miércoles, 28 de mayo de 2008

clase 12. cine-forum

El análisis colectivo: el cine-fórum
El cine-fórum como práctica de aná­lisis colectivo se diferencía de$ análisis individual, debido a que tiene mayor sistematización y rigor, sobre todo, porque se lleva a cabo en un ámbito académico y por escrito; pero el análisis colectivo reúne esas condiciones de manera excepcional aunque a cambio:
a) puede realizarse con mayor frecuencia porque resulta menos laborioso;
b) conlleva un público más atento y motivado que la contemplación individual del especta­dor normal;
c) permite el análisis y comentario de forma inmediata tras cada visionado; y, sobre todo,
d) la diversidad de perspectivas y opiniones en interacción creativa tiene como resultado un análisis más plural y completo.
Selección de las películas
El marco en que tiene lugar el cine-fórum (en unos debates de actualidad, en cursos de diferente nivel, en un ciclo de películas sobre un director o una época, como actividad ordinaria de un centro universita­rio o cultural...) determina los objetivos, el nivel y la selección de películas. Los filmes se pueden ele­gir por el tema, por su calidad artística o por ambas razones; es posible combinar la calidad y el entretenimiento, es decir, seleccionar obras adaptadas al nivel cultural de los espectadores a quie­nes van destinadas.
Para la selección se necesita una información previa tomada de revistas, reportajes de televisión, críticas de prensa, obras de referencia ‑si se trata de una adaptación literaria‑ sobre la película, género al que pertenece, datos sobre el director y su filmografía, premios recibidos... Pero estar informado no significa prejuzgar la obra; para ello hay que evitar dejarse influir por juicios que tienden a generalizar o críticas sin matices. En el caso de películas clásicas hay que tener presentes, además, algunos datos de Historia del Cine que permitan ubicar el filme en el momento histórico en que se produce y en la estética cinematográfica a la que pertenece.
El objetivo del cine-fórum es la contemplación y el conocimiento del filme en cuanto obra artística, tanto desde un punto de vista académico como cultural, al menos porque, más allá de la distracción o del espectáculo, toda película constituye una experiencia estética que nos descubre la realidad profunda del ser humano y de la sociedad. Pero también hay que tener en cuenta las aproximaciones sociológicas, ideológi­cas, políticas, psicológicas, historiográficas, etc. que complementan a la anterior, es decir el análisis hermenéutico que ya conocemos.
Aun en los casos de público menos formado o con dificultades para un cine que exija más del espectador, hay que mantener un nivel que permita resistirse a algunas ten­taciones:
a) Resistencia a la seducción y el entretenimiento a cualquier precio: por ejemplo, al precio de la hiperestimulación sensorial sin contenido, con montajes acelerados, barroquismo visual o bandas sonoras estridentes; de la provocación deliberada y complaciente de efectos que nie­gan la creatividad esencial de la obra de arte (gran parte del cine policíaco actual que se agota en la intriga); y resistencia al deslumbra­miento de los efectos especiales creados por las nuevas tecnologías de imagen infográfica.
b) Resistencia frente a la infantilización del espec­tador mediante argumentos planos, propuestas maniqueas, personajes de cartón piedra, muy previsibles, historias de morbo... que niegan el cine como hecho artístico y nos retrotraen al espectáculo de feria (cine de casquería, cine de adolescentes gamberros, cómics revestidos de glamour).
c) Resistencia frente a las modas y las mitomanías creadas en los departamentos de mercadotec­nia de las productoras y destinadas a un mer­cado multimedia en el que el cine es sólo la ocasión para realizar el lanzamiento de una línea de productos. Estas modas (un actor de fama, un director de prestigio, un filme de culto) se imponen a los valores artísticos para hacer de las películas acontecimientos que necesariamente hay que contemplar, con el riesgo de ser marginado en las conversaciones.

martes, 27 de mayo de 2008

Das Experiment...

Dirección: Oliver Hirschbielgel.
País: Alemania.Año: 2001.Duración: 120 min.
Actores: Moritz Bleibtreu, Maren Eggert, Christian Berkel, Justus von Dohnanyi, Oliver Stokowski, Timo Dierkes, Nicki von Tempelhoff, Antoine Monot Jr., Wotan Wilke Möhring, Andrea Sawatzki, Edgar Selge, Polat Dal, Stephan Szasz, Danny Richter, Ralf Müller, Markus Rudolf, Peter Fieseler, Thorsten Dersch, Sven Grefer, Lars Gärtner, Markus Klauk, Ralph Püttmann, Philipp Hochmair, André Jung, Uwe Rohde.
Guión: Mario Giordano, Christoph Darnstädt y Don Bohlinger; basado en la novela 'The experiment - Blac box'.
Producción: Norbert Preuss, Marc Conrad y Fritz Wildfeuer.Música: Alexander van Bubenheim.
Fotografía: Rainer Klausnabb.
Montaje: Hans Funck.
Dirección artística: Andrea Kessler.
Vestuario: Claudia Bobsin.
Decorados: Uli Hanisch.

Sinopsis:
Llegaron buscando una forma rápida de ganar dinero fácil. Ahora sólo buscan la manera de seguir vivos. "El Experimento" es un viaje de emoción y venganza en un entorno simulado de una prisión, donde el precio de una vida es igual a la habilidad de supervivencia. Todo empezó en nombre de la ciencia. 20 hombres, 2 semanas. La recompensa: 2000 dólares. La investigación: el comportamiento agresivo en un ambiente carcelario simulado. Los jugadores: 8 "guardianes" y 12 "prisioneros". El juego: Se encierra a los prisioneros y se les ordena que sigan las órdenes; los guardias deben mantener el orden. Pero dar a un hombre un poco de poder puede tener consecuencias insospechadas... Con el paso de los días el conflicto entre poder, autoridad y rebelión cobra carices cada vez más violentos, difuminando la línea entre la realidad y el "experimento". Esta pelicula desafía la manera en que se percibe el mundo.

Muestra como cualquier persona puede caer en el error de quedarse con un papel y no hablo del teatro, sino de la vida en general, todo mundo en algún momento puede pensar que es algo que no se supone que es. Bueno el punto aquí es que esta película tiene un escenario muy aburrido, una banda sonora muy buena en el sentido que queda perfecto con lo que se esta viendo y da la ambientación correcta, el sonido en general es muy claro, la iluminación es completamente artificial pero muy bien lograda.

La historia es interesante, me encanta como cada uno se va envolviendo con el experimento de una manera más profunda, se da una historia de amor repentina muy pocas veces vista en una película de este tipo donde siempre suele haber mas acción que otras cosas, pero la atracción llego hasta el punto de que ella tambien se ve involucrada en el proyecto, ¿Quién iba a pensar que por un choque te ibas a meter en una situación tan peligrosa y desagradable?

Creo que este es un muy buen thriller, cumple con los requisitos del genero pues te tiene en tensión, suspenso y te hace reaccionar con respecto al personaje que has adoptado como tu favorito, y ya que llegamos a ese punto de los personajes, son muy bien logrados, desde mi ver todos los que “se notan” son muy buenos. Sinceramente no me siento identificado con ninguno, pero el mejor de todos es Berus, ese hombre que toma las riendas del experimento creyendo que todo sigue siendo una prueba y dispuesto a hacer su voluntad, moviendo masas y sembrando miedo, ahora si que es genial, el tipo debe de tener una carga psicológica un poco densa porque desde que le preguntan por su familia se nota que tiene algo medio extraño en la cabeza, Tarek, nuestro gran protagonista también es muy bueno, muy bien logrado, con un background sorprendentemente sombrío, es como el Rebelde de los prisioneros, es el que empieza a cosechar la guerra sin saberlo y ni pretenderlo con su comportamiento renegado pero sin romper las reglas, el hombre es muy inteligente pero se nota que no siempre puede solo.
Dora: no se deja ver mucho de esta mujer, pero es una mujer muy sola, que tiene un inmenso dolor y busco el amor en Tarek y lo que parecía ser un One Night Stand... no lo fue, me gusta como se va envolviendo en la situación y como que al parecer terminan conociéndose como de toda la vida. Ellos tres son los personajes principales de esta violenta historia, son los que le dan el picante a la historia y los que mas acciones tienen dentro de ella.

Yo creo que aquí el tema es la critica a las jerarquías, cuando uno se cree con todo el poder o por lo menos con el suficiente para hacer su voluntad, lo hace sin preguntar y sin tener piedad o respeto por nada ni nadie, y esto es justo lo que pasa en esta película, uno rompe las reglas con el poder, porque a final de cuentas puedes rehacerlas y pues todo el mundo te tiene que obedecer porque tu eres la cabeza de la pirámide. ¿pero que pasa cuando los de abajo de la pirámide se revelan? Ahí esta la cosa, lo que normalmente pasa (y aquí no es la excepción) es que se siembra el miedo en la gente para así exigir el respeto merecido, pero cuando llega alguien más que puede interferir con los macabros planes del poder, se pone todo feo, obviamente también se tocan temas como lo diferentes que son las personas y lo digo porque mientras unos son intolerantes a la lactosa otros tienen muchas inseguridades o padecen claustrofobia y todo se convierte en un Jail Big Brother, en el que no hay expulsados, solo nominados a los que se pretende hacer sufrir.

Esta película, me gustó a pesar de que a mucha gente que conozco y que no conozco no le haya gustado, tal vez tengan un diferente punto de vista, pero creo que siempre me va a gustar una película que despierte algo en mi, que me haga emocionarme y reaccionar como esta lo hizo, definitivamente es Muy buena: bien hecha, bien actuada y bien dirigida para un novato como lo era Hirschbielgel pues esta fue su primer película dirigida y si lo viera lo felicitaria por su logro. Yo la recomiendo ampliamente y definitivamente la volvería a ver. En mi escala se posiciona con un XXY.


XoXo... Dito.

lunes, 26 de mayo de 2008

“Das experiment”, Manya

Manya Loría
Apreciación cinematográfica

“Das experiment”

· Productor: Norbert Preuss, Marc Conrad y Fritz Wildfeuer.
· Director: Oliver Hirschbielgel.
· Guionista: Mario Giordano, Christoph Darnstädt y Don Bohlinger; basado en la novela 'The experiment - Blac box'.
· Actores: Moritz Bleibtreu (Tarek Fahd, 77), Maren Eggert (Dora), Christian Berkel (Steinhoff, 38), Justus von Dohnanyi (Berus), Oliver Stokowski (Schütte, 82), Timo Dierkes (Eckert), Nicki von Tempelhoff (Kamps), Antoine Monot Jr. (Bosch), Wotan Wilke Möhring (Joe, 69), Andrea Sawatzki (Dra. Jutta Grimm), Edgar Selge (Profesor Dr. Klaus Thon), Polat Dal (40), Stephan Szasz (53), Danny Richter (21), Ralf Müller (15), Markus Rudolf (74), Peter Fieseler (11), Thorsten Dersch (86), Sven Grefer (94), Lars Gärtner (Renzel), Markus Klauk (Stock), Ralph Püttmann (Amandy), Philipp Hochmair (Lars), André Jung (Ziegler), Uwe Rohde (Hans).
· Fotografía: Rainer Klausnabb.
· Dirección artística: Andrea Kessler.
· Montaje: Hans Funck.

