora del problema de la trama en general, ya que por esta, es que se inicia el conflicto, siendo también ella la magnifica y bellísima novia; por otro lado tenemos a Helene, la madre y pieza vital para la selección de decisiones en la vida de Jorgen, un rico, pero enfermo marido y padrastro de Anna, sin la presencia de Jorgen, nada en el film valdría. Por ultimo tenemos a Jacob, el padre biológico de Anna, y de nueva cuenta, pieza de grandísimo peso en la historia.
Alrededor de lo que se escribió anteriormente, tenemos que los cuatro son importantes, haciendo estos, el rol del vaivén en que va transcurriendo la historia. Importancia adoptada desde sus actuaciones dramáticas, es decir, sin la dirección de Susanne, si tomamos las cuatro actuaciones, podemos tener personajes interesantes aunque el argumento lo considere corto y mediocre.
En su mayoría, el film presenta escenas cargadas de una gran energía dramática y en general, sin levedad, sin comedía, sin tranquilidad. Es por esto mismo que se requiere de grandes actuaciones, como las vi en el caso de Jacob, Anna y sobretodo Jorgen, siendo la única actuación “baja”, la de la señora Husson, interpretada por Sidse Babett Knudsen, importante actriz dentro de su país natal: Dinamarca.
Se puede observar buenas escenas por parte de la actriz, como el llorar y pesar por la futura muerte de su marido, este al irse en su camioneta, sin embargo, en secciones como la llegada de Jacob a la iglesia, durante la boda de Anna, son precisamente la actuación que queda corta, pues su reacciones es muy leve.
¿Que harías si eres madre, tu hija en este momento se esta casando, y en eso…entra el padre extraviado, dicho persona que ha pasado desapercibida por mas de 20 años en tu vida, padre que no conoce la ahora novia?
Siendo este solo un ejemplo, hubo en muchas ocasiones en que no se siente la energía al mismo nivel, a comparación de las escenas que grabo al lado de Jacob y Jorgen, los cuales me parecieron estupendas actuaciones.
Mi no gusto por el argumento esta a la hora en que acaba la película y descubro que fue solo un segmento de personas comunes en la vida común, una situación mas, nada extraordinario, solo algo cotidiano, una historia entre mil mas que se le parecen.
Los cabos sueltos: Christian, el esposo infiel de Anna… ¿Qué paso con él y Anna? ¿Se divorciaron como lo predijo Jorgen al principio de la película con su frase: “se casará muchas veces”?
Errores de seguimiento: ¿Puedes tener una charla de gran importancia para tu vida con pasta de dientes en la boca? ¿O en Dinamarca se lavan los dientes sin pasta dental?. Durante la escena en que Jorgen exige mas tiempo de vida, se puede ver a una Helene que cepilla sus dientes, y a la orden de su marido, deja el cepillo en sobre su cama, y ella no lleva ni una gota de espuma en su boca.
Si bien, el mensaje lo considero bueno: La vida te exige que tomes decisiones, las cuales deben de ser enérgicas y rápidas, sino la vida terminará escogiendo por ti.
Por otro lado esta la separación inesperada de las personas, pues así como un día sin aviso previo Jorgen se va, Pramond, el niño hindú, puede que nunca más vuelva a ver a su maestro y padre adoptivo Jacob, tras tomar su responsabilidad en Dinamarca.
Es precisamente esta parte, la que hace que el drama sea conmovedor, y definitivamente real.
La calidad de la dilección consiste en su forma de rodaje, el cual esta hecho mediante escenas cortas aunque posean características de distensión, ya que se puede observar el caminar, posteriormente el hombre lavándose las manos, y finalmente fuera del baño y ahora en una junta en la que firma la donación de sus bienes. Todo esto es perfectamente entendible para el público, y todo sin tener que hacer una gran escena, es decir, sus cortas escenas contienen una extraordinaria continuidad.
