Water Por: Jessica Zermeño

Water
Por: Jessica Zermeño

¡Muertas en vida! Así viven las viudas de hindúes aún en nuestros días y esta realidad se ve reflejada en la película ‘Water’ de la directora india Deepa Mehta, donde se aventura a contar una historia dejando de lado las bellas escenas (incluso descuida un poco la continuidad) o la gran producción y pone por encima de todo el mensaje: las mujeres son mujeres, son humanos por si solas y no necesitan de un hombre para seguir teniendo vida.
Es impresionante poder conocer muchísimo de la cultura india a través de algunas frases que marcaron la estructura lineal de este guión como que “una viuda no puede correr como una soltera”, “una viuda se queda medio muerta”, “Si Dios quiere reencarnará en hombre” y que hasta el 2001 había 34 millones de viudas en la India.
Todo ocurre en la India de 1938, en pleno movimiento de la resistencia pacífica de Mahatma Gandhi. En esa época (que es un decir) según las creencias hindúes, cuando una mujer se casaba, se convertía en la mitad del hombre. Si él muere, se considera que la mitad de la esposa ha muerto y los libros sagrados dan tres opciones a la viuda: Casarse con el hermano más joven de su marido (si la familia lo permite), arder con su marido o llevar una vida de total abnegación en el Ashram.
Bajo este planteamiento nos muestran a la juguetona Chuyia, una niña de 8 años que come caña y juega con los pies de un moribundo. Horas más tarde le avisan que su esposo ha muerto y como parte del luto en una escena casi incomprensible para la pequeña (y por cierto momento para mi, por desconocer las aberraciones, digo tradiciones hindúes), a ésta la rapan. Ya que era el símbolo que marcaba a las mujeres que están “medio muertas”.
Tras la muerte de su esposo es llevada a un Ashram para viudas donde deberá pasar el resto de su vida para convertirse en un altar viviente que rendirá culto a su esposo, si es fiel a este precepto será compensada.
Y como la corrupción existe aún en los peores lugares. El Ashram, además de verse, frío, abandonado como si fuera una cárcel es gobernado por una gran gorda viuda llamada Mahhumari, a quien el eunuco de la localidad le proporciona marihuana a cambio de las viudas más jóvenes.
Mahhumari predica por un lado que todas deben permanecer puras hasta su muerte y por otro lado prostituye a las jóvenes hasta que pierden su atractivo. En esos momentos tiene en la mira a Kalyani, una viuda muy guapa y que además es la única que tiene el pelo largo en el Ashram, también como símbolo de la diferencia de status que también hay ahí dentro como la de Shakuntula, una viuda de brahamanes, la casta social más alta de la India, quien es respetada por todas y posee su propio cuarto.
Dentro de este gran contexto de viudas abandonadas por sus familias por el simple hecho de no cargar con alguien más en cuestión económica, se muestra una interesante historia de amor entre Kalyani (la porstituta del Ashram) y Narayan (un joven idealista seguidor de Gandhi e hijo de brahmanes).
Todo parece muy prometedor para esta pareja, ella desafía a las viudas quienes se molestan (y hasta la dejan pelona para humillarla), pues va en contra de sus preceptos que una viuda vuelva a rehacer su vida, pero el destino tenía macado que nunca dejaría de ser una viuda al ser la amante del padre de Narayan.
Ella en un arranque de desesperación decide suicidarse en el río sagrado.
A la muerte de Kalyani alguien más debe prostituirse para sostener el Ashram y mandan a la pequeña Chuyia con engaños. Shakuntula harta de la nula información proporcionada a las viudas decide conocer el mensaje de Gandhi y romper algunos paradigmas.
El espectador podrá disfrutar de la atinada actuación de Seema Biswas (Shakuntula), quien con pocos diálogos y mucha corporalidad nos muestra dolor, melancolía, sumisión e indignación a través de un personaje secundario que destaca más que el rol protagónico de Lisa Ray (Kalyani) quién sólo cumplió con verse bonita a cuadro (aún pelona). Y culpa de este cast se lo podemos atribuir a la suspensión del rodaje en 2000 (con otro cast donde los protagónicos serían Shabana Azmi y Nandita Das), y todo porque el equipo de Mehta fue atacado por fundamentalistas hindúes, quienes quemaron y arruinaron la producción. Pero esta no sería la primera vez que se censuraba su trabajo, ya que lo mismo pasó con las proyecciones de Fuego, una historia que toca el tema del amor entre dos mujeres indias.
La directora abandonó el proyecto mientras el tiempo calmaba todo y fue hasta 2004 cuando prosiguió en secreto en Sir Lanka y con un nuevo reparto. Y con esto Mehta concluyó su trilogía Fuego, Tierra y Agua, películas donde muestra su visión particular de los preceptos y costumbres hindúes.
El Agua, además de ser un elemento ‘constante’ del film (el río sagrado, la lluvia, el agua para la lectura de los textos sagrados, etc) se usa como parte de una gran metáfora donde nos muestra un elemento, simple, común y al alcance de todos, pero que depende de cada uno el valor que se le de a éste. Aquí nos muestra como la ignorancia y la fe ciega han descontextualizado los mensajes de sus libros, resolviéndolos según su conveniencia y nos muestra como es tan sencillo llegar a ella y ver la verdad tan clara como el agua…
Esta película dejará en el espectador ese mal sabor de boca (obviamente acompañado de la reflexión), pues no sólo se debe observar esta problemática de rechazo en esas culturas, incluso en nuestro país, somos objeto de cierto racismo al enviar o recluir a nuestros ancianos en asilos, abandonados por la familias, o los niños huérfanos, los enfermos de Sida, los presos, etc.
Este argumento tiene un grito desesperado para abrir el corazón y las mentalidades del mundo. Nos invita a no dejarnos regir por falsos preceptos según la conveniencia de cada uno de nosotros y a ver por un bien común pues todos tenemos los mismos derechos, no hay diferencia entre hombres y mujeres, somos humanos ¿no?

Si usted tiene una luz de cambio en su interior, puede escribirme a zerjess@hotmail.com donde uniremos nuestros granitos de arena por un cambio mental y social.

La escena de pañuelo y lágrima:
Cuando la viejita viuda habla de su deseo por un dulce es fascinante la actuación, intensión y contexto. Pero alcanza su climax cuando Chuyia le regala un dulce que le provoca una muerte feliz.

Para aventar las palomitas:
El error de continuidad de la mancha naranja en la ropa blanca de Chuyia, está garrafal y es tan evidente que uno puede pensar que el film es malo, por ocurrir en los primeros 15 minutos de la película.
El cast de Lisa Ray o la mala dirección de Mehta, cualquiera que sea el caso, ya que se luce la belleza de la actriz pero no el talento.

Mil aplausos:
Seema Biswas seguramente supo aplicar muy bien el dicho Stanislavskiano de que “no hay papeles pequeños…”, y se comió a todos en esta película.

La recomendación:
Véala con la mente abierta. Si es mujer, déjese afectar por los malos ratos que pasan Chuyia, Shakuntula y Kalyani, y prométase a sí misma no dejar que ninguna regla, precepto u hombre limite su libertad de pensamiento. Si es hombre, haga lo mismo, pero en ambos cosos asegúrense de nunca ser el victimario.

El plus:
(Dedicado para el público iniciado o social)
La directora Deepa Mehta es conocida por su película "Fuego" (1996) donde narra con colores vivos y cálidos las pasiones encendidas entre dos mujeres indias. Luego vino "Tierra", (1998), que pasó con mucho silencio con otra difícil relación de amor y sexo relatado en 1947 cuando la India y Pakistán empiezan a tener problemas territoriales armados y las tensiones entre hindúes y musulmanes se hacen evidentes.
La directora concluye su revisión de tres de los elementos con el film de "Agua", volviendo a las pasiones personales e históricas, pero añadiendo esta vez elementos de misterio y musical. El film consiguió el premio del Jurado Joven en el pasado festival de Valladolid.

Paréntesis:
Gracias a los lectores anónimos por sus votos y por leer esta columna, espero ver sus mensajes en mi correo o en este mismo espacio, se vale la crítica despiadada como la de Cyrana.

Ficha técnica:
Productor: David Hamilton
Director y guión: Deepa Mehta.
Año: 2005
País: Canadá e India.
Reparto:
Seema Biswas (Shakuntula),
Lisa Ray (Kalyani),
John Abraham (Narayan),
Sarala (Chuyia),
Manorma (Madhumati),
Dr. Vidula Javalgekar (Patiraji),
Raghuvir Yadav (Gulabi),
Kulbushan Kharbanda (Sadananda),
Vinay Pathak (Rabindra),
Ronica Sajnani (Kunti).

10 clase. el análisis de un film.

El análisis del filme

Quien trata de aprender y juzgar por sí mismo ‑y no se limita a repetir lo que otros han dicho‑ necesariamente ha de analizar las películas, los autores y las estéticas. El estudio y el análisis no son incompatibles con el disfrute y la apreciación de la obra fílmica, por el contrario son una forma más culta y depurada de uno y otra; al menos en cuanto a la experimentación inmediata de la belleza del filme, se suma la reflexión que indaga y descubre los procedimientos de creación de esa belleza.

En el mejor de los casos, la crítica viene a seleccionar las obras más significativas de una cartelera en función de su calidad estética, cualquiera qué sea el rasgo determinante por la que se aprecie esa calidad.

Las fichas filmográficas constituyen, la mayor parte de las veces, un modelo de análisis simplificado de utilidad para la lectura y la interpretación del filme, particularmente en el ámbito educativo y hacen hincapié en el aspecto temático.
Este modelo de análisis ha de ser dúctil y plegarse a cada texto concreto; lejos de imponer un esquema rígido a cualquier filme, se trata de adaptar un modelo teórico a la película concreta. Ello quiere decir que, según el texto concreto, tendrán más relevancia unos a otros elementos; así, en una comedia musical serán muy importantes la escenografía y la banda sonora, en un drama el análisis de personajes y de diálogos o en un documental la temática. Describimos a continuación con mayor detalle cada una de estas fases.