Lo que parece un inocente intento de la ciencia por revolucionar y entender mejor el comportamiento del ser humano se convierte en un, nada inocente, florecimiento de toda la perversidad humana.
Este film está basado en hechos reales del experimento realizado en los años setenta en una universidad de Staford, donde profesores de psicología encerraron en los sótanos de la facultad a un grupo de estudiantes voluntarios motivados económicamente, para que hicieran un simulacro de prisión; al igual que en el film se les pidió a los guardias que mantuvieran el orden sin usar la violencia, pero sobrevino un motín y finalmente al sexto día, la ayudante del director del proyecto abortó el experimento.
El film nos cuenta acerca de un grupo de veinte hombres comunes y corrientes que buscan ganar dinero, acabar con el aburrimiento, escapar de sus frustraciones, etc., se apuntan a un experimento en el cual les pagarán una gran cantidad de dinero, los dividen en presos y carceleros y les dicen que deberán renunciar a su intimidad y a sus derechos civiles; la aventura comienza, los catorce días siguientes tendrán que comportarse de acuerdo al rol que se les impuso.
Tarek Fahd es un periodista que va a ganar una verdadera millonada con todo esto, ya que además de pagarle por ser parte del experimento le pagarán por la nota que saqué de esto, así que comienza a hacer al payaso para hacer más interesante el asunto… el problema es que no todos ven al experimento como un juego.
Entre ellos también está Steinhoff, un militar camuflado que está ahí para espiar posibles riesgos, es el hombre sensato y prudente de la película, un personaje muy interesante.
Vemos a unas personas normales que se convierten en carceleros maniáticos y en presos traumatizados. El hombre es el lobo del hombre, es capaz de destruir a los otros a través de torturas morales y físicas, siempre buscando el poder absoluto.
Las cosas empiezan a salirse de control cuando 77, o sea nuestro vivaracho y juguetón Tarek Fahd, empieza a hacer enojar a los guardias, los cuales se empiezan a tomar todo más en serio, y deciden darle una lección, pero parece que ni 77 ni los guardias piensan rendirse, y empieza una lucha animalesca por obtener el poder y el mando; los guardias, bajo el mando implícito de Berus, se convierten en unos nazis, fascistas, malvados, depravados y dementes, mientras que los pobres reos, que veían todo más como un juego, ven pasar toda su vida por delante mientras sufren ataques de pánico, tics nerviosos autodestructivos y neurosis severa.
El encargado del proyecto no está viendo los terribles acontecimientos que ocurren en su simulador de carcél, y cuando se da cuenta de todo es demasiado tarde.
Y como no todo podía ser tan terrible, finalmente vemos como Dora, la novia de Tarek llega al sótano-cárcel por una especie de comprensión telepática inducida por el amor a salvar la situación cuando ya todos están totalmente desquiciados.
Es genial como este director primerizo nos hace reflexionar acerca de cómo el poder puede llevar de la mano a la violencia y la destrucción.
El film analiza la crueldad del ser humano, los métodos de humillación y violencia para restablecer el orden social y moral de nuestras “civilizaciones”; y también crítica los experimentos que atentan contra la integridad física, moral o espiritual de las personas.
Pero sobretodo nos muestra al humano como una bestia, hace énfasis en la necesidad de las reglas y el control porque si no, los humanos podemos convertirnos en verdaderos animales que sienten placer no sólo con el poder sino con la destrucción.
Me recordó mucho a “El señor de las moscas” de William Golding por la temática de la naturaleza agresiva del hombre, fue muy interesante ya que fue como ver la obra de Golding pero en versión actual y con adultos, lo que confirma la teoría de que si hubieran sido mujeres no hubiera pasado lo mismo.
Es una muy buena película de suspenso que te mantiene con los pelos de punta de la mitad hasta el final de la película, te hace odiar a los malos y desearles la muerte a sangre fría.
De acuerdo a mi nueva escala de evaluación:
Buena, me enseña y me divierto.

El experimento (Das Experemen). Roger

El experimento (Das Experemen)
¿Qué sucede cuando se pone a personas buenas en un sitio malo?
¿La humanidad gana al mal, o el mal triunfa?
En lo personal esta película, de corte suspenso muestra la triste realidad de los hombres y como el solo hecho de hacer un experimento; puede llegar a transformar una persona, sus valores y el poder, que es lo que la mente necesita en algunos casos.
Para mi lo mas relevante, es la adaptación del guion y como el director poco a poco te introduce en el drama de la película, La cual te lleva a sentir impotencia y deseos de estar en el lugar de los hechos. Creo que no por nada esta película gano los siguientes premios
· Sitges 2001: Festival Internacional de Cinema de Catalunya.
· Cine Bávaro (2001): mejor fotografía, dirección y guión.
· Elegida por Alemania para representarla en los Oscar 2001 a la mejor película extranjera.
Con una amplia trayectoria hecha en la televisión, el alemán Oliver Hirschbiegel debuta como cinerealizador con "El Experimento" ("Das Experiment", 2001), una interesante recreación de hechos verídicos ocurridos en 1971, cuando la Universidad de Stanford llevó a cabo un estudio de la psicología del aprisionamiento.
Sin embargo, la recreación del ambiente carcelario resulta por demás realista, saliéndose de control; pronto, la violencia de la reclusión emerge.
Sin duda hay buenos resultados para efecto de la investigación, pero no tan buenos para sus participantes quienes comienzan a tomarse demasiado en serio sus roles.
En este contexto, el periodista Tarek (Moritz Bleibtreu) se recluta de incógnito al experimento, y ha de encontrar la más terrible de las historias que haya cubierto en su vida.
Prisioneros y guardianes luchan por el poder y el control de este microuniverso, llevando el asunto a peligrosas y mortales situaciones límite obviamente extracurriculares.
Lo que está en juego ahora no es hacer un simple análisis de resultados, sino la vida misma de los participantes en esta singular investigación.
Creditos
alemania, 2001) Título original: "Das Experiment". Dirección: Oliver Hirschbiegel. Guión: Don Bohlinger, Christoph Darnstädt, Mario Giordano, Oliver Hirschbiegel y Friedrich Wildfeuer. Fotografía: Rainer Klausmann. Música: Alexander Bubenheim. Con: Moritz Bleibtreu, Christian Berkel, Oliver Stokowski, Stephan Szasz.

Koroshiya Ichi. Roger

Ichi será una clásico del gore ? Trascenderá en al historia del género?

Sin duda alguna una película cuya finalidad es explotar el género antes mencionado, en la cual se tratan temas como el masoquismo, la traición, el sadismo al máximo, la violencia y un toque de comedia sarcástica fuera de la realidad. La primera escena empieza cuando una prostituta es golpeada por su amante y se ve el semen de lichi caer.

La mayoría de las escenas son un poco absurdas y poco realistas en la manera en la que se destroza el cuerpo. sin embargo el realismo del cuerpo al partirse en dos es sorprenderte así como las técnicas de las torturas utilizadas para la película.

En realidad la trama se centra en la manera en que un hombre puede ser manipulado por otro, al grado de aprovechar sus debilidades y traumas, para aniquilar a la banda contraria; este es el caso de Ihci, el cual sufrió un trauma en su juventud cuando sus compañeros lo ridiculizan, estos violan a su única amiga, por la cual sentía deseos.

Esta película se desarrolla en los barrios de Hong Kong en donde las bandas tiene conflictos por un dinero robado y un jefe muerto, el cual era amante del antagonista desarrollando y centrando por momentos el sadomasoquismo y dejando ver el lado obscuro de nuestra sociedad. Cabe mencionar que la realidad supera la ficción, entonces todo lo que vivimos en ese momento es real o mentira eso no lo sabremos a menos que nos metamos en ese lado de la vida.

En la película se puede ver la oscuridad de la iluminación que es una de las cosas que más me agradó, ésta es parte del género, donde los espacios dramáticos en que se desarrolla la obra son los adecuados.

En lo personal esta es la primera película de este género que veo dejándome con un desagradable sabor de boca; sin embargo creo que es un filme que es casi en su totalidad la imagen viva de este tipo, gore logró transmitir al espectador el sadismo y la violencia que le son característicos.


"Todos los sucesos y personajes en la película son totalmente repulsivos. Cualquier semejanza con personas, vivas o muertas, es una triste coincidencia".

Actores
Nao OmoriTadanobu AsanoShinya TsukamotoSusumu TerajimaAlien SunSabu


El experimento
Por Jessica Zermeño

Dale al hombre un poco de poder y lo volverás loco en un día, esto queda comprobado con ‘El experimento’ (2001), película de origen alemán dirigida por Oliver Hirschbiegel. El guión de esta película fue adaptado por Mario Giordano, Christoph Darnstädt y Don Bohlinger de la novela 'The experiment-Blac box, inspirada en sucesos reales con estudiantes de la universidad de Stanford, pero que no llegaron a tanto como en el argumento de esta película.
La trama es sencilla, nos plantean a veinte hombres que por cuestiones de dinero se prestan como conejillos de india para un estudio científico. Las reglas del juego son claras: 14 días encerrados y vigilados por cámaras y científicos. La suerte los coloca en un nuevo status 8 policías y 12 presos. Los policías deberán mantener el orden. Los prisioneros obedecer y guardar respeto.
La premisa del film es contarnos cómo los seres humanos estamos a expensas de ser corroídos por la ambición y el poder. En un mundo donde personas comunes y corrientes, de un día para otro, se convierten en terribles victimarios. Pero también, como otros agachan la cabeza y aceptan las vejaciones con tal de sobrevivir, anulando así toda su individualidad.
La película es cruel, aterrorizante, realista, demente y causa en el espectador esa buena dosis de suspenso y escalofrío al descubrir tormentos como el encierro de un hombre claustrofóbico en una caja negra, o la obligación de otro alérgico a la lactosa a beber su leche, humillaciones que poco a poco le otorgan más poder a los guardias, hasta que todo se sale de control y rebasan la realidad, sumergidos en la locura de defender un proyecto que ya no existe.
La película fue presentada en el 2001 y para ser la opera prima de Oliver Hirschbiegel la crítica la recibió con grandes expectativas por la sencillez del film y lo relevante del tema. Además fue ganadora de todos los premios de los festivales de cine en Alemania (5 premios de cine Alemanes, 3 Bavaria Films y fue seleccionada por Alemania para competir en los Oscar), cabe señalar que Alemania es un país que se destaca por no exportar films y aún así este argumento logró cautivar al público alemán y extranjero en las salas de cine. Las expectativas de taquilla de Hirschbiegel era que pudieran entrar medio millón de personas a los cines en Alemania. Pero finalmente obtuvieron dos millones.
Muchos atribuyen parte del éxito, no sólo a la trama, si no a la presencia de Bleibtreu protagonista de ‘Corre, Lola Corre’.
La versatilidad de este director amante de los Reality Shows permitió la participación activa de los actores en el desarrollo de la historia. Ya que todas las entrevistas de los personajes que vemos en el film no estaban contempladas en el guión original.
“Comencé haciendo las entrevistas cuando me di cuenta que no estaba muy claro lo que tramaban los personajes. Las entrevistas siempre se hicieron luego de largos días de filmación. Sólo coloqué a los actores frente a la cámara. Estaban en personaje, así que no tenían idea de lo que iba a preguntar. Pretendía ser el Profesor Thon antes de recibir información de los psicólogos. Traté de imaginar qué tipo de preguntas haría un científico. Era extraño porque el límite entre la ficción y la realidad se volvía muy delgada” confesó el director en una entrevista.
Además defendió que para su primer largometraje Hirschbiegel estaba interesado en realizar un cine completamente en alemán y desecho las propuestas de cine en inglès que tenía en la mesa. “El cine alemán…está cambiando, pero antes tenía una mala reputación. Nunca habíamos figurado en los festivales internacionales excepto por las películas muy artísticas. Y eso de ser responsable y lidiar con temas relevantes, y al mismo tiempo ser entretenido y crear suspenso, no es muy típico del cine alemán, pero es típico en mí. Es como que mi estilo. También tuvo que ver con orgullo, o algo así. Quería que fuera Alemana”.
Así Hirschbiegel comenzó una fructífera carrera en cuanto a filmografía se refiere. Mastarde dirige Mein letzter (2002), luego en 2004 estrena Der Untergang (La Caída), historia que narra los últimos días de Adolfo Hitler, la cual tuvo un gran impacto al ser la primer película realizada por alemanes que abordaba este tema. Por otro lado ganó un gran número de premios y reconocimientos incluyendo la nominación a mejor película extranjera en los Premios Oscar. Actualmente estrenó The Invasion protagonizada por Nicole Kidman y Daniel Craig.
Por mi parte, la recomendación queda abierta con todos estos elementos que bien lo mantendrán al borde de su asiento y con deseos de detener la película en algunos momentos.