Sus travelings son imprescindibles para poder llegar a conmover aun mas, y definitivamente sus planos detalles son los que terminar haciendo un trabajo profesional de la directora Bier, pues va desde una nalgada, un anillo, firmas sobre papel y hasta continuos enfoque sobre los ojos de los actores, retomando asi y nuevamente, que Helene, no cumple con su actuación.
Buen soundtrack, y recomendable film, por lo mismo le doy tres estrellas en un rango de cinco, ya que si bien por lo mismo de su trama y detalles ya mencionados a lo largo de esta critica se vuelve una película para verse solo una ves.
Chao.
-Después de la Boda-
Siendo Susanne Bier la directora, este film presenta aun característicos del movimiento de 1995: Dogma 95, el cual enfoca toda la energía en la producción (rodaje) de la película, más que en la post producción (edición).
Es este drama, el que fue nominado como mejor película de habla extranjera durante el siguiente año de su creación: 2006, y siendo la tercer película dirigida por la directora, tras éxitos como: “A corazón abierto” o “Brødre” en 2002 y 2004, respectivamente, fue a manera personal, muy lejos de mi agrado, pues hay cabos sueltos dentro de la vida de los personajes, adoptando papeles protagonistas por cuatro lados distintos.
Por un lado esta Anna, la hija y procreadora del problema de la trama en general, ya que por esta, es que se inicia el conflicto, siendo también ella la magnifica y bellísima novia; por otro lado tenemos a Helene, la madre y pieza vital para la selección de decisiones en la vida de Jorgen, un rico, pero enfermo marido y padrastro de Anna, sin la presencia de Jorgen, nada en el film valdría. Por ultimo tenemos a Jacob, el padre biológico de Anna, y de nueva cuenta, pieza de grandísimo peso en la historia.
Alrededor de lo que se escribió anteriormente, tenemos que los cuatro son importantes, haciendo estos, el rol del vaivén en que va transcurriendo la historia. Importancia adoptada desde sus actuaciones dramáticas, es decir, sin la dirección de Susanne, si tomamos las cuatro actuaciones, podemos tener personajes interesantes aunque el argumento lo considere corto y mediocre.
En su mayoría, el film presenta escenas cargadas de una gran energía dramática y en general, sin levedad, sin comedía, sin tranquilidad. Es por esto mismo que se requiere de grandes actuaciones, como las vi en el caso de Jacob, Anna y sobretodo Jorgen, siendo la única actuación “baja”, la de la señora Husson, interpretada por Sidse Babett Knudsen, importante actriz dentro de su país natal: Dinamarca.
Se puede observar buenas escenas por parte de la actriz, como el llorar y pesar por la futura muerte de su marido, este al irse en su camioneta, sin embargo, en secciones como la llegada de Jacob a la iglesia, durante la boda de Anna, son precisamente la actuación que queda corta, pues su reacciones es muy leve.
¿Que harías si eres madre, tu hija en este momento se esta casando, y en eso…entra el padre extraviado, dicho persona que ha pasado desapercibida por mas de 20 años en tu vida, padre que no conoce la ahora novia?
Siendo este solo un ejemplo, hubo en muchas ocasiones en que no se siente la energía al mismo nivel, a comparación de las escenas que grabo al lado de Jacob y Jorgen, los cuales me parecieron estupendas actuaciones.
Mi no gusto por el argumento esta a la hora en que acaba la película y descubro que fue solo un segmento de personas comunes en la vida común, una situación mas, nada extraordinario, solo algo cotidiano, una historia entre mil mas que se le parecen.
Los cabos sueltos: Christian, el esposo infiel de Anna… ¿Qué paso con él y Anna? ¿Se divorciaron como lo predijo Jorgen al principio de la película con su frase: “se casará muchas veces”?
Errores de seguimiento: ¿Puedes tener una charla de gran importancia para tu vida con pasta de dientes en la boca? ¿O en Dinamarca se lavan los dientes sin pasta dental?. Durante la escena en que Jorgen exige mas tiempo de vida, se puede ver a una Helene que cepilla sus dientes, y a la orden de su marido, deja el cepillo en sobre su cama, y ella no lleva ni una gota de espuma en su boca.