La ficha técnico-artística
La ficha técnico‑artística proporciona una serie de datos que permiten explicar elementos del contexto de producción, la elección de actores y técnicos, la intervención de creadores (productor, guionista, director, operador, escenógrafo y músico) así como la carrera comercial del filme, desde el tiempo transcurrido entre la producción y el estreno, al número de espectadores de las salas cinematográficas. La ficha completa contiene, al menos, los siguientes datos:
· Productora
· año y país
· productor (productores asociados, director, jefe, ayudantes, secretaria y auxiliar de produc­ción, regidor)
· guionista
· director (ayudantes, script)
· operador (segundo operador, ayudante y auxiliar de cámara, maquinista, jefe de eléctricos, eléctricos)
· montador
· sonido (ingeniero, efectos sala, ayudantes, estudios de sonido)
· músicos (compositor, adaptador, orquesta, estudio de grabación)
· escenógrafo (constructor de decorados, ayudantes, atrecistas)
· vestuario y maquillaje, equipo artístico (actores y nombres de persona­jes)
· Laboratorio
· diseño de créditos
· transportes
· asesoría laboral
· promoción y prensa
· fechas y lugar de rodaje
· formato de película
· paso de proyector y sistema de color
· empresa distribuidora
· fecha de estreno y número de copias
· recaudación y número de espectadores

Sinopsis argumental
La sinopsis argumental, sirve para recordar el relato de un modo breve y ver, fundamentalmente, el tipo de historia en que se basa la película.
Es posible realizar un proceso de selección de diálogos y acciones dramáticas para hacer un esquema del relato.
Elementos formales del discurso fílmico
Valorar la función que desempeñan los elementos formales del filme como los códigos visuales, sonoros y sintácticos nos ayudará a detectar un rasgo del estilo del cineasta o son expresión de un modo de abordar la temática. Códigos visuales. Habrá que describir y valorar las opciones de:
a) Códigos sonoros. tipos de diálogos en las distintas secuencias y en cada personaje, y a señalar los fragmentos de la banda de ruidos y de la música más significativos.
b) Códigos sintácticos. signos de puntuación (fundidos en negro, encadenados, cortinillas, rótulos) empleados; de la duración de las secuencias, del ritmo y los procedimientos para conseguir un determinado tiempo fílmico, y las características del montaje.
Elementos formales del relato
Aunque muy en relación con el lenguaje del discurso fílmico, se trata ahora de indagar en la película en cuanto estructura del guión.
a) Enunciación y punto de vista. Consiste en señalar al espectador al que se dirige, su cultura o una actitud, la existencia o no de narradores y los puntos de vista durante las secuencias.
b) El tiempo cinematográfico. Según las categorías de orden (lineal o no lineal), duración (sumarios, dilataciones, escenas, elipsis y pausas) y frecuencia (existencia de secuencias repetitivas y reiterativas).
c) Estructura del guión. El uso de los códigos sintácticos y en la enunciación y el tiempo caracterizaran la estructura narrativa en conjunto.
d) Personajes y escenarios. Descripción de los personajes individualmente y en relación con los otros. Valoración de la interpretación de los actores, la relación de los personajes con el director y su capacidad para encarnar visiones del mundo

Temática
La palabra tema ‑ asunto, cuestión, tesis, argumento...‑ nos obliga a delimitar el objeto que tratamos según los temas, motivos y argumentos.

Por, José Luis Sánchez Noriega
Historia del Cine. Teoría y géneros cinematográficos, fotografía y televisión
Alianza Editorial. Madrid, 2002

water. manya

Manya Loría
Apreciación Cinematográfica

“Water”
· Productor: David Hamilton.
· Director: Deepa Mehta.
· Guionista: Deepa Mehta.
· Actores: Seema Biswas (Shakuntula), Lisa Ray (Kalyani), John Abraham (Narayan), Sarala (Chuyia), Manorma (Madhumati), Waheeda Rehman (Bhagwati), Kulbushan Kharbanda (Sadananda), Raghuvir Yadav (Gulabi), Vinay Pathak (Rabindra), Ronica Sajnani (Kunti).
· Vestuario: Dolly Ahluwallia; la ropa que utilizan es bastante simple, saharis y ropa típica de la India, pero nos remonta a la India de 1938, ¡Bravo por eso!
· Dirección artística: Sumant Jayakrishnan; hay imágenes muy hermosas en este film, sobretodo en las que el agua es el elemento principal.
· Montaje: Colin Monie; el montaje de esta película deja mucho que desear, hay muchos errores de continuidad y la estructura es plana.
· Actor no actor: Sarala, la actriz que interpreta a Chuyia me parece buena, ya que a pesar de que se le nota que no es actriz tiene muy buenos momentos, vemos a una niña vivaracha pero inocente a la vez que logra cautivarnos y formar un lazo con el personaje.
· Personajes no humanos: Kalu, el cachorrito negro que Kalyani tenía escondido, tierno y juguetón, dulzura e inocencia para contrastar la terrible realidad de Chuyia.
· Actor secundario: Seema Biswas, es la mejor actriz de toda la película a mi forma de ver las cosas, nos logra transmitir un personaje hermoso, una viuda de brahmán que parece ser dura, pero es una buena mujer, es un personaje sumamente complicado.
· Actor de personalidad: ninguno.
· Actor de personalidad múltiple: Lisa Ray, ha hecho algunas películas pero es modelo por sobre todo.
· Actor especializado: ninguno.

Esta película es un ejemplo de una buena historia mal manejada, en mi caso fue muy interesante conocer más a fondo los hechos históricos y las tradiciones hindúes que se manejan en esta película, y fue muy rico irlo descubriendo al lado de Chuyia, una niña cautivadora que sufrió tanto y te hace que de inmediato te identifiques con ella, pero me da coraje que una temática tan buena haya sido tan mal manejada.
Este film nos habla de la historia de una pequeña en la India colonial en 1938, cuando Mahatma Ghandi intentaba liberar a su país; Chuyia, nuestra pequeña heroína, a los 8 años era una mujer casada, y también a los 8 años se convirtió en viuda, y según las creencias hindúes, cuando una mujer se casa se convierte en la mitad del hombre, por lo que si él muere, se va con él la mitad de la mujer, esto hace que las viudas no tengan muchas opciones para continuar, los libros sagrados dicen que tienen tres opciones: casarse con el hermano más joven de su marido (sólo con el consentimiento de la familia), ser incineradas con su marido o llevar una vida de total abnegación, y la familia de Chuyia decide para ella la tercera opción, se le afeita la cabeza, se le pone una túnica blanca e ingresa a un ashram, una casa de viudas donde deberá pasar el resto de su vida.
Ahí, asustada y expectante, conoce a las demás viudas, pero se siente totalmente fuera de lugar, es la única niña, hasta que conoce a Kalyani, una viuda joven y hermosa que se dedica a la prostitución y es el sustento económico del ashram, por lo que se le permite conservar su cabellera, la cual le muestra que la vida todavía puede tener un poco de color. Un día a orillas del río, Kalyani y Chuyia conocen a Narayan, un joven estudiante de derecho que es hijo de brahamnes (la casta social más alta de la India), y de manera bastante predecible, Kalyani y Narayan se enamoran, pero Narayan es un idealista y está dispuesto a hacerlo todo por conseguir su objetivo, tirando a la basura todas las reglas hindúes y con Gandhi como líder, hace todo lo posible por casarse con Kalyani, poniendo a Chuyia como mensajera.
Vemos, a través de todo el film, la cruda realidad vista de una manera dura pero tierna a la vez en cada una de las viudas, la anciana que sólo vive para conseguir un dulce y recordar cuando su vida era mejor, y cuando lo consigue porque Chuyia se lo compra y se lo lleva, muere por una indigestión (fue una de las escenas más conmovedoras para mí, de toda la película, desde que Chuyia le compra el dulce hasta que la anciana muere); la prostitución de Kalyani para sustentar económicamente el ashram; el amor imposible entre Kalyani y Narayan; la anagnórisis de Shakuntala al enterarse de que Chuyia fue prostituida también; nos muestra de una forma conmovedora la miseria que se vivió y probablemente se sigue viviendo en la India.
Finalmente nos muestra como Shakuntala niega su religión y saca a Chuyia de ese horrible lugar para darle la oportunidad de que tenga otro tipo de vida.
“Water” es una metáfora que nos muestra algo mucho más profundo, cómo los dogmas manejan a las personas, y basan su vida en una fe que está compuesta de reglas para manejar a la gente, para manipular a las masas, no para el crecimiento espiritual de las personas, los hombres aprendieron a manejar a las mujeres a través de la fe, a través de lo que dicen los textos sagrados lograron que las mismas mujeres se sometieran.
El film nos muestra una denuncia contra el patriarcado hindú, y una reflexión hacia nuestra realidad actual, en la que según un censo en el 2001, había más de 34 millones de viudas en situación de exclusión social, de las cuales, 11 millones viven en ashrams en la miseria más absoluta. Pero el film no nos habla solamente de viudas hindúes, sino del machismo que existe en todo el mundo, en menor o mayor cantidad pero existe.
Debo admitir que me desilusionó que se le diera tan poca importancia a los detalles, es decir, hay muchísimo errores de continuidad, recalcaban cosas que ya eran obvias y rompían la estructura de la película como para hace paréntesis culturales; y las actuaciones están bien a secas, y sólo algunas; la niña que interpreta a Chuyia logra transmitir cosas muy bonitas y creo que tiene alma de actriz nata, pero se ve de inmediato que no es actriz; Lisa Ray nos da una Kalyani un poco plana para mi punto de vista, no le note la vehemencia que el personaje en sí me producía, pero a pesar de eso su interpretación estuvo “bien”; la actriz que me impresionó fue Seema Biswas con su interpretación de Shakuntula, fue un personaje maravilloso que me sorprendía a cada minuto, sumamente complejo, una muy buena creación de personaje.
Lo que rescato de esta película es la historia y el sentimentalismo con el que está llevada, es conmovedora y fuerte a la vez, y a pesar de sus deficiencias creo que es una buena película.
Es una película para ver a solas y reflexionar.
De acuerdo a mi nueva escala de evaluación:
· Una de mis películas favoritas, obra maestra.
· Maravillosa, para verla tres veces.
· Buena, me enseña, lo paso bien y reflexiono.
· Dominguera, sube la moral y me la paso bien.
· Regular, cae en lo simple.
· Mala, simplona, sin género, sin historia, sin… nada.

crítico y crítica.

Este escrito pretende ser apenas un punto de partida, un esbozo de lo que la crítica de cine debe construir: el seguimiento de un estado de conciencia hacia el conocimiento. Un ensayo sobre la crítica debe asumirse como el ejemplo más riguroso de una declaración de principios.