Yo abusaré de mi pequeño poder, y le ordeno escribir un comentario despiadado de mi crítica a zerjess@hotmail.com o déjelo aquí…


Los críticos opinan:
“Claustrofóbica y enfermiza como la peor de las pesadillas. Fría y aséptica como esa cárcel simulada que, a modo de sala de operaciones, sirve para diseccionar la naturaleza humana a corazón abierto y sin anestesia. Cruda y despiadadamente desnuda como el aspecto que presenta una res muerta colgada en el interior de un matadero bajo la macilenta luz de los fluorescentes”.
Tònia Pallejà

“Su trascendencia es abrumadora, su interés es indudable, su argumento llamaba para rodar una película y es de agradecer que se haya realizado”
Rubén Corral

La escena:
Hay muchas escenas fuertes muy disfrutables, pero sin duda una de las que a mi gusto tienen una gran carga no sólo psicológica es el encierro de Tarek en una caja negra. Impactante desde que se plantea tan sólo la posibilidad de meter ahí a un ser humano.
Para reírse:
Coincido con otros críticos que la escena de la visión en verde para dejarnos ver a Tarek en la caja le quita impacto y nos hace pensar en lo irreal de dicha visión, por los encuadres y el supuesto espacio que éste tiene dentro de ella. Me dio risa.
Los aplausos:
Bien para el equipo de Montaje a cargo de Hans Funck y de Decorados de Uli Hanisch, sé que el director hizo una petición extrema sobre que eso no fuera costoso, llamativo y que tuviera todo el realismo de una recreación científica, a mi me llevaron a esos laboratorios de perdición.
La recomendación:
Busque un momento de soledad. Siéntese, respire hondo, ponga play a su DVD y prepárese para disfrutar de una historia lineal con la esperanza de que en más cuanto transcurren los minutos el caos termine pronto. Luego reflexione cuántas veces a abusado de su pequeño poder…



Ficha técnica:
Dirección: Oliver Hirschbiegel.
País: Alemania.
Año: 2001.
Duración: 120 min.
Interpretación:
Moritz Bleibtreu (Tarek Fahd. Prisionero nº.77),
Maren Eggert (Dora),
Christian Berkel (Steinhoff. Prisionero nº.38º),
Justus von Dohnanyi (Guardián Berus),
Oliver Stokowski (Schütte. Prisionero nº.82),
Timo Dierkes (Guardián Eckert),
Nicki von Tempelhoff (Guardián Kamps),
Antoine Monot Jr. (Guardián Bosch),
Wotan Wilke Möhring (Joe. Prisionero nº.69),
Andrea Sawatzki (Dra. Jutta Grimm),
Edgar Selge (Profesor Dr. Klaus Thon),
Polat Dal (Prisionero nº.40),
Stephan Szasz (Prisionero nº.53),
Danny Richter (Prisionero nº.21),
Ralf Müller (Prisionero nº.15),
Markus Rudolf (Prisionero nº.74),
Peter Fieseler (Prisionero nº.11),
Thorsten Dersch (Prisionero nº.86),
Sven Grefer (Prisionero nº.94),
Lars Gärtner (Guardián Renzel),
Markus Klauk (Guardián Stock),
Ralph Püttmann (Guardián Amandy),
Philipp Hochmair (Lars),
André Jung (Ziegler),
Uwe Rohde (Hans).
Guión: Mario Giordano, Christoph Darnstädt y Don Bohlinger; basado en la novela 'The experiment - Blac box'.
Producción: Norbert Preuss, Marc Conrad y Fritz Wildfeuer.
Música: Alexander van Bubenheim.
Fotografía: Rainer Klausnabb.
Montaje: Hans Funck.
Dirección artística: Andrea Kessler.
Vestuario: Claudia Bobsin.
Decorados: Uli Hanisch.

PD. Me he prometido a mi misma ya no escribir tanto, espero que la sinopsis ahora si haya quedado lo más sintetizada posible para no aburrir a nadie.

domingo, 25 de mayo de 2008

DAS EXPERIMENT. Oli.

DAS EXPERIMENT

Das Experiment (El experimento), una película alemana del director Oliver Hirschbiegel rodada en 2001, está basada en la novela de Giordano, que a su vez se inspira en. el experimento de la cárcel de Stanford

Una serie de personas voluntariamente se entregan a un experimento científico con fines de estudios psicológicos sobre el comportamiento agresivo y conductas extremas que puede llevar el aislamiento y el uso del poder en un ambiente carcelario, sometidos con las mismas reglas “unos mandan, otros obedecen”, gente común decide ingresar a éste experimento, a simple vista inofensivo, con un atractivo pago de dos mil dólares, se llevan a cabo estudios psicométricos y en base a ellos se eligen quienes serán presos y quienes la autoridad, obligados a comportarse como tales sin más requisitos y reglamentos que mantener el orden, sin uso de la violencia durante 14 días, celdas idénticas a una prisión, comida tan característica de una cárcel, vestimenta perfectamente utilizada en prisiones, con cámaras captando cada movimiento para así estudiar el proceso de la investigación.

Inicialmente tomado como un juego inofensivo, comienza a crearse rencores, provocando y comenzando a crear acción y diversión para salir de la monotonía y cotidianeidad de cada día que pasaba, sin noción del tiempo, sin otro entretenimiento que el estar conviviendo unos con otros, diferentes personalidades comienzan a definirse en distintos roles dentro del experimento. Un reportero con el mismo objetivo capturar el experimento tras unos lentes de ver adaptado para grabar, reacciones y actitudes del ser humano llevados a un extremo comienza a forzar la metodología negándose constantemente a las órdenes impuestas, causando conflicto entre todos, evoca el otro lado del ser humano, abusivo, tirano, impulsivo, animal y comienza una guerra entre prisioneros y guardias, saliéndose de control el experimento, mientras los prisioneros comienza a sufrir alteraciones psicológicas, depresivas, ataques de ansiedad, una peligrosa violencia y maltrato psicológico después desembocando a violencia extrema involucrando a todos en éste enfermo juego que adoptaron, sin salida ni estrategias mas que la misma supervivencia.


"Me fascina la línea que separa realidad y fantasía. Todo el mundo lo sabe y lo ha experimentado alguna vez. Cuando los niños juegan a indios y vaqueros, o a policías y ladrones, la situación se convierte rápidamente en real. Y eso pasa también entre los adultos."

Citando al director Oliver Hirschbielgel, me enloquece la idea de que hay un poder inexistente, totalmente ficticio, irreal por el cual toma tanto poder y fuerza en éste film, causa esa irritación en mi estómago al evidenciar que la mente es tan poderosa, que crea todo un mundo alterno que se apodera de tus impulsos, reacciones y comportamiento, la misma personalidad de cada uno de los personajes cambia desde el momento que entran en esas celdas y del contrario que poseen esas macanas y esos frondosos uniformes, se convierten en alguien más, fuera de la sociedad, en donde nadie puede delatar su debilidad, en donde nadie impone sobre ellos, en donde esa extasiada sensación de poder transforma y destruye.
Maravillosa la idea de llevar una situación verídica sobre el experimento de la cárcel de Stanford , un conocido estudio psicológico de la respuesta humana a la cautividad, en particular a las circunstancias reales de la vida en prisión, y los efectos de los roles sociales impuestos en la conducta en 1971, llevado a un discurso cinematográfico, pues toca temas que nos convierte tan vulnerables como seres humanos, sociedad e incluso como lo animales y bestias que podemos ser, el abuso de las circunstancia de una persona que esta del lado de la reja, como transforma esa noble y tierno rostro a uno tan maniático y detestablemente enfermo, cruel, burlándose de el débil pero al mismo tiempo con el asqueroso miedo de perder ese sabor de dominación y manteniendo presión y miedo psicológico para mantenerse en el trono.

Totalmente envuelve al espectador en esa rutina circular, sintiéndola infinita, interminable, determinándonos el cambio de luces como la única noción del tiempo, esa ansiedad que provoca el ver la caja negra sin ningún espacio de luz ni aire utilizada como castigo para los prisioneros.
Mantiene esa inquietud durante todo el film, esa poca opción de predecir lo que pasará, ya que va en aumento cada reacción, cada situación, cada grito, las miradas van transformándose poco a poco. La impotencia de sentir ese abuso y denigrarte hasta el límite, de tocar fondo y llegar al extremo de las consecuencias. El sentirte encerrado sin que nadie escuche ni defina quien realmente tiene derecho y poder y quien no.

Me deleitó el guión, agresivo, cambiante, jugando con los personajes y con las variaciones del film. Impredecible, algo que me emociona de gran manera, esperando qué responderá o dirá. En éste film es un factor muy importante el guión ya que la violencia que se crea en psicológica, verbal, remarcando y dando en puntos débiles de los diferentes personajes, buscando las palabras correctar para herir y provocar este.
Mantiene una estrategia de continuo roce por medio de palabras, ya que no puede existir uso de violencia.

Un atinado ritmo, tensionante y abrumador, una juego de luces adecuado para resaltar el discurso del director, una acción tras otra, un discurso en constante movimiento, delicado uso de lugares escénicos, poco pero suficientes para crear el dinamismo perfecto que utiliza.
Personajes tan diversos como interesantes, un reportero aventurero y terco, un soldado piloto racional, paciente y solitario, un hombre con una vida social nula, inseguro, noble y sensible como prisioneros, en contraste con los guardias, un hombre robusto, imitador de Elvis Presley, buscando aceptación de los demás, falso, inseguro pero una vez con la macana no puede dejar de disfrutar el sentirte grande y poderoso, otro alemán reprimido, gracia de los demás por su fuerte olor, pero ahora con poder venga cada uno de los malestares que se le hizo pasar injustamente, actuando de la manera ahora del abusador.
La transformación de los personajes es evidentemente profesional, el trabajo actoral se demuestra en esos momentos de locura mental y nula estabilidad por la situación que les obliga a perder la cordura.