Si bien, el mensaje lo considero bueno: La vida te exige que tomes decisiones, las cuales deben de ser enérgicas y rápidas, sino la vida terminará escogiendo por ti.
Por otro lado esta la separación inesperada de las personas, pues así como un día sin aviso previo Jorgen se va, Pramond, el niño hindú, puede que nunca más vuelva a ver a su maestro y padre adoptivo Jacob, tras tomar su responsabilidad en Dinamarca.
Es precisamente esta parte, la que hace que el drama sea conmovedor, y definitivamente real.
La calidad de la dilección consiste en su forma de rodaje, el cual esta hecho mediante escenas cortas aunque posean características de distensión, ya que se puede observar el caminar, posteriormente el hombre lavándose las manos, y finalmente fuera del baño y ahora en una junta en la que firma la donación de sus bienes. Todo esto es perfectamente entendible para el público, y todo sin tener que hacer una gran escena, es decir, sus cortas escenas contienen una extraordinaria continuidad.
Sus travelings son imprescindibles para poder llegar a conmover aun mas, y definitivamente sus planos detalles son los que terminar haciendo un trabajo profesional de la directora Bier, pues va desde una nalgada, un anillo, firmas sobre papel y hasta continuos enfoque sobre los ojos de los actores, retomando asi y nuevamente, que Helene, no cumple con su actuación.
Buen soundtrack, y recomendable film, por lo mismo le doy tres estrellas en un rango de cinco, ya que si bien por lo mismo de su trama y detalles ya mencionados a lo largo de esta critica se vuelve una película para verse solo una ves.
Chao.
Dolls, César Chao.
Dolls
-Muñecas-
Y es así, como Takeshi Kitano demuestra y exhibe al mundo entero su primer largometraje como director.
Es durante el 2002 cuando Takeshi presenta este argumento lleno de la clásica belleza y peculiar lentitud que el cine oriental nos ofrece. Durante el ciclo de este film, podemos observar estética en todos los sentidos, y esta, acompañada de una serie de escenas filmadas a detalle y con una segura y tersa distensión.
Conforme transcurren las tres historias que el filme nos presenta, el director –pienso yo- nos deja en claro la poética forma de captar planos detalle, así como cuidando y seleccionando características en secciones de la película que me dejan mas que impresionado, como las bocas de los personajes, que van en desacuerdo con el movimiento de su boca, todo como si fueran unas marionetas vivientes.
La historia principal –a mi gusto- o al menos con la que inicia el filme, es una escena que nos deja interrogantes, como: ¿Qué podrá ser lo que a continuación veremos?, pues a nivel personal, se queda grabada esa imagen, aunada con perfecta fotografía de la pareja atada con esa larga cuerda roja, y a la que todos ven con sorpresa y los llaman “pordioseros atados”.
No solo es durante esa escena cuando se aplaude la fotografía, sino durante el largo del argumento, definitivamente un trabajo muy profesional, aunque siendo la opinión del que ahora escribe, es un no gusto por la película.
A manera en que evolucionamos como personas de occidente vemos totalmente diferente a lo que se mueve en el Oriente, por lo mismo y otras razones, el film no llega a que me sienta identificado con la manera de manejar la serie de metáforas (como la ya mencionada de los “pordioseros atados”) aunque aplaudo a gran escala la característica violencia manejada en el cine oriental, y aun mas bulla para la que durante este film observo.
Toco este punto, ya que el siento yo es una manera en la cual se puede localizar el filme para cuyas personas aun no hayan podido verlo y quieran hacerlo.
No esperes una comedia, que no es cine comercial, esto es cine de arte, arte para personas que gustan de pensar, ya que la lentitud con que corre la historia es principal a la hora de observarla, y aunque pertenece a una faceta contemporánea, aun podemos observar rasgos de la cultura japonesa clásica.