Ejercer una actitud crítica es un comportamiento emergente de una toma de posición que se apoya en lo meramente intelectual, más aún, en lo literario, para sostener algo mucho más trascendente y complejo, como ser la construcción de una teoría, de una visión que englobe tanto al sujeto como al objeto de la crítica misma. Ejercer la crítica es una busca, continua e incompleta, del conocimiento.

Como es habitual en los tiempos que corren, todo se degrada, se reduce y se pierde. Pareciera que la época en que vivimos es cada vez más propicia para ejercer la crítica, ya sea de arte, de política o de repostería. Aun así, lo que expresa esta crítica es, paradójicamente, su flagrante falta de actitud crítica.

Es por ello que estos momentos me parecen oportunos para ensayar algunas precisiones acerca de lo que entendemos por actitud crítica por el resultado al que esta disciplina debe aspirar.
Esta puesta se impone tanto más cuanto siguen apareciendo confusiones, dialécticas o meras opiniones que carecen del sustento mínimo como para poder profesar una inteligibilidad más allá de lo aparente. La alarmante superficialidad de nuestra época se percibe en todas las disciplinas en todos los frentes. La falta de cimientos, de buen material y mano de obra calificada hacen imposible la construcción de un edificio que sostenga siquiera su propia existencia. Ni hablar de querer habitarlo o querer utilizarlo para sostener otros. Esta falta de sustento teórico es aún más preocupante en tanto y en cuanto su esencia, es también cada vez más banalizada.

Obviamente la crítica de cine no escapa a estas reflexiones. Peor aún, y dada la naturaleza popular y abierta del cine, la crisis se potencia. La crítica de cine está sumida en una oscuridad que cualquier consideración pertinente a metodología, pensamiento reflexivo o relacional, se toma como extraña, inoportuna y hasta fuera de lugar.

La crítica se ha convertido en una excentricidad, y ese estar fuera del centro la convierte en exclusión del sistema de consumo. Dado este estado de cosas es inminente una reflexión profunda, un pedido de transformación de la situación actual que aproveche este elemento reinante y destructor, y construya desde su posición excéntrica, marginal, un espacio intelectual propio, rico, robusto, que la lleve, en su dimensión intelectual, ética, filosófica y religiosa, de regreso hacia el centro del mundo.

La crítica de cine, como toda disciplina intelectual, conlleva un enorme esfuerzo. Se debe estudiar, leer, escribir, reescribir, ver y mirar una y otra vez los clásicos, lo contemporáneo, establecer una metodología, un camino a seguir hacia la construcción de una posición teórica.
Establecida dicha posición, podremos, crítica mediante, construir la visión necesaria para juzgar, concepto por concepto, lo establecido. Evitar la pereza sería el primer axioma que nos lleve al inmediato siguiente: pensar el cine. Se debe definirlo personalmente. Para ello, primero, se lo debe conocer.

El crítico debe ser un especialista en el reconocimiento de los elementos con que pueda construir los elementos de su juicio de valor. Por eso toda crítica de cine debe nacer de un análisis de la puesta en escena. Si esto se omite, la crítica no tiene asidero, no propone demostración, se pierde en percepciones injustificadas, tornándose sentimental e inoperante.

Una vez establecido este primer nivel, necesario y generador de todos los demás, se puede avanzar en el ensayo externo, sea aquél ético, filosófico o teológico. El crítico trabaja con lo hecho para ordenar el hacer y exponerlo para la inteligibilidad de aquello que en el acto de hacer, lo hecho ha ocultado.

Desarrollar esta suerte de hermenéutica es el fundamento esencial de la crítica. Lo que el director propone intuitivamente, el crítico lo descifra cerebralmente. Si fuese al revés no habría arte.

Visto así, el trabajo del crítico es completar el trabajo del director, trabajar sintéticamente, recordando, relacionando, simbolizando. Cuanto más indiscernible le resulta al crítico saber cuánto completó, mejor será su tarea y mejor será la obra del director.
Para decirlo de otra manera: el arte es la condescendencia del espíritu y la crítica es el resultado de la compasión del creador. Escribir, ejercer la crítica, son disciplinas para entender el cine.
Todo film exige una explicación.
Toda crítica es un ejercicio literario que debe tender a un lenguaje simbólico, cuyo contenido debe sentar las bases para la trascendencia del objeto que la originó.
La crítica debe tender a lo sintético.

Evitar la pereza y otros males de la época no es tarea fácil. Están también las contradicciones, la natural tendencia al desconcierto que favorece el error y el olvido. ¿Es que alguien recuerda más de tres o cuatro críticas memorables de los últimos cinco años? Aprendamos a ponerle freno a la banalización de la intuición intelectual, a la ausencia de principios, a la anarquía metodológica, al irresponsable aluvión de visiones fragmentarias, a la dispersión, a la violenta exacerbación de las insignificancias, a la creación de nimiedades, extravagancias, vanguardias o rupturas. Todo ello cuanto menos inmaduro, imprudente y artificial.

Debemos escribir para leer. Esto es: para crear una visión en el mismo acto de escribir. Nuestra visión debe completarse con el acto de escribir, no debe conjurarse en un apriorismo, al mismo tiempo que debe evitar la babelización de las herramientas.
Tratar de evitar perderse en argucias filosóficas que merodeen el objeto sin convocar al entendimiento.
La escritura debe tender al orden ascendente en el eje: información-erudición-estética (representación)-ética (visión). El director de cine escribe filmando, poniendo en escena, el crítico también escribe. Los dos leen de alguna manera lo mismo. Los dos terminan su lectura con el acto mismo de la escritura.

Por último, no olvidemos que el cine es, ante todo, materia espiritual. No le quitemos esa esencia a nuestra tarea.

Uno1 y la crítica

[ Uno1 y la crítica ] / Papel Literario de El Nacional. 3 de enero de 1993

John Steinbeck, creo, era quien sostenía que en cada escritor hay por lo menos tres personas: un lector, un analista escrupuloso y un critico implacable, trinomio que, si no es exacto, aproxima al menos la esquizofrenia a la que arrastra el acto creativo: escribir es escribirse y ya eso, en sí, es signo del mas grande atrevimiento e indicio de la mayor fragmentación. Por eso la critica es, para uno, nada menos que asunto de soportarse en el espejo. El critico fuera de uno, ese fisgón que anda a la caza del idiota o del genio que todos tenemos por dentro, es en cierto modo, una parte degradada de uno mismo. por eso, cuando uno escribe, la critica de los otros carece de importancia.

El critico, bien mirado, es el remedo de ese quídam rastreador que todos tenemos por dentro, pero divorciado de esa otra parte de uno mismo que se arriesga y soporta el propio juicio con denuedo. Para critico despiadado yo, que conozco mis debilidades y taso mis logros y, lo que es peor, construyo los ideales de mis metas. Lo que es la critica lo conoce el escritor (o el músico o cualquier creador) desde el primer balbuceo, y aquel eco que retumba a posteriori, en voz de un extraño, es un intimo fantasma que reaparece a destiempo.

El critico, ese que mira mi contienda desde afuera, es además, como yo, o como tu, o como cada cual cuando crea, pero sin atravesar la agonía y la aventura que me envuelve cuando decido aceptarme creador. Ese critico soy yo paralizado o, mejor dicho, a resguardo. Por eso la critica de la obra ajena es un bastión y a veces, una manera de aliviar la cobardía frente a si mismo. Cuando distiendo mi propia critica y me permito la página llena de errores, acallo al critico que hay en mi, o por lo menos me permito un trago con el y una tregua. La disputa del creador se cierra con el vuelo de ese venablo que consideraba lanzado Julio Cortázar cada vez que finalizaba un cuento y, olvidado de la saeta (y aun de la mano sometida a la tensión del envío), se marchaba a tomar cervezas con los amigos. El crítico es ese inútil ingeniero balístico que se preocupa por los avatares de la flecha y el viento.

Como creador, no hay que pedirle al critico nada, ni piedad, ni comprensión, ni entendimiento. Para ese ser que soy yo en el ahora de mi creación, el único critico posible es esa otra parte de mí que ríe y que maldice a brazo partido junto a mi yo creador, hasta que puedo arribar al momento del parto fecundo o del fracaso.

A veces, mientras se escribe, uno coloca esta parte critica de uno en un maestro o un amigo, pero, en definitiva, el único enjuiciador sigue siendo uno mismo, escindido y sobre todo triunfante, por la gracia del riesgo asumido. Ese otro que aguarda a que yo hable, que se guarece de su superyo imitando lo intolerante de mí, que opina cuando todo este universo de miedo y amor ha concluido, participa de un ritual que, en tanto creador, poco me incumbe.
No quiere decir esto que el creador no escuche al critico, pero este acto es siempre posterior al que da a nacer la obra. a lo mejor mi critico interior hasta coincida con sus reflexiones, con su objetividad o su malicia. Lo cierto es que ya no será mi yo, el creador, quien consienta en el rendez-vouz.

Cuando escribo, ese es mi territorio. Yo soy mi lector, soy mi juez, soy mi demiurgo. Este campo de batalla, excelso o nimio, le esta vedado al resto del mundo y ni siquiera el crítico, con su admiración sabia o con su diligente rapacidad, tiene la posibilidad de participar en él.


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(1) ¿Cómo evitar el pronombre indeterminado? Una precaución estudiadamente aséptica sustenta ese otro discurso en tercera persona contra el cual me rebelo. Entonces, no El escritor y la Crítica, sino Uno y la crítica, La Crítica y Yo. Alrededor de esta distancia mínima se inscribe el drama entre la crítica y el creador

9a clase

9ª clase


A continuación el método más sencillo para ejercer la apreciación cinematográfica, partiendo de que el cine es un arte y por tanto, no es posible separarlo de su contexto cultural

El método consta de seis fases:

1.-Acercamiento al discurso cinematográfico
Para la comprensión del filme es preciso:
Atención y disposición de observación del filme
Tomar notas
Crear una ficha técnico‑artística es decir, proporcionar datos que permiten explicar elementos del contexto de producción, la elección de actores y técnicos, la intervención de creadores (productor, guionista, director, operador, escenógrafo y músico) así como la carrera comercial del filme, desde el tiempo transcurrido entre la producción y el estreno, al número de espectadores de las salas cinematográficas.
Sintetizar el argumento (sinopsis) para recordar el relato de un modo breve y ver, fundamentalmente, el tipo de historia en que se basa la película. Es posible realizar un proceso de selección de diálogos y acciones dramáticas para hacer un esquema del relato.
Describir la acción dramática, es decir, describir los acontecimientos en el mismo orden en el que aparecieron en la película (síntesis).
Describir a los personajes principales respecto a sus atributos, gestos y sus diálogos esenciales.