Ficha técnica:
Dirección: Oliver Hirschbielgel
Guión: Mario Giordano, Christoph Darnstädt y Don Bohlinger; basado en la novela The experiment-Blac box.
Actores: Moritz Bleibtreu, Maren Eggert, Christian Berkel, Justus von Dohnanyi, Oliver Stokowski, Timo Dierkes, Nicki von Tempelhoff. País: Alemania Año: 2001 Duración: 120 min
Guión: Mario Giordano, Christoph Darnstädt, Don BohlingerMúsica: Alexander BubenheimFotografía: Rainer Klausmann 120 minutos
Género: Thriller Suspenso

lunes, 19 de mayo de 2008



Ichi: the Killer
Por Jessica Zermeño
¿Te excita el dolor de otros? ¿Sangre, mujeres golpeadas, violadas, mutiladas? ¿Hombres despiadadamente torturados con ganchos de carniceros, aceite caliente en la piel y cuerpos cortados en trizas? Si no es así, evita esta reseña y mucho más la película, ya que vaya que todos los sucesos y personajes de Ichi The Killer son repulsivos, sanguinarios, violentos, extremos, sexuales, sádicos, crueles, morbosos, y no sé cómo más describir esta película del cine Gore.El film de Takashi Miike es una adaptación realizada de un conocido manga japonés, donde se plantea una historia lineal (no por ello menos sangrienta) sobre la desaparición del jefe de la banda Yakuza, Anjo, quien es terriblemente asesinado (y cuando digo terrible es porque hay una buena dosis de ríos de sangre por el piso, otros litros por las paredes, pedazos de carne por doquier y tripas). Unos misteriosos personajes se encargan de limpiar las terribles escenas del crimen de un sádico asesino conocido como Ichi. La banda de Anjo supone que su jefe está en apuros tras desaparecer con mucho dinero. El excéntrico y sadomasoquista Kakihara (marcado por el placentero dolor en todo su rostro) es el más fiel seguidor de Anjo y va en su búsqueda torturando a diestra y siniestra a todo aquel que pueda tener relación con la desaparición de su jefe. Jijii empieza a sembrar cizaña entre las bandas yakuzas inculpando a sospechosos equivocados. Jijii es el "padre adoptivo" de Ichi, un muchacho tímido, inadaptado, temeroso que vive encerrado jugando videojuegos. Ichi está seriamente traumatizado tras haber visto en la escuela como sus compañeros violaron a la única chica que lo defendía; Ichi tuvo miedo de sus instintos pues aunque sabía que le estaban haciendo daño el deseaba participar en la violación. Más tarde se descubre que todo ese mal recuerdo de sus días de adolescencia es en realidad una sugestión hipnótica implantada por Jijii, por lo que el niño tonto con carita de yo no fui (excelente actuación de Nao Omori) es la máquina infernal de muerte que ha sembrado terror en las bandas Yakuzas. Inverosímil, pero cierto. Ichi se pone su uniforme negro, con un número 1 fluorescente en la espalda, sobre una especie de caparazón que le da un aspecto de insecto y con cuchillas guardadas en los talones de sus botas Ichi corta a sus enemigos de arriba abajo, los destripa y descuartiza sin piedad en medio de llantos y eyaculaciones de placer.Kakihara, está a la expectativa de conocer al despiadado Ichi, pues sabe que tras la muerte de su jefe (quien le acomodaba tremendas y excitantes palizas) él es el único que le puede proporcionar el dolor físico que quiere tras conocer que Ichi es una persona carente de sentimientos y que mata a sangre fría sin ningún tipo de vacilación o remordimiento. El encuentro entre estos dos personajes es esperadísimo por el público y el final es impactante por el grado de violencia y degradación psicológica.Para algunos las situaciones de esta película podrán parecer bizarras con extrema violencia y con una carga de humor negro que podría caer en lo sátiro. Sin embargo cumple con todos los requisitos del Gore, al contener la crueldad y crímenes que infunden miedo en los personajes. La fotografía es inaudita, jamás había visto tanta crueldad y sangre tan bien logradas, golpea la vista, la moral, hace que las tripas se revuelquen en tu estómago y proyecta en cada parte de la piel ese miedo nato, de pensar en el dolor que uno podría sentir con tales sucesos. Es un delicioso cóctel de dolor en el “si hubiera” de cada persona que deje sacar su lado masoquista con esta película.Lo que es aún más aplaudible es que este director se especializa en saber que es lo que quiere contar y cómo lo quiere hacer, y de esta forma con un rodaje rápido y con tan poco presupuesto, logra una calidad magistralmente en sus películas. Los efectos especiales de Ichi son tan reales que uno ni los ve, los busca morbosamente entre la sangre derramada por la lengua mutilada de Kakihara, pero nada, perfectos y limpios, pasan desapercibidos.El montaje y la dirección son igualmente frenéticas y malvadas visiones de su realizador, el cual nos muestra temas como la lealtad de las bandas Yakuzas, las perversiones mentales y sexuales que pueden llevar a un tipo a querer ser el redentor de los malos, aún en contra de su inocente personalidad. El placer de sentirse infringido, mutilado, agobiado de dolor hasta llegar al éxtasis. Estos son sólo algunos de los hechos relatados en Íchi, donde Takashi Miike demuestra no sólo porque es uno de los más prolíficos directores creadores del Japón, con más de 60 películas en su historial en tan sólo 10 años de carrera.Yo sigo alucinando con las imágenes que dan vuelta en mi cabeza con tanto despliegue de sadismo, y me encontré con el placer de disfrutar de cada golpe y gota de sangre derramada.

Si usted sabe como destazar mi crítica en mil cachitos y que sienta ese dulce placer que tanto buscaba Kakihara puede hacerlo a
zerjess@hotmail.com



La escena de bolsa de papel: Disfruté enormemente de la escena del tipo colgado en los ganchos que luego vuelven carnitas con una dosis de aceite caliente, claro que si usted no está preparado para ello puede tener una bolsa de papel cerca para las nauseas.
Para aventar palomitas:Vaya decepción cuando se atora la mininavaja de Ichi en una reja, tras haber cortado en pedacitos a miles de yakuzas, pero bueno, se supera rápido con la demencia de Kakihara.
La navaja de oro:Mi reconocimiento a los encargados de los efectos especiales, se llevan gran parte de la película en ello y muy bien logrado, el mejor para mi es el corte de lengua y de pierna de la chica que se hace pasar por el recuerdo insano de Ichi.
La recomendación:Saque toda la porquería mental que lleva dentro, esos horrendos pensamientos de muerte y crueldad, ponga la película y tenga un buen rato de demencia y locura a lado de Ichi.
Para el lector iniciado o social:Takashi Miike ha realizado más películas que las que hizo Hitchcock en toda su vida, (por poner un ejemplo). Su récord es de 8 al año más o menos, de muchas temáticas y sólo tiene 10 años de carrera. La popularidad le llegó en 1999 con la película Audition (Ôdishon). Prolífico, ecléctico y controversial cineasta, conocido como el Tarantino oriental, capaz de crear sentimientos y sensaciones antagónicas en el espectador.
Ficha técnica:

Director: Takashi MiikeProducción: Akiko Funatsu y Dai Miyazaki Guión: Sakichi Satō y Hideo Yamamoto Elenco: Tadanobu Asano,Nao Omori,Shinya Tsukamoto yPaulyn Sun

Koroshiya Ichi. Manya Loría.

Manya Loría
Apreciación cinematográfica

“Koroshiya Ichi”

· Productor: Akiko Funatsu, Dai Miyazaki.
· Director: Takashi Miike
· Guionista: Sakichi Satō, Hideo Yamamoto
· Actores: Tadanobu Asano, Nao Omori, Shinya Tsukamoto, Paulyn Sun, Susumu Terajima, Shun Sugata.
· Fotografía: Hideo Yamamoto
· Efectos especiales: Misako Saka
· Montaje: Yasushi Shimamura

Sangre y trozos de carne acompañados con gritos de dolor… mmm… gore puro.
En lo personal, el gore es un género que yo no había explorado mucho, y al toparme con este film descubrí que aun no sabía nada de la vida.
Todo comienza con la desaparición de Anjo, el jefe de un grupo de mafiosos japoneses y un gran monto de yenes; Kakihara, uno de los sádicos y malos chicos de Anjo, decide que investigará hasta el final que es lo que ha ocurrido con su jefe.
Así que empieza una sangrienta y grotesca búsqueda de pistas acerca del paradero del jefe por parte de Kakihara (el chico malo y masoquista de la boca ancha), que asegura que su jefe está con vida. Pero comienzan los rumores acerca de un despiadado asesino llamado Ichi que probablemente asesino al jefe Anjo.
Todos los personajes de este film, además de repulsivos, son sumamente complejos.
Kakihara, raro y descarriado, tiene las comisuras de la boca alargadas (de hecho usa su boca como arma en una parte de la película), y es el hombre más sádico y enfermo que había visto en toda mi vida; es masoquista y está traumatizado porque perdió su fuente de dolor: su jefe Anjo, así que busca encarecidamente encontrarlo y vengarlo, pero se encuentra con la posibilidad de que Ichi, puede ser mucho más sádico y despiadado que su jefe, así que cambian su objetivo, ahora quiere encontrar a Ichi para que alguien lo trate tan mal como a él le gusta. Realmente a Kakihara no le importa Anjo, lo único que quiere es seguir con su vida donde inflige dolor al por mayor, y donde tiene a su verdugo que le de unas buenas nalgadas todas las noches.
Karen, la novia de Anjo, decide entrar al juego sadomasoquista del boca ancha Kakihara, más por experimento que porque de verdad quiera encontrar a Anjo (al parecer a nadie le importa Anjo verdaderamente en esta película), y Kakihara desesperado busca encontrar en ella a su jefe, pero en su noche de pasión descubren que la inocente Karen no es lo suficientemente sádica y no le pone suficiente pasión a sus golpes.
Tenemos a un pequeño niño, hijo de uno de los mafiosos de Anjo, que una noche es “salvado” por Ichi de sus malvados compañeritos de escuela que lo molesten mucho, desde ese momento, Ichi se convierte en su héroe; este pequeño observa todas las barbaridades que ocurren ya que al padre no le interesa proteger la mente de su hijo.
Jiji, es sumamente complejo y maquiavélico, es el padre adoptivo de Ichi y se aprovecha de que el muchacho esta trastornado para ejecutar a toda la mafia japonesa en un dos por tres; por medio de la hipnosis, le muestra a Ichi una realidad inexistente que hace que el muchacho se enfurezca y se convierta en una trituradora de carne, lo cual le causa mucha gracia a Jiji.
Ichi es un pobre chico que bajo los poderes hipnóticos de Jiji se convierte en una llorona y sensible máquina de matar que se viste con un traje negro con un número 1 fluorescente, y unas botas con cuchillas hiper afiladas en los tobillos; está totalmente traumatizado y busca vengarse, ya que sus compañeros de clase lo molestaban siempre y violaron enfrente de él a la única chica que lo defendía… y eso lo excitó, aunque nada de eso haya ocurrido en realidad, todo es una jugarreta del astuto Jiji, que manipula la mente de Ichi.
Ichi, además de ser sádico, es un poco depravado, ya que le excita ver como un chulo golpea a una prostituta y la posee a la fuerza; de hecho, la escena en la que se nos presenta al personaje y al título del film es precisamente con su esperma en una planta del balcón de la casa donde el chulo toma a la prostituta, a la cual Ichi salva asesinando al chulo maldito, pero desgraciadamente, la prostituta no pensó en la posibilidad de que un hombre totalmente loco con navajas en los tobillos podría matarla por accidente si se ponían con juegos de manos.
Finalmente Ichi y Kakihara se encuentran en la azotea, Ichi mata al padre del niño que tanto lo admira, y el niño enloquece, mientras que Ichi llora en el piso como un crío por lo que acaba de hacer, el niño lo patea y parece que nunca va a cansarse; el pobre Kakihara está confundido, ya que Ichi no hace más que llorar, lo ha decepcionado, así que nuestro chico malo decide clavarse sus agujas en las orejas y en medio de una alucinación se cumple su fantasía, Ichi mata al niño y luego lo mata a él, lo que realmente ocurre es que Kakihara se avienta del techo del edificio, mientras el niño sigue pateando a Ichi hasta la muerte.
¡Fue horrible! Estuve toda la película con un ojo tapado, pero debo admitir que está muy bien hecha.
Lo bueno del film para mí fueron las actuaciones, 100% creíbles; la profundidad y complejidad de cada uno de los personajes que son una versión terroríficamente maximizada de todo lo perverso que llevamos dentro; la mayoría de los efectos, buen uso de la sangre para evitar que se viera como catsup.
Lo malo del film para mí fueron las incongruencias en cuanto al poder de una navaja de cuter en polos totalmente opuestos, como cuando la navaja de 10 cm logra cortar por la mitad limpiamente al chulo ¿Acaso le salían los otros 30 cm necesarios cuando nosotros no mirábamos y se volvían a ocultar cuando la cámara nos mostraba el tobillo del pequeño Ichi?, o cuando la misma navaja se atora en la reja cuando está a punto de matar a Kakihara… ¿Acaso ya no tenía filo de tantas destazadas?
Es una película aterrorizante que te hace desconfiar hasta del individuo que tienes al lado.
· Una de mis películas favoritas, obra maestra.
· Maravillosa, para verla tres veces.
· Buena, me enseña, lo paso bien y reflexiono.
· Dominguera, sube la moral y me la paso bien.
· Regular, cae en lo simple.
· Mala, simplona, sin género, sin historia, sin… nada.

domingo, 18 de mayo de 2008

Clase 11. Hermenéutica, crítica y recepción

Hermenéutica, crítica y recepción

Es inevitable que las opiniones particulares y los juicios de valor referente a los procedimientos formales, a las estructuras narrativas y a los temas que aparecen en el discurso cinematográfico.