En cuestión de actuaciones, no puedo decir lo mismo que del film en general, ya que estas fueron de mi agrado, y aun más, las clasifico de eficientes para con el publico, ya que en partes de la película logran adentrarte de lleno y bien a fondo en el argumento presentado, el resto de la plenitud con que se puede observar el film, se llena con la atmósfera de las locaciones que elige Takeshi, pues va de un sendero lleno de flores y hojarasca en el piso, a las calles, planos detalles sobre celulares y el transcurso de la conducción del personaje mientras este analiza lo que trascurre en su vida.
La mafia es abordada de manera clásica, pues nuevamente aparecen los Yakuza, y es un viejo más, de ojos rasgados quien es el mero mero, el cual cree que puede manejar la vida de una chica, a quien por mas de treinta largos años no ha tomado en cuenta.
Son esos detalles clásicos del cine oriental, los que hacen que no me sienta simpatizado por el genero (refiriéndome a genero como: “cine oriental”) pues dejando de lado las actuaciones maravillosas; las reverencias, la lentitud, las distensiones en escenas y sobretodo la manera de llevar las metáforas, son las que no me sienta simpatizado, aplaudiendo solamente la manera de agredir, de dañar, de violar las reglas de la persona –“prudente”- de occidente con la violencia presentada en la mayoría de los films de este genero.
Con esto clasifico únicamente a “Dolls” con una clasificación de apenas dos estrellas, un film que no volvería a ver por su cansado desarrollo, aunque no me arrepiento de haberla visto.
Ficha Tecnica:
Dolls (Muñecas)
Director: Takeshi Gitano
Año: 2002
País: Japón
Cast: Miho Kanno, Hidetoshi Nishijima, Chieko Matsubara, Tatsuya Mihashi.
Chao.
-Muñecas-
Y es así, como Takeshi Kitano demuestra y exhibe al mundo entero su primer largometraje como director.
Es durante el 2002 cuando Takeshi presenta este argumento lleno de la clásica belleza y peculiar lentitud que el cine oriental nos ofrece. Durante el ciclo de este film, podemos observar estética en todos los sentidos, y esta, acompañada de una serie de escenas filmadas a detalle y con una segura y tersa distensión.
Conforme transcurren las tres historias que el filme nos presenta, el director –pienso yo- nos deja en claro la poética forma de captar planos detalle, así como cuidando y seleccionando características en secciones de la película que me dejan mas que impresionado, como las bocas de los personajes, que van en desacuerdo con el movimiento de su boca, todo como si fueran unas marionetas vivientes.
La historia principal –a mi gusto- o al menos con la que inicia el filme, es una escena que nos deja interrogantes, como: ¿Qué podrá ser lo que a continuación veremos?, pues a nivel personal, se queda grabada esa imagen, aunada con perfecta fotografía de la pareja atada con esa larga cuerda roja, y a la que todos ven con sorpresa y los llaman “pordioseros atados”.
No solo es durante esa escena cuando se aplaude la fotografía, sino durante el largo del argumento, definitivamente un trabajo muy profesional, aunque siendo la opinión del que ahora escribe, es un no gusto por la película.
A manera en que evolucionamos como personas de occidente vemos totalmente diferente a lo que se mueve en el Oriente, por lo mismo y otras razones, el film no llega a que me sienta identificado con la manera de manejar la serie de metáforas (como la ya mencionada de los “pordioseros atados”) aunque aplaudo a gran escala la característica violencia manejada en el cine oriental, y aun mas bulla para la que durante este film observo.
Toco este punto, ya que el siento yo es una manera en la cual se puede localizar el filme para cuyas personas aun no hayan podido verlo y quieran hacerlo.
No esperes una comedia, que no es cine comercial, esto es cine de arte, arte para personas que gustan de pensar, ya que la lentitud con que corre la historia es principal a la hora de observarla, y aunque pertenece a una faceta contemporánea, aun podemos observar rasgos de la cultura japonesa clásica.