2.-Localización de la obra cinematográfica
Localizar significa fijar el lugar de una cosa. Por tanto, localizar una película consise en precisar el lugar que ocupa en la filmografía de su autor.
Autor de la misma
Fecha de la realización
Etapa. En caso de que el autor muestre fases reconocibles durante el desarrollo de su obra cinematográfica.
Género cinematográfico o literario

3. Determinación del tema o temas de la película
El asunto o tema de una obra cinematográfica es la trama de acontecimientos en que consiste la obra, una breve narración que conserva los detalles más importantes de la película.
El tema o temas, pues puede haber varios, se fija disminuyendo al mínimo posible. Los elementos del argumento y reduciendo este a nociones o conceptos generales. Para expresar el tema basta una frase o dos.

4. Determinación de la estructura
El tema está siempre distribuido entre las partes de la obra la cual constituye la estructura. Ejemplo, lineal o no lineal.


5. Análisis de la forma
Consiste en justificar cada rasgo formal de la misma como una exigencia del tema, analizar la forma partiendo del tema- no hay que confundir forma con medios técnicos empleados.

6. Conclusión
Una vez estudiadas las fases anteriores se procede a estructural un texto producto de la información acumulada, lo cual constituye la conclusión o síntesis de la lectura del discurso cinematográfico.

VITUS. KALI.

VITUS:

Día a día, miles de seres humanos nacen, día a día miles de seres humanos crecen y aprenden en todo el mundo, pero hay humanos… hay ciertos humanos que son distintos a la mayoría, ellos tienen algún don que, los hace ir por delante, ser reconocidos y alabados… ¿quién no quisiera sentirlo? Muy simple, aquellos que poseen esos dones.

Si usted no es de aquellos que se desilusionan cuando leen detalles sobre la película que no han visto, detenga su lectura en este momento, tome su Cosmopolitan y continúe con su vida…

Vitus, una película de origen y producción Suiza, producida por Sony Pictures. Bajo la batuta de Fredi M. Murer como director, esta película nos cuenta la historia de un niño superdotado, él ha nacido con una gran gama de habilidades sorprendentes, entre ellas, la más destacable, su tremendo don para tocar el piano. Y eso no es cualquier cosa, ¿qué harías si tuvieras como hijo a alguien totalmente fuera de serie? Eso mismo se preguntan los padres de Vitus, al saberse a cargo de un niño tan especial, al hacerse conscientes de que deben de animar y ayudar al desarrollo de un genio como el de este “chamaquito”. La presión jamás es agradable, Vitus es especial, sí, pero él no tiene la culpa, desearía ser como cualquier otro niño normal, el tiempo pasa, y Vitus crece y cree en otras cosas, su único amigo, su abuelo, es el que atento escucha todo lo que sucede con este ser tan especial, muchas cosas han cambiado (ahora Vitus, con 13 años está a punto de graduarse a la universidad), pero muchas, siguen igual, como la presión de sus padres, presión que Vitus ya no soporta, él sigue deseando poder tener una vida normal, sin la carga que representa ser un genio… un día lluvioso y tétrico, Vitus cae de un segundo piso, tiene un accidente, los análisis dicen que todo es normal, pero hay algo extraño en Vitus, su habilidad para el piano parece haber desparecido, su ICQ está bien… ahora, es el de un niño normal. ¡El genio se ha perdido? ¿Y todos los planes, y todos los sueños, también?

Vitus nos ofrece una problemática sorprendente, y a mi manera de ver, no, no es la gran habilidad de Vitus, va más allá. Se acerca los sentimientos más sucios y a la vez más hermosos de los humanos, a sus sueños, a su felicidad, a la verdadera felicidad.

Es una película sencilla, no se vale e grandes tomas ni efectos, los movimientos de cámara oscilan entre los paneos verticales, horizontales y algunos travelings, nos ofrecen excelentes tomas como el enojo de Vitus y su puerta con su madre tocando detrás, como el avión, y su vuelo. Aquí es cuando entran a cuadro el uso del gran plano general, un momento para recordar. El uso del primer plano y plano conjunto es constante, el director logra un equilibrio en la toma que llega a sorprender. Una sencilla cámara lenta a la caída del sombrero nos muestra un universo de ideas, para mí, uno de los momentos claves en la película.

Vitus, cuenta con una duración de planos, equilibrada, digamos que el director juega con la velocidad y contenido de los planos para manejar la tensión en el espectador, todo esto le agrega, para mí, un ritmo “in crescendo”, si no es que arrítmico, pues no puedo decir que es lento debido a las acciones y situaciones que desarrollan los personajes.

El espacio geográfico se desarrolla en la misma Suiza, recordando el lenguaje utilizado, vemos como se conjugan en este país, punto de encuentro de distintas y ricas culturas y costumbres, el idioma alemán, francés e italiano, los tres idiomas oficiales de Suiza. Un país con lindos paisajes que sirve también como sutil escenario para una historia tan extraordinaria y tan común, aprovechando la belleza del paisaje se le da una iluminación sencilla, natural a la mayor parte del film. Desde aquellos lugares con el abuelo, hasta la luz de los grandes ventanales que contrastan con la pequeña silueta del “Dr. Wolf”. El film se vale del uso del color psicológico, los colores fríos de una tarde confusa, o los colores vivos de una universidad, que a la vez muestra vacío y soledad.

Dando una vuelta a todos los elementos que hacen de Vitus una película digna de captar unos minutos de tiempo es, definitivamente, el sonido, ¿qué puedes esperar de una película sobre un prodigio del piano? Pues efectivamente, ese maravilloso don se manifiesta en las melodías de Vitus, que cuenta con piezas de Bach, Ravel, Lizst y Mozart por mencionar algunos. El sonido subjetivo, la música con gran protagonismo, ayuda a la ambientación y a transmitir las ideas necesarias, necesario para entender a un genio.

La escena final de Vitus en una avioneta es, no muy sorprendentemente una de las escenas finales, por lo que podemos decir que se ubica dentro de un plano fragmentado sólo por la alteración de este punto o fragmento, pues la historia transcurre en su mayo parte de forma lineal. Un montaje de tipo ideológico es otro elemento a destacar de Vitus. Y hablando de lementos a destacar, destaco el trabajo (claro) del director Fredi M. Murer, de los actores, Bruno Ganz (Abuelo) Teo Gheorghiu (Vitus puberto). De los encargado de la interpretación musical de las obra de grandes músicos, directores de orquesta y musicalizadotes definitivamente. Y por último a los encargados de vestuario, que contribuyeron al encanto de un niño con traje de caballero.

Ya casi para terminar, me parece algo “innecesaria” la parafernalia de las habilidades de Vitus, digo, al final el mensaje es muy diferente del que uno espera recibir, y el hecho de que el pequeño enriquezca a su familia (no sé si por envidia de la genialidad) no me agradó tanto como el resto de la película, aunque también es necesario para completar el mensaje de: “la verdadera felicidad”. Es una obra dirigida para todo público, sí, incluso para público joven, ya que hasta cierto punto llega a ser motivacional. Vitus, un personaje que hace y deshace de todo sólo para darse cuenta de que sencilla es la felicidad, tengas un gran genio o no…

Vitus es una de esas películas que puedes ver con una sonrisa de ternura durante aproximadamente dos horas, terminar y suspirar antes de exclamar un: ¡Ahh! Con una visión feliz de la vida. Déjate tocar por un prodigio, por “un niño extraordinario”. En fin, ahora juzguen ustedes mismos y espero comentarios.

VITUS. CÉSAR.

Vitus

Hablar de Vitus es hablar de un film hecho y derecho, manejado bajo un estándar de rigurosa profesionalidad y perfeccionismo, hablando no solo del director, sino de los elementos que quedan bajo otras manos y responsabilidades, como la fotografía, la música y hasta las actuaciones.

Siempre me ha impresionado mucho la manera de hacer actuar a un niño, uno como actor en preparación resulta difícil, ahora un niño que no tiene claro sus sentimientos me parece aun mas dificil, y que el director halla conseguido hacer que el niño reproduzca la exactitud en sus acciones, emociones y sentimientos, me parece magnifico trabajo en equipo; sobretodo hablando de la parte en la que Vitus tiene 6 años.

Introduciéndonos en el argumento es sencillo al ver la película, ya que es una historia meramente lineal, claro, con sus respectivos tiempos psicológicos en el paso de la vida de la familia, el trabajo y en general, el entorno en que vive el niño prodigio. Sin embargo resulta igual de sencillo sensibilizarnos ante tal forma en que se cuenta la vida de una persona distinta a la mayoría de la gente, observas que no por ser inteligente la vida es mas sencilla, ya que toma diferentes curvas a las que una persona común se enfrenta día con día.

Me pareció fascinante el sentimiento que me dejo la piel chinita por este filme, pues a pesar de que no te sientes identificado con el personaje en ningún momento, pues él vive bajo un contexto casi irreal y de total ficción, solo por mencionar lo rápido que se vuelve rico con solo entrar al Internet a verificar la bolsa de valores, la suerte que su padre tiene para obtener un buen puesto en una empresa siendo inventor, y en general su alto IQ, es lo que te mantiene lejos de que puedas ser como él, sin embargo te vuelves parte de esa vida y eso, precisamente, es lo que te produce la ya tan sonada emoción final al momento de estar leyendo los créditos.

La música, en conjunto con las tomas echas en su mayoría bajo una cámara estática y bien postrada en un tri pie, son parte fundamental para la transportación de sentimientos actor-publico y con tomas largas de distensión para dejar claro detalles importantísimos como los momentos con su abuelo, que son vitales en esta película, y algunas tomas giratorias de 360 grados también son especiales para que el publico pueda observar lentamente como toca el piano y como su publico lo observa atónito.

De manera alterna, se maneja en este film la presión a la que vive sometido el niño por sus padres que lo obligan a mantener un régimen de disciplina para con sus actividades, y de la misma manera también se muestran los baches, y las caídas en la vida del niño, tales de una vida normal, la desgracia de perder y es hasta ese momento en que uno se da cuenta de lo que tiene hasta que lo pierde (poniéndonos en los zapatos de su mama, al momento de su caída) pues es la doctora quien menciona esa frase de “su hijo esta en condiciones normales, no sufre de nada, malo para mi dar noticias en que tengo que decir que han perdido de su capacidad cerebral”, pero la madre es la que se siente deprimida porque su hijo ha dejado de ser un niño prodigio y ahora es normal a los demás.