Pero ahora es el momento de crear una visión global del filme, de la interpretación que nos ofrece y del juicio estético de acuerdo con el alcance de la obra.

Una medición aproximada y referente para crear esa visión de carácter hermenéutico es la participación en festivales y su carrera comercial. Para ello es necesario tener en cuenta el resultado del análisis realizado y tres perspectivas básicas:
las opiniones del director o del productor
la crítica cinematográfica de la prensa y de los estudiosos, y
la valoración de los historiadores del cine.

Puede parecer cuadrado incluir en una valoración crítica el propio juicio del autor de la obra y, efectivamente, en términos generales así es.
En el ámbito cinematográfico, muy particularmente, las opiniones de los cineastas se realizan en medio de promoción de los filmes, por eso el interés comercial de difusión del producto cultural que constituye la película excluye una perspectiva crítica. Pero es posible seleccionar las opiniones contrastantes, realizadas al cabo del tiempo y con la distancia que nos permita enriquecer nuestra valoración.
Para el conocimiento de la obra de un cineasta es posible incluir sus propias opiniones debido a que el autor es necesariamente uno de los mejores conocedores de su propio trabajo sobre todo en las películas más personales y además sus apreciaciones nos sirven para disolver ambigüedades y explicitar intenciones.

Por lo que se refiere a la crítica cinematográfica, nos ha de servir fundamentalmente para:
a) la hermenéutica que se hace del filme en su exhibición pública, en un contexto histórico determinado;
b) hacer una valoración estética que, que aunque no es tarea fundamental del análisis, lo completa y sirve para poner de relieve la calidad de los distintos elementos de la obra, los cuales funcionan son valiosos durante todo el proceso de análisis, y
c) la recepción de los temas o la valoración del texto fílmico como hecho de comunicación.

Por último, salvo en el caso de estrenos, es preciso contar con la relevancia y el juicio que una película ha tenido en la Historia del Cine.
Esta perspectiva complementa a las anteriores porque, como se sabe, hay títulos que fueron muy esperados en su estreno sin que hayan dejado huella al cabo del tiempo; y, por el contrario, filmes que prácticamente pasaron desapercibidos cuando se realizaron, con el paso de los años han acabado por ocupar un lugar en esa historia, pero no olvidemos que esto, lejos de ser un fenómeno exclusivo del cine, sucede habitualmente al referirnos a obras del arte, la literatura, la música o cualquier otro ámbito de la cultura.
Cuando hablamos de la relevancia en la Historia del Cine nos referimos, en definitiva, a la capacidad de una obra para permanecer en el tiempo, superar la coyuntura histórica o son discursos que se niegan a envejecer; y a su significatividad dentro de la filmografía de un director representativo, una estética, un movimiento o un país.

Ichi The killer. oli

Ichi The killer



Titulo original: Koroshiya-1
Género: Gore y Gangster
Año: 2001
Duración: 129min. (deasiados para el "body")
Director: Takashi Miike
Reparto: Tadanobu Asano como Kakihara, Nao Omori como Ichi, Shinya Tsukamoto como Jijii.

Una film relatando una historia sobre distintas bandas mafiosas, inesperadamente se enteran de la huída del jefe de la mafia Yakuza con millones de yens, comienza la búsqueda por los responsable de éste desastre, se encuentran con el temible Ichi, un asesino psicópata que vive para matar, con una serie de problemas psicológicos periódicos durante su vida, frustraciones y ausencia de sentimientos, es fácilmente manipulado por un desconocido hombre, el cuál le indica cuáles serán sus próximas víctimas. Tratan de capturar a éste peligroso hombre en medio de persecuciones sadomasoquistas, mortales y estratégicas. Y por otro lado un hombre sediento de dar y recibir dolor comienza a buscar a su perfecta pareja, Ichi, ignorando que éste realmente mata sin pudor alguno.

Una completa tasajeada durante toda la película, aunque bien es una característica del género Gore, no se si haya sido por que no estaba muy familiarizada con éste género o si realmente es así, pero lo sentí muy sucio, exagerado y e incluso incongruente, no me gustó en lo más mínimo cómo fue llevada una historia que no era mala, pero lo que es extremadamente gráfico tiende a ser asqueroso, obsceno y grotesco, no permite disfrutar la historia, por que llama más la atención toda la porquería que sale de los cuerpos y el rojo vivo, que provocan ardor en los ojos obligándolos a cerrarlos.
En partes sentía que no era necesario mostrar tanta agresión y violencia pues con una escena basta para que quedes con esa sensación de estremecimiento (si acaso era lo que buscaba el director) y que sea justo y necesario permitir descansar un rato.

Lo que sin duda considero realmente bueno fue el audio, efectos de sonido, que no refuerza sino crea una distinta imagen con ese sonido tan viscoso, líquido y pegajoso de la sangre, intestinos y demás vísceras. Se siente real y cercano, los efectos incluso visuales son excelentes, llamativos, muestran esa realidad y no la falsedad de las situaciones que en ocasiones parecen imposibles.
No cabe duda que los orientales tienen ideas un poco fuera de la visión general.

Personajes tan surrealistas y extraños que forzosamente llaman la atención, desde el protagonista, un típico joven introvertido, penoso y de dudosas reacciones llora cada vez que se encuentra molesto, a primera vista parece ser indefenso y tranquilo, pero cuando sale su otra personalidad de cobrar venganza por su infancia que ha sido completamente manipulada e hipnotizada. Su dilema sobre matar y huir llorando en cada segundo se ve tan interesante.
El otro rubio, cicatrices en toda la cara, un mundo en su mente poco común, disfrutando el dolor y buscando el máximo de su fetiche, aprovechando su poca sensibilidad y torturando camina tan despreocupado a inexpresivo, nadie puede si quiera acercarse a lo que tiene en la cabeza éste hombre. ! Misterioso y excelente personaje!



Además eran tan complicado agarrarle el hilo a éste film tan bizarro que estás tan al pendiente de no perder ni un dato que al sofocarte de información, nombres extraños y personalidades versátiles y con miles etapas, rostros idénticos y voces irreconocibles complica aún más la situación. No te enteras perfectamente de qué trata o que es lo que está sucediendo, aún después de 20 minutos sigues ignorando gran parte de ello.
También me pareció muy larga, y a cualquier persona llega a cansársele la pupila de tanta sangre.

Muchas cosas se han dicho acerca de esta película desde que Como dato general, fue estrenada hace casi seis años en festivales occidentales. Y no es para menos, ya que la extrema violencia y sadismo de la que hace gala
ha mandado a más de un espectador disparado fuera del cine en busca del lavabo. En el festival de Toronto Midnight Madness 2001, en lo personal no los culpo, no lo puedo imaginar en pantalla grande.

Sin embargo me toca verlo de un punto distinto, analizando el discurso, por éste lado se crea una manera interesante de ver las cosas del director, un tanto sarcástica, cínica , una manera de burlarse del dolor y violencia, brutal y agresiva pero con un humor negro muy selectivo. Cumple con características y requisitos del género Gore, mantiene impactado al público con un ardor constante en el estómago.

Ichi, el Número uno del gore.


Ichi…


Año: 2001
País: Japón
Título original: Koroshiya Ichi.
Director: Takashi Miike
Producción: Akiko Funatsu Dai Miyazaki
Titulo original: Koroshiya Director: Takashi Miike
Guión: Sakichi Satō, Hideo YamamotoElenco: Tadanobu Asano,
Nao Omori,
Shinya Tsukamoto,
Paulyn Sun Duración: 129 min.
Música: Karera MusicationSeiichi Yamamoto

Anjo, el jefe de una peligrosa banda de yakuzas (la mafia japonesa) ha desaparecido junto con una buena suma de yenes, su más fiel esbirro, Kakihara, y su equipo de hombres rudos comienzan la búsqueda del desaparecido, una pista lleva a otra, hasta que Jijii, un proscrito de alguna banda japonesa les otorga el dato que les lleva hacia el posible paradero del jefe, lo que sólo creea que, entre golpizas, torturas y problemas al mayoreo, el rubio Kakihara vaya descubriéndose al igual que los demás personajes, y cuando ya han sido expulsados de la mafia y quedado sin jefe, la búsqueda del culpable se vuelve mucho más personal, con Kakihara como líder, descubren la pista de un mostruoso asesino, Ichi que es, aparentemente el asesino del jefe… ahora, Kakihara busca vengar a Anjo, y por que no, encontrar en ese brutal Ichi, el puesto de sádico que Anjo, dejó libre con su muerte.

Ichi convive en un mundo real, violento y duro, en donde es un joven tímido y sumamente retraído, pero, bajo las órdenes de un “extraño personaje” se transforma en una máquina de destazado express, que, tanto sufre como ama la muerte, Ichi, agobiado por un terrible trauma intenta ser feliz, aunque está demasiado hundido para poder salir.

Kakihara y su banda busca al maravilloso Ichi que “Kaki” tanto desea conocer e Ichi, es sin saber el objetivo de una persona muy especial, e ignora que él también está acercándose a sus enemigos… ¿qué sucederá ahora que los dos sádicos más peculiares del Japón se encuentran, así, como sus intereses y problemas?

Takashi Miike.

Había tenido el asqueroso placer de toparme con varias películas del género despreciado por excelencia el GORE, pero un buen día, me topé con Ichi, el Asesino… Ichi proviene de una serie de cómics de la enferma inspiración de Hideo Yamamoto, diez volúmenes que fueron la base para crear esta “delicia” de película.

Unos dicen que es un gore exagerado, yo digo que tiene la dosis exacta de “carnitas” (como solemos llamarlo entre amigos) pero se le da otra orientación, un humor negro, cruel que se vale incluso de la ridiculización para, al menos a mí, dejarme un sabor de boca, más que a sangre, a satisfacción.