En cuestión de actuaciones, no puedo decir lo mismo que del film en general, ya que estas fueron de mi agrado, y aun más, las clasifico de eficientes para con el publico, ya que en partes de la película logran adentrarte de lleno y bien a fondo en el argumento presentado, el resto de la plenitud con que se puede observar el film, se llena con la atmósfera de las locaciones que elige Takeshi, pues va de un sendero lleno de flores y hojarasca en el piso, a las calles, planos detalles sobre celulares y el transcurso de la conducción del personaje mientras este analiza lo que trascurre en su vida.
La mafia es abordada de manera clásica, pues nuevamente aparecen los Yakuza, y es un viejo más, de ojos rasgados quien es el mero mero, el cual cree que puede manejar la vida de una chica, a quien por mas de treinta largos años no ha tomado en cuenta.
Son esos detalles clásicos del cine oriental, los que hacen que no me sienta simpatizado por el genero (refiriéndome a genero como: “cine oriental”) pues dejando de lado las actuaciones maravillosas; las reverencias, la lentitud, las distensiones en escenas y sobretodo la manera de llevar las metáforas, son las que no me sienta simpatizado, aplaudiendo solamente la manera de agredir, de dañar, de violar las reglas de la persona –“prudente”- de occidente con la violencia presentada en la mayoría de los films de este genero.
Con esto clasifico únicamente a “Dolls” con una clasificación de apenas dos estrellas, un film que no volvería a ver por su cansado desarrollo, aunque no me arrepiento de haberla visto.
Ficha Tecnica:
Dolls (Muñecas)
Director: Takeshi Gitano
Año: 2002
País: Japón
Cast: Miho Kanno, Hidetoshi Nishijima, Chieko Matsubara, Tatsuya Mihashi.
Chao.
martes, 17 de junio de 2008
La despedida!!!
Bien señores fue un placer compartir letras con todos ustedes.
Cinthya te esperamos en las súper funciones este fin de semana, y no dejen de pasarnos buenas críticas de las próximas pelis que vean, ahora será turno de los se segunda generación mantener vivo este sitio, peeeero prometo ser una crítica activa, después que el INAI me permita regresar a las salas de cine, y dejar el cartón y el resitol que tanto daño le han hehco ami organismo.
Gracias por los votos!
Gracias por la clase Cinthya...
Se acabó el semestre... esta es la cuenta regresiva de los daños y estragos escolares...
Los amooooo por eso hermanoooos
Pd. Esta foto es una muestra del sadismo, sensualidad y locura que nos generaron las pelis de Cinthya... jajaja no es cierto, es bromitaaaaa. te queremos Cinthya
domingo, 15 de junio de 2008
Infanta Cinthya. Comentario de Princesas. Fernando León de Aranoa, España, 2005.
Gran parte de las mujeres, me incluyo, hemos consentido que nos llamen princesas, aunque no atinemos a saber qué significa serlo. Hace años que me enteré de que para serlo es esta vida se requiere tener un título nobiliario.
Hace poco me enteré de que el director Fernando León de Aranoa (Madrid, 1968) entregó un filme con el dudoso título de Princesas en el que, mediante un argumento digerible, reinterpreta contenidos como la amistad, la prostitución y la migración. Con esto, el también guionista, sigue una línea conocida en cuanto a la elección de sus temas: la guerra y la enfermedad en el cortometraje Invisibles, con Buenas noches, Ouma; el desempleo en Los lunes de Sol (2002), y la vida en la periferia de las ciudades en Barrio (1998).
Me pensé bien eso de mi madre me llamará de niña “princesa” cuando observé a las protagonistas de este drama cinematográfico, la española Candela Peña (Caye) y la boricua Micaela Nevárez (Zulema) mostrar la dura vida de “la calle”. Nadie más opuestas a las princesas, bien vistas en la sociedad mundial debido a su enlace legal con algún príncipe (recodemos a Lady Di), que estás dos herarias revisadas de arriba a abajo por todos y cuyo trabajo no es invisible para nadie en ninguna ciudad del mundo.