Un drama de categoría, de un cine meramente contemporáneo, de exquisita comodidad y entretenimiento, que se puede observar al lado de tu novia, tu familia, en domingo o en martes por la mañana, una película auténticamente cincoestrellas.

Ficha Técnica

Título: Vitus: Un niño extraordinario
Director: Fredi M. Murer Productora: Sony Pictures Classics
Guión: Peter Luisi, Fredi M. Murer , Lukas B. Suter

País: Suiza
Año: 2006
Reparto: Fabrizio Borsani, Teo Gheorghiu, Julika Jenkins, Urs Jucker, Bruno Ganz, Eleni Haupt, Kristina Lykowa, Tamara Scarpellini, Daniel Rohr, Norbert Schwientek, Heidy Forster, Daniel Fueter.

Vitus. Oli

Olivia Lara Sahagun
Vitus
Largometraje producida por el director suizo Fredi M. Murer, un discurso enternecedor resaltando la belleza, sensibilidad y la experiencia de la línea de la vejez y la infancia, mostrando como ambos viven mismos conflictos, pensamientos, anhelos, desprecios pero sobre todo sueños. Género drama definido a manera de fábula.
Muestra la historia de Vitus, un pequeño que nace con dotes magníficos sobre aprendizaje y sensibilidad a la música, afortunadamente o desafortunadamente comienza a descubrir su talento desde una edad imposible de encontrar tanta racionalidad y capacidad en alguien normal, esto delata al pequeño y sus padres descubren su facilidad y sensibilidad ante la música y sobre sus capacidades mentales altamente elevadas. Comienza cierta presión al querer mostrarlo ante la sociedad y el que sea apreciado y admirado como lo merece, el explotar al máximo sus capacidades de una manera aún más veloz, esto provoca una intensa y limitante frustración en el niño, comienza a buscar soledad, comienza a vivir sucesos que a su edad no le tocarían vivirlas, comienza a crecer demasiado rápido, y la presión de los cegados padres continua, comienza a despertar un deseo de respeto ante su persona, ante sus sentimientos y pensamientos, comienza a negarse y oponerse a sus padres de manera sutilmente inteligente.
Es cuando su madre viéndolo como un sueño de su hijo que al mismo tiempo se convertía en el sueño de ella misma lo involucra a un rápido avance en clases de piano y preparación, al rechazarlo lo culpa y permite que su orgullo ante la actitud de su hijo comience a cambiar de rumbo a una relación con especial trato y comunicación. El pequeño recurre a su abuelo, la única persona que parece entenderlo o al menos escucharlo, un hombre que lleva su mismo ritmo y jamás lo presiona, se crea un lazo muy importante a falta de comprensión de Vitus con los demás.
Entonces decide fingir un accidente y como consecuencia un retraso a sus extraordinarias capacidades, intenta vivir como un niño normal, engaña a sus padres pero ahora se siente más seguro, es un secreto que sólo lo guarda el abuelo, Vitus como agradecimiento a tantas cosas en su corta pero fuerte vida le propone a su abuelo invertir dinero en un plan que el estructuró y así triplicarlo, lo consiguen y con el dinero, el abuelo se regala un simulador de avión, su sueño más grande, el volar, y el niño continúa en su búsqueda de su razón de vida y su sueño, fallece el abuelo y el pequeño debe enfrentarse nuevamente al mundo, a la difícil realidad. Pero el secreto es descubierto tras la muerte del abuelo y la familia de Vitus logra entender tantas cosas que jamás hubieran pensado sobre su propio hijo.

Analizando éste film, es maravillosa la manera en cómo te muestra el director toda una lucha constante en búsqueda de la felicidad y tranquilidad de un pequeño de apenas 13 años de edad, incomprendido, al contrario de sentirse orgulloso y admirado por su talento, muestra un sentimiento de discriminación, de incomprensión, presión, confusión, el sentirse totalmente como un fenómeno, la hermosura de los lazos abuelo y nieto, los mejores amigos, el compartir sus sueños, el confiar plenamente en el otro. Existe un mensaje perfecto en ésta película, para mi es el hecho de compartir lo poco o mucho que tengas, lo que has ganado, lo que te han regalado pero compartirlo con alguien más, y así juntos tener un apoyo y unión imposible de destruir. El luchar hasta lo imposible por encontrar ese sueño y esa felicidad, y después trabajar para obtenerla, jamás rendirte y no dejarte titubear por personas que consciente o inconscientemente provocan indecisión y manipulación. El nunca es tarde para realizar tus sueños.
La tranquilidad y esperanza que te produce éste discurso es incomparable, provoca un alivio ante la infinidad y variación de conflictos que tengas, crea una respuesta en cada uno, una oportunidad más ante todo. Una reflexión profunda y una sonrisa por dentro tal vez infinita. Despierta esa fe en cualquier persona capaz de sentir.
El contraste del abuelo, libre, humildemente feliz y divertido, y una madre preocupada por un futuro que no le pertenece, un tanto posesiva y poco sensible ante la realidad de Vitus. Quedé maravillada con ésta parte de la historia, dos personas que son responsables del desarrollo de Vitus, involucradas en su dote pero con distintas formas de ver el mundo de Vitus.
Impresionante la actuación de dos niños, Fabrizio Borsani y Teo Gheorghiu que son auténticamente virtuosos en el piano en la vida real pero también que actúan excelentemente bien, convencen, sensibilizan y transmiten, es de admirarlo ya que actores con 10 o años más de experiencia muchas veces no lo consiguen ni reflejan; cuando me enteré de esto quedé totalmente boquiabierta y sentí la inmensa necesidad de verla una vez más, ahora sabiendo que en realidad tenían esa aptitud.
El personaje del abuelo es motivador y realista, el abuelo, interpretado por Bruno Ganz, me encantó la manera en cómo sobresale esa energía y felicidad en su ser, esa manera de seguir conociendo, viviendo y cumpliendo su sueño de volar, la alegría y confianza que su rostro provoca, me pareció conmovedora su historia. Cabe mencionar que se muestra la preparación de éste hombre, ya que lleva una importante carrera previa, con un ejemplo en su interpretación de Hitler en la caída, alabado como director, productor, etc.
En cuanto a la música, verdaderamente mostraba una perfección total, un concierto tan apasionado y con fuerza, además que fue un protagonista en éste film, sensibiliza toda la película y muestra una parte d la vida del pequeño, cómo va cambiando, evolucionando, sufriendo y disfrutando, es todo un conjunto de emociones envueltos en su pasión. Nos deleita con piezas grandiosas de Bach, Mozart, Liszt, más música clásica.
El guión lo considero inteligente, los diálogos que manejan Vitus y el abuelo son capaces de acercarnos a las sensaciones y sentimientos que los directores quieren resaltar, me pareció cómo fue manejado el guión, tiene un toque poético, que lo diferencia de algunas películas norteamericanas.
La psicología y mentalidad de un pequeño genio y un anciano con la vitalidad de un niño lo hace muy interesante.
Vitus es una propuesta para reflexionar, sentir y vivir, tal vez abrir los ojos y reaccionar o para zar algo que llevas trabajando. Un drama ligero, interesante, tierno y con gran moraleja que me dejó satisfecha. Una película más en mi lista de favoritas.