Una película bien hecha, contada de forma lineal con varios factores incógnita y confusión que te hacen pensar varias veces los hechos, con efectos de cámara sencillos pero efectivos, como por ejemplo el barrido al inicio de la película. El uadio con tanto sonido húmedo y carnoso que te hacen imaginar lo peor. Y por último, cosa curiosa es la creación de los personaje, todos, absolutamente enfermos y perdidos, y claro, los dos más sobresalientes, Ichi y Kakihara dos personajes que te dan miedo, lástima, asco… pero que a su vez son reflejos (sí, tal vez bastante caricaturizados de la realidad del mundo).De todas maneras, yo si encuentro un mensaje, para variadísimos tipos de público. La película nos muestra las consecuencias de la ya típica contienda de niños y adolescentes en los recintos educativos… ¿cuáles son las consecuencias? Pueden llegar, (sí, en efecto) hasta extremos de una magnitud monstruosa. Y ésta, es una manera irreverente y diferente de mostrarnos las cosas.

Aplaudo el alto presupuesto (bueno, no es muy alto pero parta una película de este tipo si) y los buenos efectos especiales. Felicidades por el director, uno de los más peligrosos, geniales e irreverentes de su país, que, cosa que no me agradó el todo, se ensaña con las mujeres, viéndolas como el suave costal de carne sólo útil para martirizar. Otro elemento a destacar, sin duda, es la música, que te sumerge en un remolino de vísceras y locura, y claro, el maquillaje y vestuario, que le dan el toque de parodia. Aplaudo también las actuaciones, que logran que creamos a la prostituta como lo que es, al sádico, como sádico y al traumadísimo, como el traumadísimo.

Ve la película si quieres toparte con una experiencia diferente, en la que mi frase del director hacia los espectadores sería: Relájate…
¡Kali Ayana!

Ichi: The Killer, Dito

TITULO ICHI, The Killer
AÑO 2001
DURACIÓN 129 min.
PAÍS Japón
DIRECTOR
Takashi Miike
GUIÓN Sakichi Satô (Cómic: Hideo Yamamoto)
MÚSICA Seiichi Yamamoto
FOTOGRAFÍA Hideo Yamamoto
REPARTO
Tadanobu Asano, Nao Omori, Shinya Tsukamoto, Paulyn Sun, Susumu Terajima, Shun Sugata, Toru Tezuka, Yoshiki Arizono
PRODUCTORA Coproducción Japón / Hong-Kong / Corea del Sur
GÉNERO Thriller. Acción. Gore.

Un conocido jefe de la Yakuza (la mafia japonesa) ha desaparece junto con un botín de 100 millones de yenes. Su mano derecha, el sanguinario y masoquista Kakihara, y el resto del clan, emprenden su búsqueda, ya que no creen que se haya fugado. Para encontrarlo utilizarán todos los métodos que consideren oportunos, ya sea torturando o matando. Así, Kakihara consigue averiguar que lo que pensaban que era una desaparición, es en realidad un asesinato, cometido por un hombre llamado Ichi, un esquizofrénico que cuando pierde el control puede hacer picadillo, literalmente, a cualquiera.

Si somos sinceros, Vi poco de la película, lo poco que pude observar fue que tiene buen sonido, si hablaramos japonés entenderiamos perfecto lo que se dice, todos los demás sonidos: gritos, impactos de objetos, etc. Dan a entender muy bien lo que esta pasando (diganmelo a mi que estuve toda la película bajo una almohada y no precisamente dormido).

Hay varios Flashbacks durante la película y hay varios Cortes A, los pocos que vi eran en su mayoria cortes A, el montaje es meramente de planos largos pero con acciones ágiles y rápidas, el tiempo filmico es tiempo real, que se rompe cuando entran los flashbacks, pero en general esa es la linea, la historia es lineal, desde el principio se plantea un objetivo, que al cumplirlo se convierte en otro diferente y sigue la historia hasta que vemos el final. Para mi gusto es dura demaciado para todo lo que ves ahí, en realidad se me hace una carga muy pesada, el director debió de haber tenido muchas ganas de ver algo asi para crearlo, o tal vez, es solo una exageración mía por mi sufrimiento durante todo el filme, en realidad no te dice mucho de la cultura japonesa, cosa que hubiera sido interesante, el objetivo de esta película es meramente entreter, o hacer sufrir claro esta, con respecto a los escenarios, ¡es Japón! Siempre es interesante ver Japón, los lugares, casas, y calles que vemos en la película me hace ver una parte de Tokio que no conocía (en realidad no conozco Tokio, pero me refiero a que ves cosas diferentes que en Babel por ejemplo) lo que tambien es interesante de esta película es que se desarrolla en estos tiempos, eso te deja ver un poco más de esa cultura en tiempos modernos y esto lo digo por las casas, calles y establecimientos que vemos como escenario. Con respecto a los personajes, los dos que mas se notan durante la trama son: Ichi y Yakuza, los dos son unos maniacos, un esquizofrenico que llora por cualquier motivo y ese es su impulso para partir a la gente en 2 y el otro un sadomasoquista que adora que lo hagan sentir dolor y ama hacer sentir dolor a los demas, obviamente los dos tienen un trastorno psicologico que en lo personal jamás habia yo visto, sabia que existian las personas asi, pero no a tal grado, sin embargo el personaje que mas me llamo la atención y que mas me gusto es Ichi, da la pinta y de hecho es el tipico niño tierno que todo mundo quisiera encontrarse, pero ¡Oh Sorpresa! Es un asesino impulsivo de quien hay que tener cuidado, ahora si que es como el Lobo con piel de Corderito pero visto de una manera orientalmente diferente.

En conclusión, creo que respeta las reglas del Gore, tiene algo de sus penso, un poquito de humor para romper la tensión y esta muy bien hecha. Pero la verdad de las cosas es que no la vi, en conjunto vi como maximo 15 minutos de la película ya que no soporto ver ese tipo de cosas solo de recordar lo visto se me revuelve el estómago y sinceramente no me arrepiento de no haberla visto, no es una película que volveria a ver y sinceramente no me gustó, es demaciado sufrir, demaciada sangre, demaciada “maldad” para solo un rato.
En mi escala personal mi calificación es X. No es una peli que recomendaría pero si tienen la curiosidad Veanla y quienes ya la vieron y quiener repetir: ¡Que Dios los Bendiga!


XoXo

miércoles, 14 de mayo de 2008

Análisis de agua.oli

Olivia Lara Sahagun


Análisis de agua

Dirección y guión: Deepa Mehta.Países: Canadá e India.Año: 2005.Duración: 115 min.Género: Drama.Interpretación: Seema Biswas (Shakuntula), Lisa Ray (Kalyani), John Abraham (Narayan), Sarala (Chuyia), Manorma (Madhumati), Waheeda Rehman (Bhagwati), Kulbushan Kharbanda (Sadananda), Raghuvir Yadav (Gulabi), Vinay Pathak (Rabindra), Ronica Sajnani (Kunti).Producción: David Hamilton.Música: Mychael Danna.Fotografía: Giles Nuttgens.Montaje: Colin Monie.Diseño de producción: Dilip Mehta.Dirección artística: Sumant Jayakrishnan.Vestuario: Dolly Ahluwallia.Estreno en Canadá: 4 Noviembre 2005.Estreno en España: 3 Marzo 2006
Guión: Deepa Mehta
Guión: Deepa Mehta.
Personalmente con la pura sinopsis me aventaría a ver esté film totalmente convencida, pues desde la historia impacta, ahí va, Es el año 1938, Inidia en un contexto de búsqueda de paz y libertad por el líder de la independencia de la India, Gandhi , en donde recaía toda el suspiro de fe que quedaba, las creencias determinaron el destino de Chuyia, una pequeña de ocho años, la casan ignorando cualquiera que fuese su dedición, su marido es un hombre ya muy anciano y moribundo, fallece esa misma noche, y es condenada por la tradición, las mujeres pierden mitad de esencia al momento de casarse y la entrega al hombre, por lo tanto el momento que él muere se pierde la mitad de esa mujer abandonada en una vida de abnegación y represión., es llevada a Ashram el lugar en donde deben castigarse a las viudas, lejos de su familia, y sin un poco de dignidad rapándola es obligada a vivir ahí, al principio negada a tener esa realidad espera que su madre regrese por ella, al ir abriendo los ojos se da cuenta de cómo son las cosas, no empata con ninguna de las mujeres con las que ahora vive, con la moral en los suelos, deprimidas, enfermas, gordas, sumisas, resalta ésta pequeña niña, que no acepta las reglas y condiciones de vida, una bella joven gana la confianza y seguridad de la pequeña, se vuelven amigas, cómplices, Kalyani conoce el amor por primera vez, y por su desgracia en un momento y situación imposible de vivir y disfrutar y de la persona menos indicada para ella, un hombre hijo de brahamanes, casta social adinerada en India, ignorando sus prejuicios, cultura, familia, etc decide mostrar su amor ante todos, con Cuya como mensajera, observando y aprendiendo de lo mucho o poco que podía vivir si pudiera estar libre. Por cuestiones del destino los enamorados comienzan a tener barreras incapaces de romper, perdiendo la fe.

Una historia de amor, diferente a todas, algo inesperado, cubierto entre tantas injusticias, sufrimiento, fe y pérdida de ésta, niñas con esa alegre inocencia, ancianas con una vida abrumadora, mujeres en plena asimilación de su triste realidad. Un discurso que te provoca una total represión, transmite esa viva imagen de una cárcel o quizás algo peor, con rostros que desbordan tanta energía, alegría y felicidad, siendo algo que no quieren, callando ese grito agudo que las está matando por dentro.

Los personajes principales tiene atributos y características muy específicas, Chuyia, es una pequeña de 8 años, como tal es inocente, conserva esa alegría que caracteriza a los pequeños, llega a tener una actitud un tanto rebelde, independiente, noble, y un tanto tierna, dulce, transparente y sin prejuicios, simplemente viviendo la vida como ella lo veía, negándose a las reglas que forzosamente le eran destinadas.
Kalyani por otro lado era un mujer intentando ser sumisa y creyente, pero con el espíritu de una pequeña con ganas de conocer y comerse el mundo, conocer el amor y liberarse completamente, una mujer que aceptó y superó muchos años de represión, de denigración, de abuso, etc pero aún con esa chispa que la hacía sonreír y parecer hermosamente joven y viva.

Agua (2006) es la última cinta de la directora india Deepa Mehta que hace parte de una trilogía de los elementos con Fuego (1995) y Tierra (1998). Ésta mujer nace en India y se licenció en filosofía en la Universidad de Nueva Delhi, 1991 produce su primer largometraje sam and me, el cual ganó mención de la crítica en la cámara de Oro del festival de Cannes 1991, produjo también “ las aventuras del Joven Indiana Jones, Freda y Camila , entre otras , ésta vez el género que utilizó Deepa fue drama, romance, con una estructura lineal.

Me encabronó el rectificar que la religión puede ser tan poderosa, por que no existe otra palabra, que utilizando a ésta alguien pueda manipular a tantas personas tan ciegamente, el cómo pueden provocar que el autoestima de alguien sin razón baje hasta la mierda, confundiendo totalmente lo que es fé y lo que es abuso, dominio, poder, riqueza, ambición, perversión, tiranía, y es que así es como lo ven, como el poder absoluto que no se puede negar, cuestionar ni oponer, ¿que acaso es lo mismo religión a la negación de libertad? es triste ese concepto que tenemos y en ocasiones me incluyo, como bien es disparado en el film el pensamiento sobre que no hay alguna otra razón por la que podrían llevar a las viudas a un lugar aislado, en condiciones apenas humanas, sin apoyo alguno, sino la única y real razón de que así se eliminan de una boca más que alimentar, una cama más que ocupar, todo es dinero encubierto por una bonita percepción, la religión, abusando de las leyes, apoderándose de el derecho de saber lo que en realidad sucede y moverlo a su conveniencia.
Cómo de repente el ser humano se convierte en un milésimo Dios más, dándose lujos hipócritas y cínicos.