Princesas reproduce a medio volumen la vida de dos amigas prostitutas que viven “con la nostalgia de algo que no ha pasado aún” pero que intuyen se debe sentir ser una mujer amada por un príncipe.
Zulema llega al barrio madrileño, como muchas otras extranjeras, para pelearse la atención de los clientes. Caye tiene cuatro años en el oficio y siente cómo es desplazada por “las nuevas”. La cercanía de “piso” las hace conocerse hasta el punto de que nace una sólida amistad. Así, quienes parecieran de mundos y visiones de la vida totalmente distintos, terminan por ayudarse mutuamente para enfrentar la vida y sus vaivenes.
La cinta fue recibida con ánimos diversos por la crítica, la anglosajona la comparó con el trabajo de su colega manchego Pedro Almodóvar, sin hacer grandes referencias a la realización cinematográfica. En Latinoamérica las hubo desde tildar el argumento como excesivamente cursi hasta la verdadera fiesta que causó su estreno en Brasil donde 15 modelos de la marca de ropa Daspu (De las Putas), diseñada por prostitutas, acompañaron a León de Aranoa al ritmo la banda sonora de la película con la inequívoca letra de Manu Chao Me llaman Calle.
Princesas recibió tres premios Goya de la Academia Española de Cine, uno por actrices protagonistas y por la mejor canción original, compuesta por Manu Chao. Además por el premio Ondas al acontecimiento cinematográfico del año y el premio Protagonistas a la mejor película y fue vista en las salas de cine por más de un millón de espectadores, fue la segunda película española mejor acogida por el público del año.
Ficha técnica:
Director y guionista: Fernando León de Aranoa
Guionista: Fernando León de Aranoa
Productores: Fernando León de Aranoa y Jaume Roures
Música: Alfonso de Vilallonga
Fotografía: Ramiro Civita
Montaje: Nacho Ruiz Capillas
Reparto:
Candela Peña Caye
Micaela Nevárez Zulema
Llum Barrera Gloria
Mariana Cordero Pilar
Violeta Pérez Caren
Flora Álvarez Rosa
Alejandra Llorente Mamen
Mónica Van Campen Angela
Vista dorada (cinta de culto. Excedente de recursos visuales o que proponen una manera diferente en cuanto a montaje o argumento)
Vistas verde (cinta ecológica en sus recursos técnicos y artísticos. Todo en su lugar. Altamente recomendable)
Vista azul: (cinta recargada en el drama, recursos técnicos y artísticos no del todo malos pero limitados)
Vista roja: (cinta apasionante y con magia al resaltar la interpretación de los actores. Realza el recurso visual y los efectos especiales del film, pero descuida el argumento)
Vista amarilla (cinta taquillera y mediocre en cuanto a recursos técnicos ya artísticos)
Vista blanca (cinta que el espectador olvidará en cuanto salga de la sala o que recordará para hacer un mal chiste)
Hace poco me enteré de que el director Fernando León de Aranoa (Madrid, 1968) entregó un filme con el dudoso título de Princesas en el que, mediante un argumento digerible, reinterpreta contenidos como la amistad, la prostitución y la migración. Con esto, el también guionista, sigue una línea conocida en cuanto a la elección de sus temas: la guerra y la enfermedad en el cortometraje Invisibles, con Buenas noches, Ouma; el desempleo en Los lunes de Sol (2002), y la vida en la periferia de las ciudades en Barrio (1998).
Me pensé bien eso de mi madre me llamará de niña “princesa” cuando observé a las protagonistas de este drama cinematográfico, la española Candela Peña (Caye) y la boricua Micaela Nevárez (Zulema) mostrar la dura vida de “la calle”. Nadie más opuestas a las princesas, bien vistas en la sociedad mundial debido a su enlace legal con algún príncipe (recodemos a Lady Di), que estás dos herarias revisadas de arriba a abajo por todos y cuyo trabajo no es invisible para nadie en ninguna ciudad del mundo.