Vitus
Por Jessica Zermeño

¡Sin duda alguna en este film todos se pasan de listos y virtuosos! Y es que ese dicho de que tres cabezas piensan más que una se cumplió con la producción de Christian Davi, Christof Neracher y Fredi M. Murer al tomar las riendas de ‘Vitus’, film dirigido y escrito por Fredi M. Murer en colaboración con Peter Luisi y Lukas B. Suter.
La tercia alcanzó los niveles de IQ necesarios para transmitir a través de un bello drama la vida de un niño genio, donde el espectador es testigo de cientos de problemas que viven estos niños superdotados al enfrentarse a un mundo lleno de simples mortales.
De forma lineal (aunque da inicio con un breve flash back todo lo demás es lineal), analítico, con planos sencillos (pero no menos expresivos), una exquisita selección de música interpretada en piano, y magistrales factores sorpresa hacen del argumento de ‘Vitus’ una historia inolvidable.
Agradezco que Murer se aventurara a cambiar la forma de contarnos historias de niños virtuosos que sufren por demostrar lo buenos que son ante el mundo, como recientemente se presenta en ‘Escucha tu destino’ donde el protagonista busca a través de la música a sus verdaderos padres. Sin embargo, Vitus, aborda una problemática que ha sido poco explotado en la industria cinematográfica y es el tema de la incomprensión a la que se ven sometidos estos pequeños genios y la explotación de los padres que buscan alcanzar el éxito a través de ellos.
El argumento de la película da inicio mostrándonos al pequeño ‘Vitus’ de 6 años añorando un piano, sin embargo sus padres no tienen las posibilidades económicas para dárselo. Pronto su padre, quien parece haber sido el portador del gen de la inteligencia de Vitus, consigue vender muy bien uno de sus inventos para mejorar los niveles de audición de las personas con sordera y recibe un ascenso muy importante en la compañía para la que trabaja.
Desde ese momento la genialidad de Vitus comienza a ser tomada en serio, su madre decide sacarlo del Kinder, lugar donde Vitus siempre estuvo fuera de contexto, pues mientras los demás cantaban canciones bobas, él aprendía nuevas palabras en el diccionario o leía cosas interesantes.
El pequeño comienza a tomar clases de piano, y pronto demuestra su gran virtuosismo ante el imponente instrumento. A la breve edad de 6 años tiene su primer borrachera a lado de Isabel, su niñera de 12 años de quien se enamora platónicamente. La madre de Vitus está histérica por tal atrevimiento y decide hacerse cargo ella misma de guiar los pasos de Vitus, así que desde ese momento la composición de las imágenes se tornan muy expresivas y dejan claro al espectador que la madre no descansaría hasta hacer de su hijo el mejor pianista, sometiéndolo a largas horas de ensayos, mientras ella disfruta de la música de su hijo. Y ahí comienza la rebeldía del pequeño Vitus quien muestra su lado temperamental y en todo momento expresa su racionalidad ante sus padres. Su único lado sincero y tierno se da a conocer con su abuelo, con quien comparte grandes secretos.
A través de una hermosa elipsis se quedan atrás las diminutas manos de Vitus de 6 años para mostrarnos al nuevo y ya caótico genio de 12 años. Y es que si el carácter del pequeño ya era impactante -con la excelente actuación de Fabrizio Borsani-, las cosas se tornan más interesantes cuando vemos a Vitus ridiculizar a los maestros de la preparatoria frente a todo el salón de clases o rechazar su primer oportunidad de tomar clases con una de las mejores pianistas. Motivo por el cual su madre se molesta muchísimo con él.
Vitus se queda sólo y reflexiona, de nada le sirven su 180 de IQ, su potencial ante el piano, todos los libros leídos si se ha vuelto un verdadero hígado, no tiene amigos y ni el mismo soporta su gran ego.
Tras esa pequeña depresión decide saltar por su balcón acompañado de unas grandes alas de vampiro que su abuelo le construyera años atrás.
Aparentemente la desgracia llega a la familia de Vitus, pues aunque este se encuentra perfecto de salud, ha perdido su genialidad. La madre se hunde en la depresión e intenta hacer que su hijo recobre su don inútilmente.
Vitus, pierde la oportunidad de ir a la Universidad e ingresa a una secundaria, donde comienza a hacer amigos.
Su vida cambia por completo y él parece ser el único en aceptarla. Todo le pinta bien en su vida de niño normal, el destino está tan de su lado que lo reencuentra con Isabel, el gran amor de su vida, ella trabaja en una tienda de discos y desde ese día Vitus no pierde oportunidad de verla.
Cuando el espectador comienza a amar al niño normal, o sorpresa, el abuelo descubre que todo fue un malévolo engaño de Vitus para hacer que su madre dejara de presionarlo con su genialidad, y el abuelo decide guardar el secreto.
El giro majestuoso del argumento es muy interesante, pues ahora Vitus se pasa de listo haciendo creer a todos que ahora ya no es más un genio.
Pronto vemos como sigue usando su intelecto para ayudar al único ser que lo ama por quién es, su abuelo, con quien emprende un nuevo reto. Vitus se cuela en la bolsa de valores bajo el seudónimo de Dr. Wolf y convierte a su abuelo en un multimillonario que disfruta en secreto de todo lo que su nieto le ha brindado, como cumplir su más grande sueño de ser piloto, al principio con un simulador y luego con una avioneta misma que lo conduce a la muerte.
Vitus entra en razón y comienza a dar solución a su vida demostrándoles a sus papás que no necesita que nadie este detrás de él y que es capaz de seguir sus pasiones sin presión.
Finalmente lo vemos dar inicio a su carrera como pianista y disfrutamos con un gran final de un concierto de Vitus.
Me gustaría destacar el cuidado que Sabine Murer le dio al vestuario al mostrarnos que en su etapa de niño su pasión, manifestada a través de vestuarios rojos, se vuelve fiel a su sentir. Sin embargo cuando el pequeño crece busca y tranquilidad lejos de su IQ su vestimenta es de color azul. Y para quienes ponemos atención en dichos aspectos es muy significativo encontrarlos muy bien ubicados y destacados.
La selección de la Música de Mario Beretta es deleitante, y obviamente en un film donde el argumento esta basado en la genialidad de un niño pianista no podía estar menos cuidada y atinada la música.
Considero que lo más importante de este discurso fílmico, aunque en principio parecería la música, creo que va más allá al mostrarnos a un niño que debe sobrevivir a la presión de una madre que deja su vida para explotar la de él. Y se expone el mal que a veces hacen los padres sin darse cuenta.
El manejo del tema es muy interesante y las resoluciones que logra Vitus son convincentes y placenteras para el espectador, aunque muchos de los que la veamos tengamos un IQ de menos de 100. Lo genial es que las grandes historias a veces son más sencillas de lo que pensamos.

Si usted comparte el mínimo de IQ que yo para enviar un comentario a mi correo hágalo a zerjess@hotmail.com intentaré comprenderlo con las pocas neuronas que aún le quedan a mi cabeza cinéfila.

La escena:
Cuando Vitus corre en el campo y con distención intenta volar con unas grandes alas de murciélago.
También cuando el suspenso de si el abuelo se ira a la quiebra o no es realmente hermosa.
Y otra de mis favoritas cuando el niño llega a tomar clases en su avioneta, demostrando que puede hacer eso y más…

Un aplauso:
El cast de Fabrizio Borsani (Vitus, 6 años) y Teo Gheorghiu- Vitus (12 años) ambos están geniales, adorables e insoportables en dicho papel.

Para aventar palomitas:
¡Que yo no fuera una niña genio! Perdón por el reproche personal de esta ocasión, sé que no soy parte del film, pero no encontré nada que maldecir hoy,

La recomendación:
Si sabe de un niño genio recomiéndela ampliamente a los padres de estos para que no caigan en los mismos errores y sobre todo apoye la libertad los mismos.

Ficha técnica:
Productor: Christian Davi, Christof Neracher y Fredi M. Murer.
· Director: Fredi M. Murer.
· Guionista: Peter Luisi, Fredi M. Murer y Lukas B. Suter.
· Actores:
Fabrizio Borsani-Vitus, 6 años,
Teo Gheorghiu- Vitus, 12 años,
Julika Jenkins- mamá,
Urs Jucker- papá
Bruno Ganz-abuelo
Kristina Lykowa- Isabel, 12 años,
Tamara Scarpellini -Isabel, 19 años
· Fotografía: Pio Corradi
· Música: Mario Beretta

Vitus por Dito

Director: Fredi M. Murer
Guionistas: Meter Luisi, Fredi M. Murer
Actores: Fabricio Borsani, Teo Gheorghiu, Julika Jenkins, Urs Jucker, Bruno Ganz, Eleni Haupt, Kristina Lykowa, Tamara Scarpellini.

Trata de un niño prodigio que a sus escasos 12 años llega a tener un gran razonamiento, agilidad mental y es un genio en el piano, esta muy presionado por su madre que tiene una gran obsesion con su capacidad para hacer las cosas y decide engañarlos a todos haciendoles creer que perdío su IQ en una caida y ahora es un niño normal, en ese lapso, hace rico a su abuelo y le administra el dinero que le hace ganar y ayuda a su padre secretamente para que recupere todo lo que habia construido y decide tomar su propio camino.

En mi opinión, la película esta muy bien hecha, sinceramente no se en que idioma estaba hablada porque como que habia partes en ingles y en aleman y es como una mezcla rara, en el demas sonido, puedo decir que la musica es maravillosa, el sonido es bueno, la iluminación creo que era natural en la mayoria de las escenas.

Los personajes, buenos, los actores lograron el cometido del personaje, lograron transmitir lo que se debia transmitir, no ubico actores no actores, tal ves solo el niño por obvias razones, hay pocos extras, todos los actores son nuevos para mi, desde la primera vez que vi la película, asi que no se si son actores multifacéticos o no.

Las escenografia no es simple pero no compleja, son casas, departamentos, la pequeña bodega del abuelo, los coloress no fueron manipulados, son colores naturales, no se usan colores temporales.

En cuestión de Montaje es de planos cortos y rapidos, es un ritmo un tanto agil, puesto que no aburre y te deja picado, es un plano lineal que te marca un paso del tiempo de cuando Vitus tiene 6 a cuando tiene 12, en esta película si encontre elipsis.

El tema principal de esta película, desde mi ver es la felicidad, abarca como la felicidad esta en uno mismo y no en las metas u otras cosas, sino en que tu lo decidas y tu hagas tu felicidad, tiene varios subtemas, como el respeto, el amor, etc, es una película muy completa, que creo hace reflexionar a cualquiera. Hoy en dia la felicidad es como una utopia y esta película te enseña que no es asi, la felicidad es completamente alcanzable por cualquiera siempre y cuando uno lo quiera asi.

Mi calificación para esta película es de: XXX, si no la han visto… neto veanla, si ya la vieron, vuelvanla a ver.

El arco. César

El Arco

Hablar de “el Arco” no es fácil, para empezar uno debe transportarse hasta la mentalidad de una cultura que es totalmente asimétrica al mundo occidental: la oriental.

El Arco es un filme del 2005, llegado desde las lejanas tierras de Corea del Sur bajo la dirección de Kim Ki-duk, cinta hecha en tan solo tres intensos días de grabación.

El director, un inteligente coreano sabia bien lo que hacia, pues hasta su elenco fue recaudado de entre lo mejor, la actriz Han Yeo-reum, era la segunda ves que colaboraba con él, parece que hacen buen equipo, al menos a mi opinión se ve reflejado en el film.

Bajo un esquema en la que las diferencias sociales y culturales son radicalmente distintas a nosotros los occidentales, el director deja claro el tema para cualquier persona que le ponga “play” a su dvd, y no solo eso, sino bajo tomas de una extensa distensión aunada al casi nulo guión, que logran transmitir a la perfección los sentimientos de cada actor, por eso no solo se aplaude al director y su montaje, sino el profesionalismo con que se trabajo en esa obra de arte.

Marcada en una gran mayoría por planos generales y planos detalle, esta película deja pocos de manera americana, denotando que todo es distinto por allá; recopilando algunas opiniones de técnicos y actores mientras la filmación, me doy fue tarea fácil, pues mientras en el film solo observamos dos barcos en el extenso océano pacifico, en realidad era que había mas de ese par que mantenía en pie varias grúas para poder hacer efectivas tomas de traveling y planos detalles exactos y casi impecables que el director marcaba, fue por esta razón que también tuvo que someterse toda la tripulación a vestir chalecos salvavidas durante los tres días de grabación.

Le doy un punto mas a la fotografía trabajada; puedo decir con seguridad que las tomas son tan buenas que uno desearía estar bajo ese cielo frió en el que hasta la luna se posa con un amarillo increíble, después de todo de la vista nace el amor, porque ya en la realidad, no me gustaría estar en aquel refrigerador.

Esta película deja una huella impresionando en mi ver las cosas, es de esos films que te dejan con un nudo en la garganta, deja un extraño sentimiento, es definitivo es un impresionante film que hoy por hoy entra en mi top 5 de películas favoritas,

Veala publico informado, definitivamente para los infantiles (aunque no seas niño menor de doce años) no es recomendable, te va a aburrir, quizás te duermas o avientes palomitas, pero es bueno llegar al trasfondo, al subtexto de lo que pasa en el argumento.