Me dejó un sabor fuerte el film, al final que ví sobre los datos que deprimentemente muchas mujeres siguen en la misma situación, el ver que no está muy alejado a la realidad de ahora, me hizo tener mucha conciencia sobre ello, me mantuvo realmente con los sentimientos despiertos y al final, el film consiguió sensibilizarme en todos los sentidos.

¡Un discurso maravilloso, honesto puro y realista!

ahògame. water.kali.

Una viuda debe de sufrir la muerte contenida y casta.
Una esposa Virtuosa que se conserva casta, al morir su esposo, va a al cielo.
Una mujer que le es infiel a su esposo, renace del vientre de un chacal.

Leyes de Manú.
Capítulo 5, pasajes 156-161.
Textos indios sagrados.

Es 1938, las semillas de una corriente libertaria se esparcen en las tardes y en las calles, todas hablan de un tal Gandhi, los rumores llegan, incluso, a una gris casa de vuidas, un Ashram., donde la novedad es la llegada de una niña de 7 años, Chuyia, que fue abandonada en ese lugar por su padre, cuando queda viuda un día después de su boda. Su larga cabellera le fue cortada, como parte de la costumbre para con las viudas… cortada… casi tan de tajo y tan cruelmente como su felicidad, y aunque ella no recuerda ni siquiera el haberse casado, no puede hacer nada por evitar el destino que le eligieron. En esa casa, se encuentra con un puñado de fantasmas, mujeres medio muertas, no “medio vivas”, figuras tristes y secas que envuelven sin querer en un sari vestido blanco toda la podredumbre de sus almas. Se encuentra con la Madrota en cargo, Madhu Didi, quien sólo conoce el amor por extasiantes hierbas fumables y por su perico Mitthu, también a Patiraji “la tía” quien vive soñando con dulces, y a Shakuntala, una mujer de evidente fuerza y carácter que le saca la primera sonrisa a la recién llegada.

Chuyia va poco a poco descubriendo la vida de las viudas, y así, es como un día descubre a Kalyani, una hermosa muchacha viuda que por una extraña razón se mantiene intemporal y aparentemente indiferente a la tristeza de las demás; de su mano vive alegrías y obtiene a una buena amiga, y a Kaalu un perro que la llevará a conocer a Narayan, un Joven liberal de respetable famialia seguidor de ese tal Gandhi. Y sólo bastó una mirada, para que Narayan y Kalyani sintieran todo revolverse en su interior, así es como comienza la aventura, en la que la inverosímil pareja escapará por las noches, y peleará contra todos (recordando que está prohibido casarse con una vuida), aventura en la que corren para dejar atrás el pasado, olvidado el dolor… al menos por un segundo, antes de que los alcance de nuevo.

Así, las viudas de la historia, se abren un camino hacia la libertad, de amar, de pensar, de ser felices. En medio del mundo, y en medio de “Dios”.

“Pregúntale a Dios”
Agua es el noveno trabajo de esta directora, también es parte sede la saga de “Elementos” que componen “Fuego” y “Tierra”. Es un Guión escrito por ella mismo a partir de un hecho que le cambió la vida, el ver a una viuda a orillas del río Ganges, buscando algo que jamás encontraría. Y esta imagen de 10 años atrás antes del estreno del film, fue incubándose poco a poco en la cabeza en medio de trabas, propuestas y peleas, hasta verse consumada en el 2005. Esta directora de origen hindú se graduó en filosofía y en sus anteriores trabajos como Fuego aborda de igual manera la crítica y tratamiento desde una perspectiva profunda y humana, pero no por eso menos objetiva de las realidades.


“La infancia es para jugar, no para casarse”.
Una obra entre cruda y romántica un drama realista-trágico-melodramático (que no dudo que tenga algo de documental por su inocente fidelidad), pero a final de cuentas logra una objetividad que no requiere uso extra de crueldad. Me parece una película sumamente equilibrada, en un tratamiento lineal y sencillo (se vale de un ritmo sintético, aunque con constante manejo de una sutil tensión), pues el peso del tema es bastante fuerte. Aunque por el tema, desesperante, creo que todos apretamos los puños y volteamos a ver indignados al de al lado.

Destaco el trabajo de la directora, de manera indudable, desde el guión incluso. También del encargado de fotografía, Giles Nuttgens, de vestuario y maquillaje (Dolly Ahluwallia) y claro, de la pequeña rata de dientes, imaginación y talento afilados: Sarala, quien encarna a Chuyia en el film.

Creo que El Agua es una llamado a la libertad, en vez de dejarnos arrastrar por ésta, usar los medios para limpiarnos, para ser libres de manchas y dolor. Y que como esa nube mensajera entre dos enamorados entregaba como mensaje cántaros de agua (de amor), nosotros nos dejemos cubrir por la vida, los sentimientos, antes de que sea demasiado tarde, y terminen por ahogar nuestros cuerpos viejos.

¿La recomiendo? ¡Claro! Un buen mensaje, una carga de belleza y de realidad dolorosa… tal vez llores o salgas sintiéndote impotente… no dejes correr esta agua y bébela… ¡o ahógate!

Hay más de 34 millones de viudas en la India según un censo en el 2001. Muchas siguen viviendo en condiciones de privación, social, económica y cultural, según lo establecido hace 2000 años en los Textos sagrados de Manú.


Título original: Agua (Water)
Dirección: Deepa Mehta.
Guión: Deepa Mehta.
Producción: David Hamilton
Año: 2005
País: India & Canadá.
Duración: 114 min.
Clasificación: B15.
Género: Drama.
Música: Michael Danna
Fotografía: Giles Nuttgens
Montaje: Colin Monia
Vestuario: Dolly Ahluwallia
Dirección artística: Sumant Jayakirshnan.
Reparto: Sarala (Chuyia),
Lisa Ray (Kalyani),
John Abraham (Narayan),
Seema Biswas (Shakuntula
Manorma (Madhumati),
Waheeda Rehman (Bhagwati)
Kulbushan Kharbanda (Sadananda)
Raghuvir Yadav (Gulabi)
Vinay Pathak (Rabindra)
Ronica Sajnani (Kunti).

water. chao.

Water (Agua)

Nota: Este texto contiene información en cuanto al argumento de la misma película.

Comenzar a hacer una buena crítica acerca de esta película nos remonta a tantos temas, empezando por retomar la vida de la directora Deepa Mehta, nacida en 1950 en la India, graduada en el mismo país en filosofía. No es hasta unos años mas tarde cuando emigra a Canadá, en donde empieza su carrera como directora cinematográfica.

Deepa Mehta es una mujer que ha vivido en carne y hueso la pobreza de la India, incluyendo su historia, ha estudiado detalladamente los manifiestos de Mahatma Gandhi y por supuesto conoce a la perfección la vida que lleva una viuda en los “ashram”.

Reconocida a nivel mundial, Agua, es una película que estuvo nominada al la estatuilla del Oscar a “mejor película de habla no inglesa”, siendo esta el tercer filme de la trilogía, tras “fuego” y “tierra”, Agua es la penúltima película que dirige Deepa.

Este film cuenta la historia de un grupo de viudas que representando a toda la población de estas en la extensión de aquel país de medio oriente, son torturadas y obligadas a llevar una vida como reliquia viviente y consagrada a su difunto marido, siendo esta creencia religiosa de la India colonial de 1938.

Chuyia, una niña de siete años es obligada a raparse la cabeza y a vivir una vida que no escogió, con prohibiciones como trabajar, comer dulces o vestir de cualquier otro color que no sea blanco, y siempre llevando su cabeza libre de cabello.

A la vida de Chuyia llega Kayumi, una joven de igual modo viuda y usada para la prostitución bajo el regenteo de la gran señora de la casa, usado el dinero en la sustención de la misma casa.

Las vidas de estas chicas es cambiada gracias a sus acciones transgresoras y retadoras ante una sociedad que las oprime, y son ellas mismas y algunas cuantas más quienes hacen que su vida tome un sentido mayor.

Según la creencia hindú, una viuda tiene tres opciones para elegir cuando su marido se ha separado de ella:
Esposarse con el hermano menor de su ex marido
Arder junto con su marido
Vivir en completa abnegación durante el resto de su vida

El contexto: India, 1938, Mahatma Gandhi era liberado de la cárcel inglesa, y tras una serie de discursos consigue unos años después la independencia de la India.
La manera de pensar de Gandhi lo convierte hasta la fecha en un líder y gran pensador, y gracias a sus influencias y amistades como la del ruso Tolstoi, Gandhi consigue consagrarse con pensamientos pacifistas y llevando una vida humilde en ropaje y comida vegetariana, dejo legados como este:

“Siento que el progreso espiritual nos demanda que dejemos de matar y comer a nuestros hermanos, criaturas de Dios, y sólo para satisfacer nuestros pervertidos y sensuales apetitos. La supremacía del hombre sobre el animal debería demostrarse no sólo avergonzándonos de la bárbara costumbre de matarlos y devorarlos sino cuidándolos, protegiéndolos y amándolos. No comer carne constituye sin la menor duda una gran ayuda para la evolución y paz de nuestro espíritu”

Esta película no solo muestra datos históricos de aquel país, sino una importante forma de verlo como mente occidental, con detalles importantes como “la fiesta del color” en el cual se les puede observar felicidad a las viudas manchándose de violeta, y pintándose puntos en sus frentes, pero en general lanzando y manchando sus cabezas desnudas de color amarillo pálido.

De verdad esta película te deja con ganas de visitar aquel país, conocer lo que se siente vivir entre una sobrepoblación, ver lo marginada que es la gente en general y conocer sus raras costumbres (para los ojos occidentales). A pesar de ir conociendo la historia de poco a poco sin fragmentación de tiempo, es decir, un filme meramente lineal, siempre te mantiene a la expectativa de lo que pueda pasar.

En general la directora muestra planos detalles en pies, manos y ojos, pocos planos americanos, pues en general maneja planos conjuntos a descuadre y generales del ambiente dentro de la casa de las viudas (ashram) y algunos paisajes como los del gran lago y la balsa en su andar por en medio.

Sin duda una película cinco estrellas, bien planteado el ambiente, la atmósfera de los sets te incluía como espectador, bien manejado el contexto de la época, perfecto enfoque de los sentimientos en las actuaciones y pues que mas se puede decir de una película que aun pasando un par de horas de que acabo sigues analizando lo que ocurrió en ella.

Recomendable en domingos, y martes, para con tu novia o familia…excelente.