Princesas reproduce a medio volumen la vida de dos amigas prostitutas que viven “con la nostalgia de algo que no ha pasado aún” pero que intuyen se debe sentir ser una mujer amada por un príncipe.
Zulema llega al barrio madrileño, como muchas otras extranjeras, para pelearse la atención de los clientes. Caye tiene cuatro años en el oficio y siente cómo es desplazada por “las nuevas”. La cercanía de “piso” las hace conocerse hasta el punto de que nace una sólida amistad. Así, quienes parecieran de mundos y visiones de la vida totalmente distintos, terminan por ayudarse mutuamente para enfrentar la vida y sus vaivenes.
La cinta fue recibida con ánimos diversos por la crítica, la anglosajona la comparó con el trabajo de su colega manchego Pedro Almodóvar, sin hacer grandes referencias a la realización cinematográfica. En Latinoamérica las hubo desde tildar el argumento como excesivamente cursi hasta la verdadera fiesta que causó su estreno en Brasil donde 15 modelos de la marca de ropa Daspu (De las Putas), diseñada por prostitutas, acompañaron a León de Aranoa al ritmo la banda sonora de la película con la inequívoca letra de Manu Chao Me llaman Calle.
Princesas recibió tres premios Goya de la Academia Española de Cine, uno por actrices protagonistas y por la mejor canción original, compuesta por Manu Chao. Además por el premio Ondas al acontecimiento cinematográfico del año y el premio Protagonistas a la mejor película y fue vista en las salas de cine por más de un millón de espectadores, fue la segunda película española mejor acogida por el público del año.
Ficha técnica:
Director y guionista: Fernando León de Aranoa
Guionista: Fernando León de Aranoa
Productores: Fernando León de Aranoa y Jaume Roures
Música: Alfonso de Vilallonga
Fotografía: Ramiro Civita
Montaje: Nacho Ruiz Capillas
Reparto:
Candela Peña Caye
Micaela Nevárez Zulema
Llum Barrera Gloria
Mariana Cordero Pilar
Violeta Pérez Caren
Flora Álvarez Rosa
Alejandra Llorente Mamen
Mónica Van Campen Angela
Vista dorada (cinta de culto. Excedente de recursos visuales o que proponen una manera diferente en cuanto a montaje o argumento)
Vistas verde (cinta ecológica en sus recursos técnicos y artísticos. Todo en su lugar. Altamente recomendable)
Vista azul: (cinta recargada en el drama, recursos técnicos y artísticos no del todo malos pero limitados)
Vista roja: (cinta apasionante y con magia al resaltar la interpretación de los actores. Realza el recurso visual y los efectos especiales del film, pero descuida el argumento)
Vista amarilla (cinta taquillera y mediocre en cuanto a recursos técnicos ya artísticos)
Vista blanca (cinta que el espectador olvidará en cuanto salga de la sala o que recordará para hacer un mal chiste)
lunes, 2 de junio de 2008
Un buen corto... HISTORIA DE UN LETRERO.
Dirigida: Alonso Alvarez Barreda.
Script: Alonso Alvarez Barreda.
Producción: Francisco Alvarez Suarez, Ana Laura Barreda Vargas y Alonso Alvarez Barreda.
Actores: Mauricio García Muleta, Amilcar Carrascosa "El capi".
País: Mexico.
Año: 2007.
Duración: 05:56 minutos.
Sinopsis:
Un Empresario que se ve que gana bien, pasa por una plaza de la ciudad de Tampico, cuando de pronto ve a un señor limosneando con un letrero mal escrito, el empresario se decide a no darle dinero, pero a darle algo que le cambiará el dia tanto al ciego como a el.