Dato Curioso:

Me parece excelente que ves la película y cosas tan basicas como saber el nombre de los personajes en este film no tiene importancia, incluso no te pasa eso por la mente, jamas te eneras ni te quieres enterar como se llaman los actores.




Ficha Tecnica:

Dirección y guión: Kim Ki-duk.Países: Corea del Sur y Japón.Año: 2005.Duración: 98 min.Género: Drama.Interpretación: Jeon Sung-hwan, Han Yeo-reum, Seo Ji-seok.Producción: Kim Ki-duk.Música: Kang Eun-il.Fotografía: Jang Seung-baek.Montaje: Kim Ki-duk.Vestuario: Kim Kyung-mi.

Cesar Chao

EL ARCO. DIANNE FRANCO.

Esta película oriental, fue hecha por Kim Ki-duk, director Coreano que ha dirigido grandes films como, SAMARITAN GIRL, HIERRO 3, ENTRE OTRAS.
Cuentan que para hacer esta película, visitó grandes lugares hasta que hallo el lugar y después vio a unos pescadores en su barco y se los pido para poder hacer el barco, la verdad es que nada de la escenografía fue mandada a hacer, ya que todo estaba en el lugar.
El film dura aproximadamente 98 min, primero fue estrenado en Oriente y después en
España

Los Actors fueron Han Yeo-Reum, Seo Ji-Seok, Jeon Gook-Hwan, Jeon Sung-Hwan

No importa esperar 10 años, o toda una eternidad, si el amor es muy grande todo puede esperar… Sin embargo es muy importante no llegar a confundir este amor con una costumbre, por que entonces… podría repetirse la miiisssmaaa historia del pescador.
Un anciano que vivía en medio del mar con una muchacha a la que recogió cuando era niña, y solo esperaba a que ella cumpliera los 17 años para casarse con ella, el anciano se dedicaba a llevar hombres a pescar en su barco, todos los días iba por ellos al puerto mientras la niña esperaba ansiosa en el bote a que regresara.
Él la protegía de los hombres que iban a su barco a pescar porque algunos intentaban propasarse con ella. Su única forma de protegerla era disparando con su arco, un arco que también le servía para adivinar el futuro y como su instrumento de música.
Todos los días la vida era monótona en el barco, se hacia lo mismo, hasta tal punto que ese amor se vuelve una costumbre, una rutina que va atrapando a los personajes, en una cotidianidad que después de mucho tiempo termina por ser muy notaria, dado que tiene lugar un acontecimiento, que cambia sus vidas
Un buen día, un grupo de pescadores desconocidos entran al barco entre ellos un joven quien al parecer se interesa por la muchacha y esta al no tener educación y guiándose solo por sus instintos sabe que también siente algo especial y agradable hacia el joven.
Antes la muchacha acepta con ingenuidad las atenciones del viejo pescador, pero después de que recibe la visita del joven todo cambia en su interior, obviamente el viejo pescador es testigo del cambio, la niña se hace mujer, y se despierta su deseo aletargado
El viejo de ante mano que no se va hacer completamente realidad su sueño.
COMENTARIO
Que crudo no?, un sueño que se convierte en una costumbre y que al final se cumple solo por el deber, no por lo que se sienta. SÍ es una situación que a mi no me gustaría vivir.
En este film se nos muestra una realidad muy cruda, un amor que pareciera imposible, pero la ignorancia hace su deber en esta particular forma de amar, el no saber que hay mas allá de tu mundo, es para algunas personas una critica a un mundo de ignorancia, de obsesión, pero no de amor. Y es que el viejo nos hace creer que ama a la muchacha, pero no lo hace, lo que sucede es que se ha vuelto su forma de vida y se siente tan cómodo con ella que se ha casado con la idea.
La película esta muy bien dirigida creo que Kim ki-duk, hizo un excelente labor ya que, en realidad la estructura narrativa del film, podría pensarse como algo tedioso y aburrido, sin embargo te envuelve, no se como, la música la fotografía, las actuaciones son muy buenas, para el concepto del film, esto hace interesante el discurso, por que por si solo no dice nada, es una estructura repetitiva, De hecho la acción dramática es tan repetitiva, el la baña tres veces en la película, se ve en diferentes encuadres pero es la misma acción, se va a la bahía, todas esas acciones son monótonas.
Por favor véanla la película, es algo que atrapa no solo por el hecho de la música o de la fotografía sino además por todas las diferentes concepciones que se pueden generara de toda la película, es algo que vale la pena ver, pero por favor si la ven véanla solos o con alguien que no hable para que nada los distraiga
CHULA DE PRECIOSA MUUUA

El arco, Oli.

El arco

Había visto este film desde hace 2 años aproximadamente, cuando salió en el cine, recuerdo que mi prima me había dicho, sinceramente comenzó y a los primero 20 minutos me quería salir del cine, pero algo me decía que me quedara y la termine de ver completamente.
La volví a ver pero ahora analizándola y apreciándola como bien se debe hacer , quizá sea mi preferencia con películas con mucho más movimiento, acciones, personajes, variaciones de historia, que aún hubo cosas que me causaron un poco de cansancio y pesada la manera en que es contada la historia, creo que es muy rica en demasiadas cosas y hubiera podido explotarse aún mas, estoy de acuerdo que el manejo de éste film es un tanto más simbólico, profundo y con su simple expresión muestra el mensaje y el discurso que el director busca, es muy buena su técnica y su visión, lo reconozco mas no la considero de una de las películas de mi gusto, creo que tiene que ver mucho los gusto personales, la llegué a sentir un tanto simple en la manera en que es contada la historia, ya que parece ser que tiene mucho más complejidad, tensión y fuerza, pero debo aceptar la admiración que me provocó el ver cómo con un mismo escenario, un arca, con pocos personajes logró desarrollar un discurso tan profundo y significativo, aquí se demuestra que no es necesario de grandes escenografías, variedad de éstas y demasiados personajes para lograr hacer una obra de arte.
El guión que es el que primeramente quiero criticar, la manera en que es desarrollado es impresionante, son tan pocos los diálogos orales pero tan importantes, porque fue manejado de manera tan interesante, los diálogos son verdaderamente inteligente y profundo, no era necesario hablar más, y el mismo contexto provocaba esa manera tan simbólica de transmitir las cosas, el cómo un anciano con un vida tan simple y con una única motivación y razón de seguir viviendo (el casarse con la pequeña), muestra el dolor interior que sufre, por lo mismo suele ser tan arrogante, indiferente e insensible, la pequeña es la única curación a su tristeza, su vida misma la entrega a la pequeña, lo que hace es por ella y para ella. Ella como una joven aún aprendiendo de la vida y de sus cambios físicos y psicológicos comienza a tener curiosidades, a cuestionar, a emanar sentimientos, etc . Es maravilloso como con simples acciones se muestra toda una historia y miles de sentimientos, por ejemplos en la escena en que el anciano adivina el futuro por medio de su arco, un retrato de Buda y la pequeña meciéndose en un columpio, es excelente la manera en que sucede ésta maravillosa escena, la reacción de la pequeña nos dice todo, y el arco simplemente es por donde es transmitido el mensaje, ¿hay diálogo? No, hay algo mucho mejor que ello, hay una apreciación del público hacia la psicología de los personajes, lo vuelve mucho más interesante y demuestra un arte totalmente especial y creativa.
El manejo dl guión me hizo ponerme a analizar muchas otros films, el cómo existe un guión tan directo y mandado de la manera usual, que ni siquiera es necesario muchas veces, los actores debemos explotar esa manera de transmitir sin necesidad de una frase emanada por nuestra boca, esto tiende a sentirse demasiada directa, y a un mimo punto, no da la oportunidad de que el observador analice y aprecie tantas cosas que hay por debajo. Los diálogos muchas veces opacan la actuación, la expresión si no están exactamente y cuidadosamente realizados.
La profundidad del discurso es admirable, llega a sentirse esa angustia, ese deseo, esa tristeza por el anciano, esa impotencia de la pequeña con una vida tan reprimida y tan perfectamente planeada, pero ahí es donde entra lo hermoso del film, el mostrar la parte del ser humano, la nobleza y amor que impide dañar a ese alguien, la pequeña comienza incluso a tenerle cierto cariño al anciano, la discusión si es el contexto lo que la orilla, la simpleza de su vida, la soledad que vive, la conciencia que provoca agradecerle lo que le ha dado en el transcurso de su vida de alguna manera, lo que ignora que existe afuera de esa arca y por lo tanto limita su total conocimiento sobre los demás o el enamorarse simplemente de un anciano.
La música, recuerdo haber escuchado mucho el sonido del océano, cuando va a pescar, las cañas, el viento, el tronido de la madera del arca, creando una atmósfera de tranquilidad pero un tanto de angustia por la cotidianeidad de su vidas, la pobreza pero al mismo tiempo belleza sobre ésta.
La película demuestra un ambiente totalmente natural, sin necesidad de tecnología avanzada, de maquinas, de aparatos eléctricos, es una belleza tal a la naturaleza que provoca paz. Me gustó mucho el manejo de la música, instrumental, delicada pero significativa. La impresionante idea de que el arco fuera su mismo instrumento de música, investigando un poco observé que éstas pieza fueron ideadas con un violín Coreano ya que es tocado como se tocaría un arco encargado por Kang Eun-il.
El manejo de cámara son planos largos y lentos, simples, pero también creo que justificados, ya que nos quería mostrar la naturaleza y no tanto los efectos de cámara, grandes cambios y planos, sino uno simple para que concuerde con la manera del discurso.
Con los actores, quiero aclamar Han Yeo-reum, el personaje que interpreta, la muchacha, es tan interesante la manera en que lleva el personaje, además que la historia de ésta es de las más interesantes, considero que ésta es la que lleva la línea de la historia, la que provoca la tensión y pasión. Su manera de reflejar sus sentimientos e slo más destacable, considero que es un trabajo muy difícil es expresar simplemente con el cuerpo pero lo logró transmitir del todo.

Ésta vez que volví a verla pude apreciar a fondo ciertos aspectos que anteriormente los habían pasado desapercibidos o simplemente no le había dado la importancia tal, cambió en cierto punto mi percepción aunque mantengo mi postura sobre la preferencia a otro tipo de películas. No me arrepiento de haberla vuelto a ver y es muy probable que la siguiente que la vea muchas cosas más van a sorprenderme.
Una película de realidades, ternura, pasión y anhelos realmente originales y simbólicos, que es llevada a un paisaje natural y profundo.

el Arco. KaLI.