Chao.

agua. dianne franko

Dianne Franko
Reporte de cine
INAI “Apreciación Cinematográfica”
AGUA
La ignorancia es nuestra desgracia, ¿Qué tema no creen?
Nuestra peor desgracia, nuestro fin, no importa si el cuerpo esta vivo que mas da si ignoras todo y entonces... existe una nueva pregunta: ¿Como saber cuando morimos, cuando es el final de nuestra vida, o de nuestra existencia humana, como saber que ya pasamos la línea para convertirnos en animales; ¿Crees que es imposible?... Pues no lo es, los seres humanos son guiados por creencias, mitos, como si fuesen esclavos de un solo dueño como si nuestras vidas dependieran tan solo de alguien al cual se le ocurrió decir que era bueno o malo como si fuese Dios, que línea tan mas pequeña la que nos separa de los animales, y es que las personas somos tan fáciles de manipular de acoplar o como los medios de comunicación lo disfrazan de ADAPTAR.
Ponte a pensar es cierto, la verdad es que somos tan maleables que la palabra de un hombre puede tener tal repercusión en nosotros que de pronto todo el cosmos cambia, por que al igual que tu, hubo muchos mas que creyeron lo mismo, que extraño no? Y así es como se hacen las normas sociales, alguien las piensa y muchos otros las toman como suyas; lamentablemente la vida muchas veces no es justa y los conceptos que tiene el ser humano son errados, así la cadena de reglas adoptadas por la sociedad muchas veces no nos dignifica como hombres o mujeres, y si a esto le agregamos que todas las personas somos como un gran teléfono descompuesto las reglas y normas sociales son distorsionadas y es entonces el hombre se convierte en un ANIMAL.
Que gran lección es la que nos da Deepa Mehta, con todo este contexto que el nos maneja en el film de Agua, con todo un trasfondo, nos dice muy a su manera que vivimos en una sociedad la cual nos come día con día, la cual discrimina por cosas que no dependen de nosotros, vivimos en una sociedad que nos dice que hacer y como hacerlo, sin importar que la calidad de vida de las personas sea contaminada a tal grado que seamos como perros sarnosos, incluso para nuestras propias familias.
En este film eso es lo que se ve, una niña que es casada con un hombre que muere a los pocos días de su boda. Las LEYES INDUS dicen: “Después de la muerte del esposo una mujer casta va al cielo y una mujer que es corrompida por el placer del cuerpo reencarna en el vientre de un chacal”, así que la pobre Chuia es alejada de su familia, recluida en una casa de viudas y además apartada de sus sueños, de sus ilusiones y de sus deseos.
En su estadía en aquel lugar conoce a mujeres de su misma condición, algunas como todo en el mundo justas y otras no tanto, Chuia es ahí la mas joven de todas y hace ver indirectamente a las demás mujeres que las cosas pueden ser distintas, diría Sócrates que utiliza el recurso de la Dialéctica; lo mas importe es que a pesar de todo ella no se da cuenta sin embargo es mas que evidente que a ella no le gusta estar ahí.
Así el cosmos cambia y dejan de ser, algunas, las ignorantes, y pasan a conocer muchas verdades que para ellas estaban ocultas por que a los poderosos no les convendría que las mujeres se enterasen de todo lo que sucede o podría suceder con respecto a las viudas, es aquí cuando nos podemos dar cuenta de que las cosas no marchan bien en sociedades donde las costumbres marcan un gran diferencia entre seres humanos, donde la discriminación es una cuestión meramente de si tu destino es afortunado o no.
El film es pesado por la gran carga simbólica que tiene, sin embargo el manejo de elipsis, de los travelings paralelos de la cámara, la musicalización y el manejo de colores hacen que la película sea mas digerible para el publico.
Buenos actores esta película se los advierto deja mucho que desear en cuestión actoral, así que si la van a ver créanme no les recomiendo que hagan una critica hacia este ámbito
Por cierto Sr. Deepa que mala toma la del tren no se ve la cara de la niña, que desesperación me dio al no verle la cara. Hágala de nuevo…
A si que queridos lectores esta peli esta para poner atención, en algún rato que tengan libres y sin preocupaciones.

lunes, 12 de mayo de 2008

Water Por: Jessica Zermeño



Water
Por: Jessica Zermeño

¡Muertas en vida! Así viven las viudas de hindúes aún en nuestros días y esta realidad se ve reflejada en la película ‘Water’ de la directora india Deepa Mehta, donde se aventura a contar una historia dejando de lado las bellas escenas (incluso descuida un poco la continuidad) o la gran producción y pone por encima de todo el mensaje: las mujeres son mujeres, son humanos por si solas y no necesitan de un hombre para seguir teniendo vida.
Es impresionante poder conocer muchísimo de la cultura india a través de algunas frases que marcaron la estructura lineal de este guión como que “una viuda no puede correr como una soltera”, “una viuda se queda medio muerta”, “Si Dios quiere reencarnará en hombre” y que hasta el 2001 había 34 millones de viudas en la India.
Todo ocurre en la India de 1938, en pleno movimiento de la resistencia pacífica de Mahatma Gandhi. En esa época (que es un decir) según las creencias hindúes, cuando una mujer se casaba, se convertía en la mitad del hombre. Si él muere, se considera que la mitad de la esposa ha muerto y los libros sagrados dan tres opciones a la viuda: Casarse con el hermano más joven de su marido (si la familia lo permite), arder con su marido o llevar una vida de total abnegación en el Ashram.
Bajo este planteamiento nos muestran a la juguetona Chuyia, una niña de 8 años que come caña y juega con los pies de un moribundo. Horas más tarde le avisan que su esposo ha muerto y como parte del luto en una escena casi incomprensible para la pequeña (y por cierto momento para mi, por desconocer las aberraciones, digo tradiciones hindúes), a ésta la rapan. Ya que era el símbolo que marcaba a las mujeres que están “medio muertas”.
Tras la muerte de su esposo es llevada a un Ashram para viudas donde deberá pasar el resto de su vida para convertirse en un altar viviente que rendirá culto a su esposo, si es fiel a este precepto será compensada.
Y como la corrupción existe aún en los peores lugares. El Ashram, además de verse, frío, abandonado como si fuera una cárcel es gobernado por una gran gorda viuda llamada Mahhumari, a quien el eunuco de la localidad le proporciona marihuana a cambio de las viudas más jóvenes.
Mahhumari predica por un lado que todas deben permanecer puras hasta su muerte y por otro lado prostituye a las jóvenes hasta que pierden su atractivo. En esos momentos tiene en la mira a Kalyani, una viuda muy guapa y que además es la única que tiene el pelo largo en el Ashram, también como símbolo de la diferencia de status que también hay ahí dentro como la de Shakuntula, una viuda de brahamanes, la casta social más alta de la India, quien es respetada por todas y posee su propio cuarto.
Dentro de este gran contexto de viudas abandonadas por sus familias por el simple hecho de no cargar con alguien más en cuestión económica, se muestra una interesante historia de amor entre Kalyani (la porstituta del Ashram) y Narayan (un joven idealista seguidor de Gandhi e hijo de brahmanes).
Todo parece muy prometedor para esta pareja, ella desafía a las viudas quienes se molestan (y hasta la dejan pelona para humillarla), pues va en contra de sus preceptos que una viuda vuelva a rehacer su vida, pero el destino tenía macado que nunca dejaría de ser una viuda al ser la amante del padre de Narayan.
Ella en un arranque de desesperación decide suicidarse en el río sagrado.
A la muerte de Kalyani alguien más debe prostituirse para sostener el Ashram y mandan a la pequeña Chuyia con engaños. Shakuntula harta de la nula información proporcionada a las viudas decide conocer el mensaje de Gandhi y romper algunos paradigmas.
El espectador podrá disfrutar de la atinada actuación de Seema Biswas (Shakuntula), quien con pocos diálogos y mucha corporalidad nos muestra dolor, melancolía, sumisión e indignación a través de un personaje secundario que destaca más que el rol protagónico de Lisa Ray (Kalyani) quién sólo cumplió con verse bonita a cuadro (aún pelona). Y culpa de este cast se lo podemos atribuir a la suspensión del rodaje en 2000 (con otro cast donde los protagónicos serían Shabana Azmi y Nandita Das), y todo porque el equipo de Mehta fue atacado por fundamentalistas hindúes, quienes quemaron y arruinaron la producción. Pero esta no sería la primera vez que se censuraba su trabajo, ya que lo mismo pasó con las proyecciones de Fuego, una historia que toca el tema del amor entre dos mujeres indias.
La directora abandonó el proyecto mientras el tiempo calmaba todo y fue hasta 2004 cuando prosiguió en secreto en Sir Lanka y con un nuevo reparto. Y con esto Mehta concluyó su trilogía Fuego, Tierra y Agua, películas donde muestra su visión particular de los preceptos y costumbres hindúes.
El Agua, además de ser un elemento ‘constante’ del film (el río sagrado, la lluvia, el agua para la lectura de los textos sagrados, etc) se usa como parte de una gran metáfora donde nos muestra un elemento, simple, común y al alcance de todos, pero que depende de cada uno el valor que se le de a éste. Aquí nos muestra como la ignorancia y la fe ciega han descontextualizado los mensajes de sus libros, resolviéndolos según su conveniencia y nos muestra como es tan sencillo llegar a ella y ver la verdad tan clara como el agua…
Esta película dejará en el espectador ese mal sabor de boca (obviamente acompañado de la reflexión), pues no sólo se debe observar esta problemática de rechazo en esas culturas, incluso en nuestro país, somos objeto de cierto racismo al enviar o recluir a nuestros ancianos en asilos, abandonados por la familias, o los niños huérfanos, los enfermos de Sida, los presos, etc.
Este argumento tiene un grito desesperado para abrir el corazón y las mentalidades del mundo. Nos invita a no dejarnos regir por falsos preceptos según la conveniencia de cada uno de nosotros y a ver por un bien común pues todos tenemos los mismos derechos, no hay diferencia entre hombres y mujeres, somos humanos ¿no?

Si usted tiene una luz de cambio en su interior, puede escribirme a zerjess@hotmail.com donde uniremos nuestros granitos de arena por un cambio mental y social.



La escena de pañuelo y lágrima:
Cuando la viejita viuda habla de su deseo por un dulce es fascinante la actuación, intensión y contexto. Pero alcanza su climax cuando Chuyia le regala un dulce que le provoca una muerte feliz.

Para aventar las palomitas:
El error de continuidad de la mancha naranja en la ropa blanca de Chuyia, está garrafal y es tan evidente que uno puede pensar que el film es malo, por ocurrir en los primeros 15 minutos de la película.
El cast de Lisa Ray o la mala dirección de Mehta, cualquiera que sea el caso, ya que se luce la belleza de la actriz pero no el talento.

Mil aplausos:
Seema Biswas seguramente supo aplicar muy bien el dicho Stanislavskiano de que “no hay papeles pequeños…”, y se comió a todos en esta película.

La recomendación:
Véala con la mente abierta. Si es mujer, déjese afectar por los malos ratos que pasan Chuyia, Shakuntula y Kalyani, y prométase a sí misma no dejar que ninguna regla, precepto u hombre limite su libertad de pensamiento. Si es hombre, haga lo mismo, pero en ambos cosos asegúrense de nunca ser el victimario.

El plus:
(Dedicado para el público iniciado o social)
La directora Deepa Mehta es conocida por su película "Fuego" (1996) donde narra con colores vivos y cálidos las pasiones encendidas entre dos mujeres indias. Luego vino "Tierra", (1998), que pasó con mucho silencio con otra difícil relación de amor y sexo relatado en 1947 cuando la India y Pakistán empiezan a tener problemas territoriales armados y las tensiones entre hindúes y musulmanes se hacen evidentes.
La directora concluye su revisión de tres de los elementos con el film de "Agua", volviendo a las pasiones personales e históricas, pero añadiendo esta vez elementos de misterio y musical. El film consiguió el premio del Jurado Joven en el pasado festival de Valladolid.

Paréntesis:
Gracias a los lectores anónimos por sus votos y por leer esta columna, espero ver sus mensajes en mi correo o en este mismo espacio, se vale la crítica despiadada como la de Cyrana.

Ficha técnica:
Productor: David Hamilton
Director y guión: Deepa Mehta.
Año: 2005
País: Canadá e India.
Reparto:
Seema Biswas (Shakuntula),
Lisa Ray (Kalyani),
John Abraham (Narayan),
Sarala (Chuyia),
Manorma (Madhumati),
Dr. Vidula Javalgekar (Patiraji),
Raghuvir Yadav (Gulabi),
Kulbushan Kharbanda (Sadananda),
Vinay Pathak (Rabindra),
Ronica Sajnani (Kunti).