Si bien es un cortometraje muy controversial ultimamente, ya que se habla de plagio por parte del director, este corto, independientemente de los escandalos tiene mucho que ofrecer, es un corto realmente corto (valga la redundancia), el tema principal es: AYUDAR, deja un buen mensaje acerca de este tema tan visto y tan importante pero al final nadie le hace caso, si cada persona en el planeta hiciera lo que hace el empresario de este corto, el mundo sería un lugar mejor donde esperar la vida. Este corto es de bajo presupuesto, no tiene muchos movimientos de cámara, la música es a mi gusto un tanto... francesa, pero ambienta bien el pequeño discurso, los actores, tengo entendido que no son actores, por tanto no estan preparados y sin embargo hicieron un buen trabajo, a pesar de que no hay diálogo en el guión mas que en una pequeñisima parte del corto, que por cierto casi no se entiende, no se si fue porque lo vi en "Youtube" o porque de plano si es muy malo.
Este corto, tiene mucho y a la vez poco que decir, deja un buen sabor de boca al verlo y la pequeña historia es un ejemplo que todos deberiamos seguir, a mi me gusto mucho, y al parecer no solo a mi pues este chavo de tampico, tamaulipas, mexico ganó el premio de Cannes 2008, siendo la segunda vez que lo gana un mexicano, A pesar de que este chavo no tiene estudios cinematográficos hizo este corto y le costó mucho trabajo para que fuera aceptado, por los diferentes festivales e instituciones, pero llegó a Francia y ganó y si ganó es por algo, Yo que ustedes, lo veia porque es bueno, me gusta y me llega. Lo pueden ver aqui:
http://mx.youtube.com/watch?v=ASQfDq-r-3o
Mi calificación: XXX
XoXo... Dito.
Script: Alonso Alvarez Barreda.
Producción: Francisco Alvarez Suarez, Ana Laura Barreda Vargas y Alonso Alvarez Barreda.
Actores: Mauricio García Muleta, Amilcar Carrascosa "El capi".
País: Mexico.
Año: 2007.
Duración: 05:56 minutos.
Sinopsis:
Un Empresario que se ve que gana bien, pasa por una plaza de la ciudad de Tampico, cuando de pronto ve a un señor limosneando con un letrero mal escrito, el empresario se decide a no darle dinero, pero a darle algo que le cambiará el dia tanto al ciego como a el.
Si bien es un cortometraje muy controversial ultimamente, ya que se habla de plagio por parte del director, este corto, independientemente de los escandalos tiene mucho que ofrecer, es un corto realmente corto (valga la redundancia), el tema principal es: AYUDAR, deja un buen mensaje acerca de este tema tan visto y tan importante pero al final nadie le hace caso, si cada persona en el planeta hiciera lo que hace el empresario de este corto, el mundo sería un lugar mejor donde esperar la vida. Este corto es de bajo presupuesto, no tiene muchos movimientos de cámara, la música es a mi gusto un tanto... francesa, pero ambienta bien el pequeño discurso, los actores, tengo entendido que no son actores, por tanto no estan preparados y sin embargo hicieron un buen trabajo, a pesar de que no hay diálogo en el guión mas que en una pequeñisima parte del corto, que por cierto casi no se entiende, no se si fue porque lo vi en "Youtube" o porque de plano si es muy malo.
Este corto, tiene mucho y a la vez poco que decir, deja un buen sabor de boca al verlo y la pequeña historia es un ejemplo que todos deberiamos seguir, a mi me gusto mucho, y al parecer no solo a mi pues este chavo de tampico, tamaulipas, mexico ganó el premio de Cannes 2008, siendo la segunda vez que lo gana un mexicano, A pesar de que este chavo no tiene estudios cinematográficos hizo este corto y le costó mucho trabajo para que fuera aceptado, por los diferentes festivales e instituciones, pero llegó a Francia y ganó y si ganó es por algo, Yo que ustedes, lo veia porque es bueno, me gusta y me llega. Lo pueden ver aqui:
http://mx.youtube.com/watch?v=ASQfDq-r-3o
Mi calificación: XXX
XoXo... Dito.
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