El Arco y el guión cinematográfico…

El arco es un símbolo, un objeto un arma, un instrumento musical, un cuerpo…

El arco nos cuenta la historia de un anciano pescador, que vive a bordo de un barco con una linda joven de 16 años, quien ha vivido en ese mismo bote por 10 años y no conoce el mundo, y a quien el anciano planea desposar en cuanto la joven cumpla los 17 años. Poco antes de la esperada fecha, uno de los tantos pescadores a quien el anciano renta el bote para pescar, logra captar la atención de la joven, y surge entre ellos un idilio que el anciano difícilmente puede evitar… ¿qué pasará con la boda que el anciano ha planeado por tanto tiempo ahora que el amor de su joven mujer peligra gracias a un extraño recién llegado?

El arco es una producción Japonesa- coreana del director Kim- Ki Duk, quien también se encargó del guión. La producción fue estrenada en albores del año 2005 y 2006 y cuenta con colaboraciones destacables como la Kang Eun-il en la musicalización, vestuario de Kim Jyung-mi y las actuaciones de Jeon Sung-hwan como el anciano pescador, uno de los roles protagónicos junto con Han Yeo-reum que encarna a la joven que vive en el barco, Seo Ji-seok es el joven que pone en riesgo los sueños y planes del anciano.

Un film poco usual, contado en forma lineal, con un ritmo sintético sencillo en cuanto a manejo de luz y fotografía, -ya que la iluminación es en su gran mayoría natural, contando claro los hermosos paisajes- este film cuenta con elementos menos rimbombantes, pero más profundos, me refiero al guión. Que sin duda es lo más destacable de la obra. Hablemos del guión y estructura dramática de la obra.




Espacio y tiempo fílmico en el Arco:

Comenzando por el espacio fílmico, desde el inicio de denota su influencia oriental. El Arco fue rodado en Corea, toda la película tenemos a los personajes situados en algún punto casi invisible del mar de Corea, el director decidió realizar las grabaciones cerca de la Isla de Incheon. Al principio se nos deja ver algo de la psicología o entornos de los personajes en un espacio fílmico que denota, por un lado la tradición y por otro la belleza, basta fijarse en el barco desgastado en medio de un mar claro, el óvido y las manchas causadas por los años contrastan con las coloridas telas de vivos colores, con el color que añade cada detalle, la ropa de la joven. En el barco se nos muestra claramente a los personajes por medio del espacio fílmico dramático, al anciano, corroído, gastado, y por otro lado la vida que representa la joven con todas esas cintas y colores vivos en el barco.




El tiempo a través del arco:
El tipo de ritmo en este film es sintético, el discurso es muy poético y metafórico, trata de expresar por medio e imágenes y acciones simples, sentimientos y hechos aún más profundos. Un elemento a destacar en esta película es el uso de la elipsis, tan bueno es, que nos hace inferir tantas situaciones tan variadas, creo que es uno de los elementos más destacables de la obra.

Los movimientos…
El ritmo de el film no sólo está compuesto de guión y acciones, las tomas también construyen el ritmo de éste, las tomas por lo general son de movimientos dentro del encuadre. Se utilizan balanceos y movimientos de cámara con un fin descriptivo y dramático, recordemos como se balancea todo a la par con el mar sobre la balsa o sobre el barco. Lo que nos dice que los traveling no son muy utilizados en la cinta, los acercamientos se hacen por corte. Siguiendo con asuntos y tomas de cámara, nos encontramos con el uso de planos en la obra, que abarca desde el gran plano general (El ver el pequeño barco en medio del mar o el bote del anciano alejarse en medio de la inmensidad), hasta el plano detalle (al mostrarnos el arco), pasando por el plano conjunto (los pescadores, el anciano y la joven), el plano americano, primer plano y primerísimo plano (quien no recuerda el rostro de la joven mirando con esa sonrisa) la variedad de tomas y el uso de la profundidad de campo son otros recursos utilizados. También pude encontrar posiciones picadas de cámara, un ejemplo, la vista de la joven y sus peligros desde la cabina del anciano. Contrapicado, la vista de la joven disparando a los pescadores desde la cabina, mostrando su superioridad, es sólo un ejemplo. El director también sabe hacer buen uso de las perspectivas favorables, un ejemplo, es el manejo del rostro de la jovencita, que por medio de estos detalles, logró conquistar a más de uno.

El manejo de la luz en el arco no es muy ostentoso, en la mayor parte del film se maneja la iluminación natural, en interiores se utiliza la luz difusa, por ejemplo, en la cabina del barco. Al hablar de iluminación también encontramos el uso de iluminación de manchas en la escenografía y de zonas en los rostros de los personajes (a la joven siendo bañada dentro de la cabina, las horas de sueño da muchacha, cuando va hacia la cama del universitario). Toda una gama de colores que crean texturas y sentimientos, y si hablamos del manejo del color, cabe destacar que, el uso del color en esta obra esa magnífico, puesto que, como ya mencioné en un principio, el director se vale del uso del color simbólico y psicológico para ayudar a la historia (recordemos en contraste entre el desgate y el color radiante, en anciano y la joven) otro elemento destacable es que, a pesar del brillo blancuzco que produce la luz natural, los reflejos del mar (que por cierto también están bien manejados) seguimos viendo a la niña y su ropa colorida enfocada antes que el mar, comparten la belleza.

El sonido de El Arco…

Que curioso (y que tedioso) se vuelve para algunos el poco uso de palabras en el film, cosa que a mi me sorprende tanto… que sin tener que usar una sarta de palabras ni muy profundas ni mágicas, podamos entender tantas cosas, las palabras sólo las mencionan los personajes secundarios como los pescadores, que viven en un mundo muy distinto al que viven el anciano y la joven, que parecen como andar en cámara lenta mientras todos lo hacen apresuradamente. Los sonidos son parte del entorno, al igual que el silencio, pero si hablamos de sonido, lo que más nos transmite es sin duda la música de KANG EUN-IL que nos transporta, y nos sensibiliza, se usa para subrayar el leit motiv de los personajes, recordemos haber escuchado cierta melodía cada vez que en el film se evocaba o recordaba el amor.

Montaje del arco:
El arco se vale de un tipo de encuadre simbólico, basta solamente con el título de la obra y el objeto del anciano para saber que gran parte de la historia gira en rededor a este y otros elementos representativos. La velocidad de los encuadres varía en ciertos momentos para dar tensión, y eso está bien utilizado, un elemento más a favor del film, un ejemplo, cuando esa larga cuerda que lleva detrás la balsa en que huye la joven, también lleva la muerte del anciano. Todos estos son elementos que ayudan entregar el mensaje de El Arco puro y funcional.

El Arco, realizadores…

El arco es una película en apariencia sencilla, a mi juicio, cuenta con un discurso sumamente interesante a pesar de la aparente sencillez que nos muestra. Mucho podemos pensar que es una historia demasiado simplona, aburrida, pero es una muestra de la verdadera genialidad para transmitir un mensaje, que no necesita de muchas cosas para cambiar la visión que tenemos de las cosas.

Sin duda, yo destacaría el trabajo de:

Kim Ki Duk: Director.
Son tantos los detalles que hacen de este film una obra de arte, la belleza, el mensaje, desde los colores del arco hasta los sonidos, una anécdota de producción, cuenta de que en un principio, el arc planeaba ser mandado a hacer con n artesano, pero el Director prefirió comprar un arco cualquiera, esto puede parecer irrelevante, pero nos muestra algo del verdadero mensaje de la película, y algo de lo que hace tan maravillosa, las cosas no son lo que parecen y l a belleza y simplicidad de las cosas simples. Además, Kim no sólo participa como director, sino que toma riendas como productor y guionista.
Kang Eun-Il: Musicalizador.
Kim Ki Duk se encontró con piezas de este compositor, las que escuchamos en la película se titulan “Desaparición” y “Vuelo” al oir, Kim Ki duk pensó que eran perfectas para el arco, y lo que en una de las anotaciones del guión decía “¿Sería posible sacar notas de la cuerda del arco?” se volvió realidad por medio del arco coreano de Kang. “Aunque también puede verse como una obsesión natural o un instinto básico, todos tenemos deseos y esperanzas a los que no damos voz porque no pueden expresarse en la época en que vivimos. Quería mostrar hasta qué punto pueden llegar a ser bajos, nobles, maravillosos, tristes y alegres. Quiero vivir en tensión como un arco hasta el día de mi muerte” frase similar a la que vemos en el final del film.


Jang Seung-Baek: Director de fotografía.
Los colores y el contraste, parecía que la niña simbolizaba esos colores, eran su marca, su huella. Al igual que las pinturas gastadas, la luz del mar. Labor también a recnocer de:
KIM KYUNG-MI: Vesturio, el uso del color psicológico nos ayuda a entender las personalidades de los personajes.

JEUNG HYUN-SO: Sonido, desde el mar hasta las flechas…

Los actores: Protagonistas.
HAN YEO-REUM , una joven con una carrera reciente y un corto historial en el cine, contando con El Arco, y Samarian (film en el que participó con Kim Ki Duk como director). Su belleza y actuación conquistan a más de uno, su personaje luce como alguien inocente, básico, y a fin de cuentas ella no ve con la malicia el amor que el anciano le tiene, no ve la malicia del mundo exterior, se casa con él en un puro acto de amor y al momento en que él, por medio de esa flecha le hace el amor, es también un acto puro… y placentero que ella toma como tal. Y, aunque a pesar de ser una joven fiel y tierna tiene sentimientos y también instintos, que son naturales del ser humano, al final vemos que es una persona muy inteligente, y su momento de clímax lo vemos al momento en que acompaña al joven en la balsa y se da cuenta de lo que pasa en el barco.

Jeon Sung-Hwan: el pescador anciano, cuenta con filmografía también corta, la espada en la Luna y El Arco. Su personaje es soñador, tierno, abnegado, aunque también es necio y violento. Y como no serlo cuando ves que el amor que habías estado cultivando durante 10 años se escapa por un ser más llamativo. Pero tal vez al final de cuentas el viejo no sabía que las personas no sólo amamos, sino que aprendemos a amar a la gente. Y él deja libre a la joven, porque la amaba amaba, y ella que había aprendido a amarlo. Y el sonido de su arco como violín queda flotando en el mar.







Nos da una tremenda lección de amor, que tantas cosas y detalles al final no valen más que ese sentimiento, esa fuerza que llamamos...amor.



Kali Ayana.